Jump to content

Ollie Olson

Medlem
  • Content Count

    13
  • Joined

  • Last visited

Community Reputation

3 Neutralt

1 Follower

About Ollie Olson

  • Rank
    Nykomling

Profilinformation

  • Kön
    Man
  • Stad/plats
    Stockholm
  • Intressen
    Musik, mat och vin. Gärna i kombination.

Recent Profile Visitors

790 profile views
  1. När du ska börja producera en låt för en artist, eller för dig själv så är det viktigt att veta vad som är viktigast. Är det produktionen som ska vara stjärnan, eller är det artisten? Oavsett så måste du känna att artisten och produktionen tillhör varandra. Som producent så är det så lätt att göra en produktion som du själv älskar, för du har flera coola tricks och lösningar som kommer att göra det till en jätteläcker produktion och låt. Om du inte har ställt dig frågan om en sådan produktion passar artisten och sången, så är det stor risk att hela produktionen faller platt när sången läggs på, för att den som ska sjunga inte kan identifiera sig med ljudbilden, eller att rösten inte passar i ljudmiljön. Här kommer några frågor som du ska ställa till dig själv och din artist: Vilken typ av genre ska det vara? Ska det vara en stor produktion eller minimalistisk produktion och ljudbild? Ska det vara en organisk eller en elektronisk musikvärld? Hur ska låten och produktionen spegla artisten? Hur ska vi hitta identiteten och personligheten så att den passar artisten? Vilken tonart passar artistens röst bäst?
  2. Nu när en vanlig laptop är kraftigare och har mer tekniska möjligheter än alla studior i världen, och man kan göra nästan precis vad som helst så är det lätt att göra för mycket. Det känns skönt att lägga på den där extra synten eller gitarren. Du tror att det kanske behövs 78 kör-dubbar och du har läst artiklar och intervjuer om vad alla “superproducenter” gör, men det viktiga är att du gör något som gör låten och artisten rättvisa. Ibland behövs bara några få element för att skapa den bästa miljön för låten och sångerskan/sångaren, och där mer pålägg bara kommer att tynga produktionen och göra den otymplig. Tänk så här: Varje nytt element ska ha en funktion som gör att låten blir sämre när du tar bort det. Om det känns schysst både med och utan pålägget, strunta då i det och försök hålla ner antalet kanaler för att skapa så mycket plats för sången som möjligt. Ju fler instrument som måste kämpa för en plats desto mindre fett kommer instrumenten och produktionen att kännas.
  3. En mix består av flera olika element, och det finns flera saker att ta hänsyn till: instrument, vokaler, frekvenser, effekter (som exempelvis reverb och delay) och sist men inte minst, vänster- och högeraxeln – det vill säga panorering. För att få plats med allt på ett bra sätt, så måste du utnyttja både djup och bredd på rätt sätt. Vi ska i detta tips prata om bredd. Djup kommer jag gå in på i nästkommande två mixtips. Ofta panorerar man mycket i mitten där sången ska ligga, eller låter "feta" pads, körer och andra saker ligga panorerade helt till vänster eller höger i stereobilden. Det tenderar alltså till att bli väldigt mycket i mitten av stereobilden, samt helt till vänster eller höger i stereobilden. För att skapa en luftigare och bredare mix, så gör så att du placerar ut olika instrument med panorering, i mitten och olika mycket åt vänster- och höger. Väldigt basiga ljud bör ligga i mitten av stereobilden tillsammans med sången, detta för att mixen annars kan ”tippa” åt det ena eller andra hållet. Den tippande känslan kan också uppstå när olika frekvenser är obalanserade i vänster- eller höger, det vill säga att det exempelvis är för basiga instrument för långt åt vänster eller höger. Om du exempelvis har en hi-hat lite till höger i mixen så kan du ha en shaker, tamburin, gitarr eller något annat högfrekvent instrument/ljud på motsatt sida, det vill säga till vänster i ljudbilden. Om du har ett elpiano till vänster i ljudbilden, så placerar du förslagsvis synten lite till höger. Försök verkligen att se det framför dig som en solfjäder och placera ut instrumenten så att det blir balans och luft mellan dem. Enkelt exempel på panorering av olika instrument
  4. När du skriver låtar så är det ju lätt att bli kär i sina egna idéer. Eller hata dem så klart! Ofta brukar vi låtskrivare tendera till att göra partierna/delarna i våra låtar alldeles för långa – framför allt övergångsdelarna som exempelvis övergången från första refräng till andra vers. Det blir ofta nästan dubbelt så långa partier än vad låten kräver. När du känner att du är klar med din låt, så spelar du in den på enklast möjliga sätt. Låt den sedan vila i några timmar eller dagar och lyssna sedan på den med kritiska öron, och känn efter var du tycker att det blir för långa partier. Ett vanligt fel är som sagt att övergången från första refräng till andra vers brukar bli för lång. Testa att ta bort det mellanpartiet helt om du har ett sådant, även om du älskar din egen "hook" som ligger där. Gå igenom låten del för del och se vad du kan trimma bort för att göra den effektivare. Det är en stor skillnad i lyssningsmönster mellan dagens lyssnare och lyssnarna för tjugo år sedan. Dagens lyssnare ”har inte tid” med för långa partier och skippar då hellre låten i sin Spotify- eller Apple Music-lista.
  5. En av mina favoritpluggar för riktigt hård kompression är Rough Rider 2 från Audio Damage. Kompressorn Rough Rider 2 är en enkel och lättanvänd kompressor som funkar väldigt bra på många instrument. Som namnet anger så är det en tuff kompis att ha när du behöver få saker att “pumpa” ordentligt. Den finns att hämta utan kostnad på: https://www.audiodamage.com/pages/free-downloads Med en ratiofunktion som går från 1:1 till 1000:1 så går det dessutom att använda den nästan som en limiter. En annan väldigt bra funktion är att det finns en mixfunktion vilket gör att du kan använda den som en parallell-kompressor och ”blanda in” det komprimerade ljudet i det rena om du inte vill ha så mycket kompressor-effekt. Den har förhållandevis korta attack- och releasetider vilket är praktiskt när du vill få saker att ducka snabbt. Det som vanligtvis kallas ”Threshold”, det vill säga tröskel, kallas på Rough Rider för ”Sensivity”, vilket är passande när det rör sig om en sådan kraftig kompressor.
  6. När du skriver text till din låt så brukar det gå lätt ibland. Och riktigt trögt ganska ofta. Det viktiga när du skriver texten till din låt är att inte fastna i det tröga för då blir det väldigt lätt att sluta, och resultatet blir bara ytterligare en nästan klar låt. Ett tips som brukar rädda de flesta är att skriva ”klart” så att du får alla delar på plats – sätt en struktur, och att du sedan skriver låtsasord eller förstås ännu hellre något riktigt som förmedlar texten, om än inte helt perfekt, i de delar av texten som du inte kommit vidare med. På så sätt så får du en ”hel” låt. När du sedan lyssnar på din dator/mobil/fickminnes-inspelning av det du har gjort, så blir det enklare att skriva om och ändra sådant som du inte tycker är riktigt bra. Jag brukar själv skriva om en text, melodi eller byta ackord åtminstone fem – sex gånger innan jag är nöjd.
  7. Referenslåtar är viktigt att ha av flera anledningar. Den första och största anledningen är för att du ska ha något att lyssna på om du kommer till olika studior, använder olika högtalare, olika hörlurar och olika miljöer. Se till att lyssna på referenslåtar – dessa låtar ska du spela upp för att bilda dig en uppfattning om hur dessa låter, för dig, i nya rum, i högtalare och hörlurar. Låtarna blir ett sätt för dig att kalibrera dina öron i en okänd miljö. Meningen är att du ska kunna dessa låtar utan och innan, ha analyserat frekvensgångar, instrumentens placering i ljudbilden, effektanvändning och alla andra saker en bra mix består av. Sedan kan du ta fram låten vart du än kommer och känna av hur dina referenser beter sig när du lyssnar där du inte är van. Den andra stora anledningen till att ha referenslåtar är för att kunna prata med den du mixar åt, eller för att själv ha något att jämföra med under mixningen, så när du ska börja mixa en låt så gör en lista i Apple Music, Spotify eller vilken streamingtjänst du nu använder. Be artisten, producenten eller bandet ge dig en lista på referenser från deras sida också för att få en bild av hur de tänker. Oftast när man får deras listor så ska man ta dem med en "nypa salt". De har oftast en något orealistisk bild av sin egen produktion, eller önskemål och idéer som kanske inte alls passar in, men det ger dig ändå en bild av hur de tänker. När det gäller referenslåtar i detta avseende så tänk på att de låtarna är mastrade och fixade i volym, så när de andra säger att det inte låter likadant så förklara varför, och att du också kan sätta på en limiter på masterbussen för att få upp volymen lite. Då blir folk glada!
  8. När du ska spela in sång eller andra instrument så är det så klart bäst att ha rätt mikrofoner för alla tillfällen. Men det kan bli en dyr historia. Viktigast är istället att du lär dig att placera den eller de mikrofoner du har på bästa möjliga sätt. En bra placerad mikrofon gör att instrumentet kommer att klinga naturligt och du kommer att ha fler frekvenser att arbeta med. Det första som ska göras är så klart att placera ljudkällan, det vill säga personen som sjunger eller spelar sitt instrument, i ett bra rum som är lagom dämpat, sedan går du runt och lyssnar hur instrumentet låter när det spelas. Lyssna på lite avstånd, lyssna nära, be personen spela låten som ni ska spela in och se var i rummet som det låter bäst och vad du vill ha ut av ljudet i produktionen. Oftast vill du ha ett nära ljud för att få det mesta möjliga ut av sångaren eller instrumentet, men ibland är en distansplacering precis det som passar bäst. Lyssna också på var på instrumentet klangerna är som tydligast – var kommer ljudet ut ur instrumentet? Ta en akustisk gitarr som exempel, den har sitt resonanshål där ljudet kommer ut, och visst kan du sätta en mikrofon där men du riskerar att få puffljud då ljudet flyttar luft ur gitarrkroppen där. Jag skulle istället placera mikrofonen vid tolfte bandet på en akustisk gitarr, om du vill ha ett lite mer diskantrikt ljud och vid stallet om du letar efter ett rundare och varmare ljud. Samma sak gäller pianon. Antingen ovanifrån ner mot strängarna för mer diskant och bakom pianot om det är mer värme och rundhet som eftersträvas.
  9. När man skriver texter så är det viktigt att skriva om något som man kan eller känner till. Eller åtminstone kan skaffa sig den insikten så att texten blir trovärdig. Oftast blir det bättre att utgå ifrån egna erfarenheter så att det går att bli personlig, för ju mer personlig texten känns desto större chans har den att fastna hos människor. Om valet är att skriva konceptuellt om en annan person eller ett skeende så är det alltså viktigt att veta något om detta, annars blir texten ihålig och upplevs som falsk. Det är sedan viktigt att skapa en atmosfär i texten för att “suga in” lyssnaren – antingen genom att som i countrymusiken, beskriva en plats eller personer så grafiskt och tydligt som det bara går. Använd ”möbler”, d.v.s. skriv om saker, detaljer, om rummet där det hela utspelar sig för att skapa atmosfären. I andra genrer kan du skapa atmosfären genom att hitta ett språk – att bara använda specifika, poetiska ord till exempel som blir textens identitet. Allt för att texten ska bli personlig, specifik och tydlig.
  10. Att sitta och vänta på inspiration är att slänga bort dyrbar tid då du ska skriva låtar. Se till att sätta av tid som om det vore ett arbete eller som att plugga. Genom att skapa rutiner så kommer inspirationen till dig. Det kan räcka med att du sätter av en eller ett par timmar om dagen eller några dagar i veckan, då du får sitta och koncentrera dig på att skriva musik, ensam eller tillsammans med någon. Se till att du har dina verktyg runt dig, det kan vara papper, penna, dator, ditt instrument, en telefon eller ett fickminne, så att du hela tiden kan spela in dina idéer som dyker upp. Försök skapa samma atmosfär varje gång, så att dina idéer kan flöda fritt utan att du behöver tänka på oväsentligheter.
  11. Sång är nog ett av det viktigaste du ska spela in om du arbetar med vokalmusik. Det är också bland det svåraste man kan göra. Det vanliga är att man bara ställer upp en en mikrofon framför sångerskan eller sångaren och sätter igång, och har man tur låter det toppen. Det troliga är att det blir bättre med dessa tips: Börja med att hitta ett rum som har lite takhöjd så slipper du reflektioner/studsar som gör ljudet otydligt. Om du är hemma, eller var du nu är så försök att sätta mjuka tyger/filtar eller madrasser runt mikrofonen som att bygga ett litet bås av samma anledning som med taket, för att slippa reflektioner. Du kan också köpa en skärm för detta ändamål i det flesta musikaffärer, och passa också då på att köpa ett puffskydd som tar bort explosiva konsonanter typ ”P”, ”B” och ”K”. När detta är gjort så är det bara att sätta igång att välja mikrofon. Om du är på en dyr och fin studio så kommer du ha en mängd av mikrofoner att välja på, men nu kanske du har två stycken, en dynamisk, typ Shure SM57, eller en kondensator-mikrofon, typ Neumann U87 eller någon av alla kloner som finns av den. Testa alltid de mickar du har, på den som ska lägga sång, för man vet aldrig vilken som passar bäst. Tillvägagångssättet är lite olika beroende på vilken typ av mikrofon du väljer men principerna är densamma. Nu är det viktigt att den som sjunger håller ett avstånd på ca 10-20 centimeters avstånd om det är en kondensatormikrofon och 5-10 centimeter om det är en dynamisk mikrofon, för annars uppstår den så kallade "proximitetseffekten", vilket innebär att ju närmare mikrofonen du står desto mer bas blir det i inspelningen, och tyvärr är det ingen bra bas, utan en bas som det är väldigt svårt att få bort och som inte låter bra. Om du å andra sidan står för långt bort så blir rösten tunn av samma anledning, så testa genom att låta den som sjunger prova olika avstånd.
  12. Låten är klar och nu ska du börja producera. Oftast, när man skriver elektronisk musik eller mer datorbaserade låtar så kommer ju oftast produktionen samtidigt som man skriver då låtskrivning och ljudbild går hand i hand. Men det kommer alltid ett läge då man så att säga ”börjar producera”. Det är ju coolt med coooooola sound, läckra effekter och en fet kick, men det viktigaste med produktionen är att den känns rätt för den genre som det gäller. Gör så här så får du en bättre överblick över din produktionsväg: 1. Hitta några referenser du, din artist, och övriga inblandade tycker ligger i linje med det ni har pratat om och som ni gillar. På så sätt så får ni en gemensam bas för det fortsatta arbetet och något slags rättesnöre och en tydlig bild av vilken genre du ska arbeta med under produktionens gång. 2. Leta igenom dina ljud och instrument om det är en mer elektronisk ljudbild, och skissa upp en inspelningsplan när det gäller studio, hur många mickar, spela in till klick eller inte, hur många instrument samtidigt eller andra tankar du får om det är mer organiska instrument i produktionen. 3. Sätt upp en tidsplan så att du vet hur mycket tid du behöver för att göra vissa saker, detta gör att du får mer tid över till andra delar i produktionen eftersom du får en överblick. 4. När du sedan sätter igång så kommer du få en massa bra idéer om instrumentval eller fina hookar i huvudet och då är det viktigt att du kollar av med den genre som låten ska vara i så att du inte börja dra produktionen åt fel håll för i dagens musiklandskap är det SUPERVIKTIGT att produktion är tydlig för att nå ut i bruset.
×
×
  • Create New...