Search the Community
Showing results for tags 'mixning'.
Found 112 results
-
FREDAGSTIPSET: I tider som dessa är det viktigt att påminna sig om att mindre många gånger kan vara mer. Och ibland behöver vi faktiskt ta ett steg tillbaka för att få nya (eller gamla) perspektiv, så även när det kommer till mixning av musik. Vad soptunnorna ska symbolisera låter jag vara osagt. Men en sak står i alla fall klar, vi slänger på tok för många godbitar i onödan. Jag brukar påpeka vikten av att använda referenslåtar, vilket du bland annat kan läsa om i Spellistan jag ständigt återkommer till för referenslyssning och Användning av referenslåtar inför mixning. Likväl brukar jag fråga de artister jag jobbar med om de har någon slaskmix/demo som jag kan utgå från som referens när jag mixar. Detta för att få ett hum om i vilken riktning de vill dra sin musik. Men hur går du egentligen tillväga om du mixar dig själv, eller om musikerna du jobbar med inte har någon referensmix? Går det att vara sin egen referens? Jo då, det finns det en enkel lösning på problemet, som dessutom är ruskigt effektivt. Detta tips utfår från att du sätter tänderna i en helt ny mix, från grunden. Slaskmixen Börja med att ställa volym och panorering, inget annat. Lägg max 15-20 min på detta, beroende på projektets storlek. Jobba snabbt och mixa med hjärta snarare än hjärna. Fokusera på vad som känns rätt i stunden och lita på din magkänsla. Exportera och spara slaskmixen, vilken vi snart ska återkomma till. Ta en paus på 5-10 minuter. Breda filter Nästa steg är equalizern. Här föreslår jag att du använder breda filter och försiktiga hög- och lågpassfilter. Jobba med stora penseldrag, snarare än kirurgiska ingrepp, och fokusera på helheten istället för detaljerna. Syftet är att hitta en frekvensmässig balans mellan de olika kanalerna, utan att förändra grundljudet allt för mycket. Det ska låta naturligt i brist på bättre uttryck. Det kanske handlar om att du sänker 2-3 dB vid 400 Hz på gitarrerna för att lämna plats till sången, eller att basen får en liten knuff runt 80 Hz, medan baskaggen får backa vid samma frekvens. Lyssna och justera i kontexten och försök att undvika soloknappen *. Denna metod förutsätter att du spelat in så som du vill att det ska låta, vilket för övrigt alltid är att rekommendera. * Soloknappen är utmärkt när du behöver detaljlyssna eller leta problematiska frekvenser, vilket inte är nödvändigt i detta skede. Bilden visar ett low-cut vid 80 Hz med 6 dB slope, -3 dB vid 400 Hz samt en liten ökning vid 10 kHz. Observera de breda justeringarna, likt böljande kullar. Kompression på rätt sätt Precis som med equalizern är det nästan alltid bättre att komprimera i sammanhanget. Det är nämligen lätt hänt att du komprimerar för lite, eller för mycket, om du sololyssnar eftersom kompressionen då av naturliga skäl hörs tydligare. Kompression upplevs med andra ord olika, beroende på kontext. Vidare handlar kompression lika mycket om att kontrollera dynamik som att forma ljud och skapa rörelse, vilket du kan läsa om i Varför låter mixen så tun och livlös? - del 1 och 2. Det är därför extra viktigt att komprimera med hänsyn till övriga instrument då allt hänger ihop. Med detta sagt är det långt i från alla instrument eller kanaler som behöver komprimeras. Generellt är sång, bas, trummor och vissa akustiska dynamiska instrument givna, resten bör du ta en rejäl funderare över. Rymd Slutligen ska vi skapa lite rymd runt varje instrument med hjälp av reverb och då talar jag inte om ett reverb som hörs, utan snarare känns. Ett reverb som fyller ut tomrummet, det torra, mellan varje anslag. Detta ger automatiskt mixen mer djup och en känsla av en tredje dimension, snarare än två - som mellan vänster och höger högtalare. Två fina pluggar för ändamålet är Sunset Sound Studio Reverb från IK Multimedia och Valhalla Room. Självklart kan det finnas anledning att lämna vissa instrument helt torra, för att skapa kontrast, vilket är ett kapitel i sig. Sunset Sound är mitt nya favoritreverb när det kommer till att efterlikna olika sorters rum, stora som små. Slaskmix 2 Nu är det dags att exportera igen och denna gång döper du mixen till slaskmix 2. Ta en paus på minst 5-10 minuter. Jämför sedan den nya mixen med den ursprungliga slaskmixen. Varför? Jo, den ursprungliga slaskmixen talar nämligen om för dig vad som är viktigt i låten, för dig. Du mixade utan att tänka för mycket, du mixade på känsla utan att blanda in tekniken. Vidare berättar den på ett rakt igenom ärligt och oförskönat sätt om du rattat bort sig på vägen. Blev det verkligen bättre? Om så är fallet, bra, fortsätt då att mixa som vanligt med effekter, automatiseringar och annat (men spara den nya slaskmixen som nästa referens). Om inte, gå tillbaka till ritbordet och fundera över vad som gick snett och varför. Ibland är det en god idé att börja om från början, helst nästa dag med pigga öron. Andra gånger räcker det med enstaka justeringar. Slaskmix 1 och 2 importerade i ett tomt projekt för att snabbt kunna jämföras med varandra. Tänk på att det kan vara volymskillnader. Lycka till. Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Eller om du hellre föredrar att diskutera om mixning i avdelningen "Mixning och mastring" på Studios forum här! Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du fredagstipset från 2019 och framåt Här är fredagstipset på Studio från 2018 och tidigare -
Hej. Jag och en kompis har samlat på oss ett par låtar som ska spelas in i Stockholm. Vi behöver alltså en duktig producent med inapelningsmöjligheter. Vi kommer att betala för detta. Priset kommer bero på hur nöjda vi är med dig samt dina färdigheter inom produktion. Vi ser gärna att du bidrar och är engagerad från start till slut. Totalt 4 låtar, instrumentals finns redan. Vi kan sträcka oss till 2500 per färdig låt. (Inkl. Inspelning) så från inspelning till mastring kan vi erbjuda 2500. Är det så att du kör alla fyra låtar och vi är nöjda så kommer vi lägga till 2000 kr som tack. Så totalt 12 000 om allt går bra. Kontakta mig på PM här.
-
FREDAGSTIPSET: Studio lanserar Mixakuten – Vi har alla varit där… Det låser sig rejält i mixning- eller mastringsprocessen, tiden är knapp och du vet varken ut eller in. Men lugn, inom kort kommer du som medlem på Studio kunna ladda upp din egenproducerade musik och få professionell feedback på din mix- eller mastring utan kostnad. Räkna med lansering om 1-2 veckor. En stressad musikproducent ritad av Johanna Kristiansson © http://johannakristiansson.com På Mixakuten kommer du som medlem på Studio kunna ladda upp din egenproducerade musik och få professionell feedback. Jag kommer personligen svara på frågor gällande inspelning, mixning och mastring, oavsett vilken nivå du befinner dig på eller var i skapandeprocessen du är. Det kan handla om allt från ljudet på en virveltrumma, till hur sången sitter i mixen, eller vilka frekvenser som behöver ses över i slutproduktionen. Processen är enkel: Du laddar upp en ljudfil tillsammans med en fråga via Studios nya funktion, som sedan besvaras med en utförlig förklaring. Du har sedan möjlighet att återkoppla och betygsätta processen. Varje medlem har tillgång till två valfria uppladdningar, helt gratis, därefter sköts eventuell vidare kontakt utanför Studios ramar. Det är viktigt att inse att Mixakuten inte är ett fullvärdigt alternativ till varje sig mixning eller mastring, utan enbart ska ses som en hjälpande hand och förhoppningsvis en knuff i rätt riktning. Centralt är också förståelsen för att musikproduktion är ett kreativt yrke och därmed saknar regler för vad som är rätt och fel. Se därför Mixakuten som ett alternativ, ett nytt perspektiv, snarare än en lösning. Mixning och mastring är i mångt och mycket subjektivt, en konstform som så många andra. Jag kommer därför aldrig kunna garantera att du blir 100% nöjd eller att jag kan lösa alla problem som dyker upp. Vad jag däremot lovar är att göra mitt yttersta. Förhoppning är att Mixakuten ska dra igång inom två veckor. Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Eller om du hellre föredrar att diskutera om mixning i avdelningen "Mixning och mastring" på Studios forum här! Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du fredagstipset från 2019 och framåt Här är fredagstipset på Studio från 2018 och tidigare -
Ollie Olson är en av Sveriges mest meriterade mixare, med en rad guldskivor i Sverige och utomlands. Vi bad honom ta fram vad som enligt honom var de 49 viktigaste mixtipsen. Här är tips 15-18 av de 49 bästa mixtipsen, och annan generellt värdefull visdom kring hur dina mixar kan nå högre höjder. 15. Jobba med parallellkomprimering Skapa fyra olika bussar med två olika kompressorer, en distorsionsplugg och gärna en enveloper-plugg, typ Transient Designer. Sätt den ena kompressorn så att den har en långsam attacktid, kort releasetid och en ratio på 4:0. (Bild 1). Bild 1. Kompressor ett med långsam attacktid, kort releasetid, och en ratio på ca 4:0 Sätt den andra kompressorn tvärtom, men med ungefär samma ratio. (Bild 2). Bild 2. Kompressor två med en långsammare attacktid och en kortare releasetid, men med ungefär samma ratio Skruva fram ett lite överstyrt sound på distpluggen. (Bild 3). Bild 3. Skruva fram ett lite överstyrt sound på distpluggen Sätt envelopern (i detta exempel SPL Transient Designer Plus), så att den skapar attack och tar bort ambiens. Skicka sedan, via en send, trummor och bas till de två bussarna. Dra sedan upp reglarna så att du hör att "punchen" i trummor och bas får lite mer tydlighet. Detta kallas för parallellkompression eller additiva effekter. (Bild 4). Bild 4. Envelopern (SPL Transient Designer Plus), inställd för att skapa attack och ta bort ambiens 16. Eq:a samplade baskaggar rätt Detta gäller samplade baskaggar: Var noga med att låta dem få en stadig botten. Tveka inte att lägga på ett par decibel vid 50–60 hz och sedan kanske holka ur dem vid 200–400 hz så att du får en ren bas. Lägg på ett par decibel vid 50–60 hertz och holka ur vid 200–400 hz så att du får en ren bas 17. Skär i basen på överhängsmickar och cymbaler Skär överhängsmickar och cymbaler så högt upp i basen som du känner att du kan utan att förlora kropp i dem. De har annars en förmåga att störa i låga frekvenser. Skär högt upp i basen 18. Behåll botten på kicken Använd en långsam attack och en kort release för att få behålla så mycket botten som möjligt. Jag använder kompressorn mer för att kontrollera nivån och inte för att komprimera så mycket. Den komprimering som hörs får i stället komma från parallellkompressorerna. De 49 bästa mixtipsen är en uppdaterad och reviderad version av tidigare publicerad artikel med samma titel i Studio 10-2011. -
FREDAGSTIPSET: Det sägs att volymkriget är över, att du inte längre behöver bry dig om hur starkt eller svagt du mastrar din musik. Men är det verkligen så enkelt, eller är det kanske rent av så att den mossiga konflikten fått ett nytt ansikte? Volymkriget, som bottnar i rädslan att inte höras tillräckligt mycket, syftar på den volymökningstrend som tog sin början under 40-talet och peakade på 90-talet med CD-skivan. I korthet handlar kriget om artisters och skivbolags tävlan om att låta så starkt som möjligt, på bekostnad av dynamik och ljudkvalité. Detta för att vara så konkurrenskraftig som möjligt på radio, tv och dansgolvet. Volymkriget nådde troligen sin kulmen 2008 med Metallicas överkomprimerade album Death Magnetic, som till och med fansen reagerade negativt på. Fördjupa dig gärna i ämnet här: Loudness war, innan du läser vidare. För några år sedan analyserade mastringsteknikern Bob Katz sound check-algoritmen på iTunes (vilken automatiskt anpassar volymen mellan låtar) och kom då fram till att den genomsnittliga volymen låg runt -16,5 LUFS. LUFS (Loudness Unit Full Scale) kan enkelt förklaras med hur vi upplever ljudstyrka. Ju högre LUFS, desto starkare volym, -8 LUFS är alltså starkare än -16,5 LUFS och 0 LUFS är maxgränsen. Detta ledde i sin tur till att streamingtjänster som Spotify och YouTube implementerade egna normaliseringsprocesser, för att råda bot på den dåvarande problematiken med stora volymskillnader mellan låtar. Starkt limiterad/komprimerad musik sänktes i volym och svag höjdes, för att passa den nya standarden. I praktiken innebar detta att ju mer du pressade upp din musik volymmässigt, desto svagare blev slutresultatet - alltså raka motsatsen till det dåvarande volymkriget. Även om streamingtjänsternas olika algoritmer skilde sig något åt (och fortfarande gör), enades de flesta ändå om att detta var rätt väg att gå och att volymkriget därmed var påväg mot sitt slut. Slutet gott allting gott, eller? Många tror att det var CD-skivan som startade volymkriget, när det i själva verket började redan under 40-talet med 7" singlarna och senare på 50-talet med Juke-boxen, där folk hade för vana att välja skivorna som lät mest. Men faktum är att problematiken kvarstår år 2020, om än i något mindre omfattning. De flesta vill nämligen fortfarande låta störst och mest, precis som på CD-tiden, men inom den nya ramen och den nya uppsättningen regler hos streamingtjänsterna. Så egentligen har volymkriget inte förändrats eller upphört, bara transformerats. Två låtar med samma LUFS kan i själva verket upplevas olika starkt, vilket artikeln Mastring – en ytterst delikat process tydligt visar. Personligen är jag dock övertygad om att den nya normaliseringstrenden mest fört gott med sig. Den första uppenbara fördelen är att vi får mer dynamisk musik, vilket visserligen är en smaksak, men som generellt bidrar till en mer angenäm lyssning. Den andra är att större fokus nu läggs på att göra så välljudande och frekvensmässigt balanserade mixar som möjligt, snarare än att enbart tänka volym. Huruvida detta påverkar den faktiska kreativiteten och musikaliteten vågar jag dock inte uttala mig om. Men välljudande mixar är och kommer alltid att vara mer framtidssäkra än musik som gör allt för att låta så stark som möjligt. Samtidigt tror jag att vi framöver kommer få betydligt mer avancerade normaliserings-algortimer, vilket kommer utjämna de befintliga volymskillnaderna än mer. Detta är naturligtvis bara ren spekulation från min sida. Så vad betyder då allt detta? Jo, om du vill att din musik ska sticka ut och höja sig över resten på diverse digitala plattformar ska du sluta tänka volym och istället börja fokusera på kvalité. En välbalanserad mix där samtliga frekvenser är representerade på ett bra sätt är det som väger tyngst idag. Du kan med andra ord strunta i allt vad siffror heter (eller åtminstone delvis, vilket jag redogör för i Hur volymstark ska din mix vara 2020?) och istället koncentrera dig på att vara kreativ och göra din musik rättvisa. Bra musik kommer nämligen alltid låta bra, i alla fall om vi lyssnar till historien. Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Eller om du hellre föredrar att diskutera om mixning i avdelningen "Mixning och mastring" på Studios forum här! Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du fredagstipset från 2019 och framåt Här är fredagstipset på Studio från 2018 och tidigare -
Ollie Olson är en av Sveriges mest meriterade mixare, med en rad guldskivor i Sverige och utomlands. Studio bad honom ta fram vad som enligt honom var de 49 viktigaste mixtipsen. Här är tips 9-14 av de 49 bästa mixtipsen, och annan generellt värdefull visdom kring hur dina mixar kan nå högre höjder. 9. Håll koll på basregistret Tänk på att du kan styra basens lägre register med en kompressor. Ju snabbare attacktid och ju längre releasetid du har, desto mer trycker du ner basfrekvenserna. Om du gör tvärtom så kommer subfrekvenserna fram. 10. Komprimera kicken rätt Var noga med kompressionen så att inte bastrumman blir för "ploppig". Använd gärna en längre attacktid så att den initiala basresponsen kommer fram (bild 1). Bild 1 – Använd gärna en längre attacktid så att den initiala basresponsen kommer fram 11. Placera trummorna i rummet Pröva olika rum och reverb på trummornas alla instrument och skapa en helhet där trummorna spelar i samma rum. Prova också att panorera pukor och cymbaler extremt mycket – höger, vänster eller väldigt nära varandra – för att se hur mycket plats trummorna ska få ta i ljudbilden. Det påverkar hur brett du kan panorera övriga instrument och fortfarande hålla ihop ljudbilden. 12. Håll koll på basen i pukorna Var väldigt noga med balansen i basfrekvenserna på pukor så att de inte krockar med basen och bastrumman. 13. Hitta smällen i virveln Experimentera med olika attacktider på kompressorn så att du får maximal smäll utan att kväva ljudet. Ju längre attacktid desto mer attack i virveln. (Se nedan två exempel). Exempel 1: på hur du vrider fram mer smäll i en virvel med Logic:s Compressor. Nedan finns ytterligare ett exempel. Men testa dig fram! Exempel 2 på hur du vrider fram mer smäll i en virvel med Logic:s Compressor 14. Flytta in virveln i ljudbilden Testa att skicka virveln till ett kort trärum från någon av dina reverbpluggar för att få bredd och för att flytta in virveln i ljudbilden. Effekten ska nästan inte märkas av. Exempel på ett kort trärum. I det här fallet "Small Wet Room" med 138 millisekunders avklingningstid (eng. decay time) från Logic:s Space Designer Här finner du 49 bästa mixtipsen: Tips 1-8 "49 bästa mixtipsen" är en uppdaterad och reviderad version av den tidigare publicerade artikeln med samma titel i Studio 10-2011. -
Har du någon gång drömt att kunna resa och jobba med musik samtidigt? Jag vet i alla fall att jag har det. En anledning är att jag gillar att resa, men det kommer alltid med en lång “baksmälla”. (In English at the bottom of the page). Det tar ofta lång tid att komma tillbaka in i rutiner och jag brukar vara fruktansvärt ineffektiv ett bra tag efter att jag kommer hem. Så det skulle fungera bättre för mig att inte behöva släppa alla projekt helt och hållet under resan, för att inte helt tappa bollen. I slutet av Februari blev det det en väldigt spontan resa till Vietnam. Jag och min flickvän hittade och bokade resan 48 timmar innan vi åkte. Jag hade precis avslutat en hel drös med inspelningsjobb och hade i stort sett bara mixjobb att ta tag i. Planen blev en så kallad Workation. Jag försökte gå upp skapligt på morgonen och få så mycket jobb som möjligt gjort under de första, mest produktiva, timmarna för att sedan semestra och hänga runt under eftermiddagarna och kvällarna. Eftersom jag redan tidigare anpassat min mix-setup för att kunna vara flexibel så gick det utmärkt. I veckans video tänkte jag visa mer exakt hur den uppsättningen ser ut. ENGLISH Mixing on a tropical island Have you ever dreamt about being able to travel and work at the same time? I know I have. One reason is that I like to travel, but it always comes with a “hangover”. It usually takes an awful lot of time for me to get back to my routines, and I tend to be very ineffective a while when I get back home. So, it would be more efficient for me to be able to still be active in projects and not to drop the ball entirely. During the end of February the opportunity for a very spontaneous trip to Vietnam came up. Me and my girlfriend found and booked the trip 48 hours before we left. I had just finished up a bunch of recording projects and pretty much only had mix work to do for a couple of weeks. The plan was to do what’s called a Workation. I tried to get up fairly early in the mornings to get some work done during the productive hours, and then we spent the afternoons and evenings doing vacation stuff. Since I already from before have scaled down my mix setup to be more flexible it went great. In this weeks video I want to show you more in depth what that setup looks like. Ulf Blomberg Producer & Audio engineer +46709184758 | www.hoborec.com Se fler av HoboRec:s video-bloggar på Studio från maj 2017 och framåt här Se fler av HoboRec:s video-bloggar på Studio från april 2017 och tidigare här
-
Ollie Olson är en av Sveriges mest meriterade mixare, med en rad guldskivor i Sverige och utomlands. Vi bad honom ta fram vad som enligt honom var de 49 viktigaste mixtipsen. Här är tips 1-8 av de 49 viktigaste mixtipsen, knepen och annan generellt värdefull visdom kring hur dina mixar kan nå högre höjder. En del tips känner du säkert till sedan tidigare, men det kan ändå vara bra att påminnas om varför det är så viktigt. En hel del tips kommer garanterat vara helt nytt för dig. Ollie Olson har lång och stor erfarenhet med sitt flera decennier långa arbete med inspelning och mix – dels med äldre flera stjärnor i USA, men han har även skrivit låtar åt Darin, Christian Walz, Rigmor Gustafsson, Eagle-Eye Cherry med flera, och han har mixat hits åt Robyn, Christian Falk, Blacknuss, Meja, Håkan Hellström, Bee Gees, Lady Soveregin med flera. 1. Lyssna rätt Skaffa dig bra högtalare och ett par bra hörlurar. Dina viktigaste verktyg är dina öron och din lyssning. –Jag hör ofta av folk att ”nu har det kommit ett par nya prylar som jag måste kolla in”. Men när jag väl pratar med mina kolleger så kör de oftast på ett par högtalare som de har haft i åratal. Varför? Jo, för att de kan dem. De vet exakt hur de låter därför att det har tagit sin tid att lära känna dem. Hitta ett par högtalare som du gillar – tonen, värmen, basen och diskanten. Sätt sedan igång och lär dig hur de uppför sig med olika instrument och röster. Referenslyssna på musik du gillar och som du har hört mycket. Det behöver inte nödvändigtvis vara samma typ av musik som du jobbar med, bara så att du vet hur högtalarna och hörlurarna verkligen låter. Alla människor har olika uppfattning om ljud, så lita på din egen uppfattning. 2. Använd referenslåtar Innan du börjar mixa bör du skaffa dig en bild av vad det är för genre du ska jobba med. Försök sedan hitta en eller ett par låtar som du kan använda och bolla idéer och ljud gentemot. Tänk på att när det gäller genren så kanske det mer handlar om smakinriktade idéer eller balanser mer än soundet. Chansen att de ljud som finns i dina referenslåtar ska vara exakt likadana som i din låt är trots allt ganska liten, om du nu inte jobbar med sound-alikes. När det gäller frekvensreferens är det viktigare att du lyssnar på musik som du kan väldigt väl och där du vet hur frekvenskurvan och ljudbilden låter i de högtalare du jobbar med. Här finner du ytterligare tips från Ollie Olson gällande referenslåtar. 3. Sätt dig in i materialet Se över alla kanaler. Dra upp dem i samtidigt utan effekter eller andra modifikationer så att du hör vad som händer i ljudbilden. 4. Hitta de bärande kanalerna Inom alla genrer finns det vissa ljud som är låtens eller produktionens "grund". Identifiera dem och utgå därifrån. Inom dans, electronica och hiphop är det förmodligen beat och bas. Inom singer-songwriter och country är det oftast sången. I pop och rock ligger oftast ackordinstrumenten i fokus. 5. Identifiera dina "happy channels" När du har bildat dig en uppfattning om helheten så är det bra att tysta eller dra ner alla kanaler på noll. Börja med att systematiskt gå igenom kanal för kanal för att hitta de kanaler som gör dig glad och inspirerad. 6. Gör en speedmix Gör en snabb överskådlig mix med endast volymreglarna så att du får kontroll över helheten. 7. Snabbmixa sången Gör en snabbmix av leadsången som låter tillräckligt bra och stilmässigt så nära din slutidé det går. Även om du för det mesta har sången tystad (mute) så är det bra att då och då lyssna med sången på, för att inte mixa andra instrument för vasst eller för muggigt – och för att få en överblick över helheten. Om du upptäcker att sången helt plötsligt låter för muggig eller för vass så beror det oftast på att du har skruvat några andra instrument för extremt så att sången antingen lägger sig utanpå musiken eller har svårt att poppa ut. 8. Se till att bas och bastrumma inte krockar Ett av de allra svåraste områdena inom mix är att få ordning på basregistret. Viktigt att veta är att bastrumman och basinstrumentet inte får krocka med varandra frekvensmässigt. Välj det ena eller det andra som ska stå för det lägre registret, och låt det andra ligga ovanför. Testa dig fram genom att byta plats på instrumenten för att se vad som passar bäst. Här finner du 49 bästa mixtipsen: Del 9-15 "49 viktigaste mixtipsen" är en uppdaterad och reviderad version av den tidigare publicerade artikeln med samma titel från Studio 10-2011. -
musikproduktion Så kommer du vidare när du fastnat i musikproduktionen
Ollie Olson posted en artikel in Tips
När du ska påbörja en musikproduktion så är planering, koll på musikgenre, avstämning med artist eller beställare och en klar idé oerhört viktigt. Att ha koll på detta har jag skrivit om tidigare. Det är ju alltid roligare om saker bara flyter på, men även om du har gjort hemläxan med allt detta, så kommer du under arbetets gång att stöta på problem. Inspirationssvikt och idéer som inte går att genomföra, och det är helt naturligt och inget du ska ta lätt på, men du ska inte heller låtsas som att det inte kommer att hända. För det gör det. Hur gör du då för att ta dig ur det? Jo, det finns lite olika sätt, och i detta tips ska vi gå igenom lite olika alternativ, och alla alternativ bygger egentligen på samma grund – att hitta de vägar som passar dig för att ta dig ut ur svackan. Kortleken som tar dig ur kreativa problem 1975 så slog den legendariske musikproducenten Brian Eno sig ihop med konstnären Peter Schmidt, och skapade en kortlek för att hjälpa sig själva, och andra ur kreativa problem. De skapade kortleken Oblique Strategies. Här finner du appen på Google Play, och här på App Store. På dessa kort stod det något som innebar att man skulle tänka på ett problem ur en annan synvinkel. Så när man fastnade i något så skulle man dra ett kort och göra det som stod där. Förslagen kunde vara ”Betona skillnaderna”, eller ”Gör ingenting så länge du kan”, eller ”Ta bort tveksamheter och ersätt dem med något specifikt”. Detta är uppmaningar att i stunden ta en annan väg eller se det man gör i ”ett nytt ljus”. Andra förslag från korten kan vara ”Behöver du ändra orden”, eller ”Bara en del, inte helheten” eller ”Gå sakta runt huset ett varv”. Det vill säga att göra något annat en stund, så att du får en möjlighet att låta hjärnan vila för att den ska återigen ska kunna fungera kreativt och praktiskt. Jag har använt dessa uppmaningar många gånger när jag behöver hjälp för att lösa upp knutar som sitter för hårt. En del av korten är ganska abstrakta, och det är ju meningen att man ska tolka dem så att de passar din situation här och nu. Jag brukar ha några vägar som jag själv testar innan jag tar fram appen med korten. För mig handlar det mycket om att testa något som jag inte först tänkt på, för att bryta mitt mönster, vilket ju i sin tur är grundidén med dessa kort och förslag. Lyssna på din låt utan volym Ibland när jag sitter och mixar, och känner att det är något i helheten och balansen mellan instrumenten eller frekvenserna som inte funkar, och hur jag än ändrar och vrider så blir inte mixen bättre. Då brukar jag spara om mitt mix-arrangemang i ett nytt namn och sedan dra ner alla kanaler i volym till botten, och spela låten utan ljud. Och medan jag tittar på hur markören rör sig över alla filerna, så försöker jag minnas hur det låter, och hur jag vill att det ska låta. När det är helt tyst i högtalarna eller hörlurarna, fast mina ögon registrerar att låten spelar, så är det som att vissa saker blir tydligare under tidens gång. Låten spelas upp i huvudet på mig, och då brukar det direkt dyka upp idéer. Sedan drar jag upp volymen på de olika instrumenten, rösterna och kanalerna, utan att ändra på eventuella pluggar som exempelvis EQ, kompressorer och effekter, för att återställa balansen, och oftast får jag en ny balans som är mycket bättre och tydligare. Det sker för att jag för en stund släpper det som mina öron har vant sig vid, och jag släpper idéer som jag gillar men som kanske inte passar i mixen. Ta en paus genom att lyssna på annan musik En annan sak som jag också gör i inspelningssituationer, redigering, i påläggsfasen men också i mix, är att jag tar en paus, och lyssnar på tre låtar av helt annan karaktär. Jag lyssnar inte aktivt som för att jämföra, utan jag ”slölyssnar” för att jag gillar låtarna och rensar på så sätt min hjärna och mina öron från det som har tagit all min uppmärksamhet under de senaste timmarna. När jag sedan kommer tillbaka till låten så hör jag den med andra öron och jag kan sedan ta nya beslut om arbetet. När jag ska välja ljud för pålägg, som till exempel ett pad-ljud så brukar jag spela in idén i midi med det ljud jag har tänkt, fast jag känner att det inte passar in, och sedan byter jag ljud hej vilt till något ljud som jag verkligen inte tror ska passa in. Detta gör jag för att hitta något i frekvenserna och karaktären som kan överraska mig, och få mig att höra vad som egentligen behövs och inte bara vad som förväntas. Du ska själv hitta de vägar som passar dig för att ta dig ut ur svackan, men ett starkt tips är att skaffa apparna för Oblique Strategies som jag nämnt tidigare. -
FREDAGSTIPSET: Finns det verkligen magiska frekvenser som lyfter din musik till nya höjder? Dagens tips bjuder på ett och annat ess i rockärmen. För ett antal år sedan lyssnade jag på en podd där frågan om magiska frekvenser dök upp. Programledaren svarade då att 100 Hz, 1000 Hz och 10000 Hz var de områden denne helst skulle se på en equalizer, om endast tre frekvensband var tillåtna. Detta eftersom dessa frekvenser tillsammans representerar bas, mellanregister och diskant på ett övergripande sätt. Nu ser verkligheten tack och lov inte ut så (även om jag ibland önskar att vi hade betydligt färre val) när det kommer till att mejsla fram välljud. Diskussionen mynnade sedan ut i att alla frekvenser är mer eller mindre magiska, beroende på hur och när de används. Det ligger mycket sanning i detta. Om du exempelvis spetsar öronen lite extra och zoomar in på valfri frekvens när du mixar, hör du ganska snart vilken textur den bidrar med. Det kan handla om allt från tyngd, värme. mjukhet och luft, till träighet, ihålighet, hårdhet eller en nasal framtoning. Och faktum är att inget av detta är varken bra eller dåligt eller rätt eller fel. Istället handlar det om kontexten, vilket vi snart kommer in på. Min personliga equalizer hade förmodligen sett ut något i stil med 40 Hz, 80 Hz, 150 Hz, 350 Hz, 600 Hz, 1200 Hz, 2500 Hz, 6000 Hz och 12000 Hz, men det vore ju direkt fusk! Med anledning av detta väljer jag istället att fokusera på två frekvensområden som enligt mig är nog så viktiga att lyssna lite extra på. 300-400 Hz Det varma frekvensområdet. För mycket energi här kan ge ett grötigt och dämpat intryck och för lite har förmågan att framstå som innehållslöst, utan ordentlig stomme. Musiken som toppar diverse listor idag är generellt sett väldigt polerad. Med detta menar jag att den är tydlig, välbalanserad och tillrättalagd. Området 300-400 Hz är långt ifrån lika representerat idag som det var förr och då tänker jag framförallt på äldre RnB och soul, men även på klassisk pop och rock. Det finns idag en trend som går ut på att gröpa ur det lägre mellanregistret och boosta det övre, vilket naturligtvis inte är fel i sig, men som ger ett något homogent (läs modernt) uttryck. Magi eller inte? Den frågan lämnar jag obesvarad. En utmärkt plugg för att hålla koll på bas och lågt mellanregister är hursomhelst BASSROOM. 2000-4000 Hz Det hårda frekvensområdet. För mycket blir snabbt påträngande och slitsamt för öronen, medan för lite ger ett dovt och tillbakadraget intryck. Det är också här våra öron är som mest känsliga (med toppen runt 3-4.5 kHz), vilket gör det extra svårt att hålla koll på. Om du sitter och mixar en hel dag är det därför stor risk att du drar på för mycket 2000-4000 Hz, eftersom dina öron förmodligen tröttats ut. Men det övre mellanregistret är inget att vara rädd för, speciellt 3000 Hz är utmärkt för att trolla fram en klarhet i de flesta instrument. Pluggar som Soothe 2 och bx_refinement är självklara val för att trolla bort oönskad diskant, men samtidigt bibehålla mycket av klarheten. Även en dynamisk equalizer som Ozone 9 Dynamic Eq eller gratisvarianten TDR Nova kan göra underverk när du minst anar det. Fletcher–Munson och frekvenser På 30-talet gjorde Fletcher och Munson mätningar av det mänskliga örat och drog slutsatsen att mellanregistret är mer framträdande vid lägre ljudnivåer och att denna respons planas ut ju starkare volymen blir. Vi upplever alltså frekvenser olika starkt vid olika volym. I prakten innebär detta att du som mixar på svag volym går miste om bas och diskant och du som lyssnar starkt tappar mellanregistret. Men vad är då en bra lyssningsvolym? En ljudnivå på runt 85–90 dB sägs ge den rakaste frekvensuppfattningen, det vill säga att du upplever bas, mellanregister och diskant relativt jämnt. Med detta i åtanke är det därför en god idé att utsätta dina mixar både för stark och svag volym (för att kontrollera att de håller ihop), men att i största möjliga mån lyssna på "normalvolym" - för att vara så ärlig mot öronen som möjligt. Är inte detta magi så säg? En SPL-mätare är till stor hjälp för att hålla koll på nivåerna i studion. Fördjupa dig gärna i ämnet här https://en.wikipedia.org/wiki/Equal-loudness_contour. Fletcher-Munsonkurvorna kommer väl till pass när du vill förstå hur vi människor uppfattar frekvenser vid olika ljudstyrka. Magi eller inte? Magiska frekvenser och annat hokus pokus i all ära. I slutändan är det endast du själv som avgör vad som behöver justeras. Självklart kan det vara till hjälp att utgå från vissa väl valda frekvensområden, men då ingen mix är den andra lik kan det lika gärna stjälpa mer än hjälpa. Det som krävs för att exempelvis cymbalerna ska skina i den ena låten är nödvändigtvis inte rätt tillvägagångssätt i den andra. Men kanske ännu viktigare att förstå är att alla är skapta olika och tenderar att uppskatta olika typer av ljud och därav också olika frekvenser och produktioner. Bara för att jag råkar älska ljudet av en varm nylonsträngad gitarr, betyder inte detta att nästa person uppslattar samma sak. Om vi leker med tanken att du drar på med 2500 Hz på leadsången, så kommer detta garanterat att tilltala en del, men säkerligen skrämma bort lika många. Sedan ska det givetvis understrykas att det är skillnad på equalizer och equalizer, vissa är mer eller mindre helt transparenta, medan andra färgar - vilket naturligtvis kan ge en känsla av magi när du drar i rattarna. Men detta handlar snarare om equalizern i sig än om frekvenserna. Några personliga favoriter som kolorerar tillvaron på ett tillfredställande sätt är Black Rooster Audio VEQ-1P, Sly-Fi Axis, Kush Audio Clariphonic DSP MkII, Waves Scheps 73 och i stort sett alla equalizers från Acustica Audio. Green från Acustica Audio är visserligen transparent, men sätter definitivt färg på tillvaron och lyfter originalljudet på ett fint sätt. Balans För att knyta an till inledningen gällande kontexten. I förläningen handlar det kort och gott om balans, vilket också är hela poängen med att mixa - att skapa en helhet som fungerar. För mycket lågt mellanregister blir grötigt, för lite låter tunt, den rätta mängden upplevs kanske som varmt, för mycket höga frekvenser blir vasst, men i lagom dos blir det tydligt och så vidare. Det finns alltså (tyvärr) inga magiska frekvenser du kan slänga på för att få din musik att låta bättre. Den goda nyheter är däremot att alla frekvenser är magiska när de får det utrymme de förtjänar, varken mer eller mindre. Lycka till! Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Eller om du hellre föredrar att diskutera om mixning i avdelningen "Mixning och mastring" på Studios forum här! Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du fredagstipset från 2019 och framåt Här är fredagstipset på Studio från 2018 och tidigare -
Det finns många produktionsknep för att få en bredare mix. I veckans video kommer jag med ett som kanske inte är helt revolutionerande, men kanske nytt för just dig. (In English at the bottom of the page). Under inspelningen av ett album med bandet Foreign Words ville vi framhämta basspelets roll i vissa partier. Det vi gjorde vara att dubba basen genom en Rat-distpedal rakt in i mixerbordet utan att gå via förstärkare. Vi gjorde två spår som panorerades ut full höger och vänster. Det här knepet är något som även funkar bra för att ge mer bredd och närhet till gitarrspåren om man blandar in det på rätt, snyggt sätt. ENGLISH Widen your mix with distorted bass guitar There are many production tricks to get a wider mix. I this weeks video I will show you one, that might not be the most revolutionary, but maybe new for you. During the recording of an album with the band Foreign Words we wanted to bring out the bass guitar I certain parts. What we did was to double track the bass through a Rat distortion pedal straight to the console without an amp. We did this twice and panned it hard left and right. This trick also worked really good to brighten out the width and presence of guitar tracks if you blend it in a nice way. Ulf Blomberg Producer & Audio engineer +46709184758 | www.hoborec.com Se fler av HoboRec:s video-bloggar på Studio från maj 2017 och framåt här Se fler av HoboRec:s video-bloggar på Studio från april 2017 och tidigare här
-
FREDAGSTIPSET: Ordningen du placerar dina pluggar i har en minst sagt avgörande roll för slutresultatet, inte minst när det kommer till mixning av sång. Min mixfilosofi har många ansikten, bland annat lyder den något i stil med: Plocka först bort det du inte gillar och lägg sedan till det som saknas. Detta gäller kanske framförallt leadsången. Därmed inte sagt att dagens tips måste följas till punkt och pricka. Mixregler är till för att brytas och jag rekommenderar att du testar dig fram och hittar ett arbetsflöde som passar just dig. Hur som helst så ser min sångkedja vanligtvis ut så här: 1. De-esser Först i kedjan hamnar de-essern vars huvudsakliga uppgift är att råda bot på starka och påträngande konsonanter. Dessa explosiva språkljud har nämligen för ovana att ställa till det när du jobbar med exempelvis equalizers och kompressorer. Det är därför en god idé att behandla konsonanterna först, innan du fortsätter med finjustering av själva sångljudet. Om du har en speciellt jobbig sångtagning lönar det sig dessutom att manuellt justera volymen på enstaka bråkstakar innan du sätter de-essern i arbete, för ett mer naturligt resultat. Du vet att de-essern jobbar för hårt när S förvandlats till F, eller när konsonanter som P, T, K och G trycks ner så pass mycket att tydligheten försvinner. Att ställa in de-essern optimalt är en balansgång, men väl värt besväret och en huvudnycklarna till ett bra sångljud. Värt att notera är att det ibland inte behövs någon de-esser alls, beroende på sångare, sångteknik och inte minst mikrofon. Weiss Deess råder på ett mycket transparent sätt bot på de mest problematiska av sångtagningar. Pluggen fungerar även till mastring. Mina nuvarande de-esser-favoriter är Weiss Deess, Oeksound Soothe 2 samt Fabfilter Pro-DS. 2. Equalizer 1 Nästa steg är equalizern vars uppgift i detta inledande skede är att korrigera överrepresenterade frekvenser. Ofta handlar det om att skära bort botten med ett low-cut filter, 80-100 Hz för mörka röster och 100-200 Hz för ljusa, beroende på röstens och låtens karaktär. Många som mixar har problem med att sången hamnar ”ovanpå” mixen, eller att sången inte känns ”i musiken”, vilket ofta är en kombination av för mycket lågt mellanregister och en så enkel sak som volym. Om sången känns grumlig, otydlig och inte gifter sig med musiken kan du testa att gröpa ur området 150-350 Hz försiktigt tills det känns bättre. Vidare råder jag dig (när du närmar dig slutet av mixen) att använda dig av hörlurstricket, som i korthet går ut på att du lyssnar genom ett par hörlurar som ligger framför dig. Sången ska då höras tydligt när du lyssnar på svag volym, men ska samtidigt inte vara för påträngande. Ett low-cut-filter vid 80 Hz följt av en liten dipp vid 150 Hz för att lätta upp ljudet på leadsången innan kompressorn tar vid. Mina nuvarande favoriter för att korrigera problematiska frekvenser är Fabfilter Pro-Q 3 och Ozone 9 Dynamic EQ. 3. Kompressor På tredje plats hamnar kompressorn, eller rättare sagt två kompressorer i följd: en snabb och en lite långsammare. Den första kompressorn har till uppgift att tämja starka och plötsliga volymtoppar (som med fördel också kan justeras manuellt med volymautomatisering) medan den andra ser till att sången håller sig på plats med jämn volym. Ett klassiskt exempel är en 1176:a med ratio 12:1 och snabb attack och release som trycker ner de starkaste topparna 2-3 dB, följt av en långsammare LA2A. Med detta sagt spelar det egentligen mindre roll vilken typ av kompressor du använder, så länge de går att ställa in någorlunda efter önskemål. Poängen är att få sången jämn och fin, utan att den låter processad och ansträngd (om det nu inte är just det du är ute efter). MJUC från Klanghelm är en utmärkt kompressor när leadsången behöver det där lilla extra. Varsågod att kopiera inställningarna. Mina nuvarande kompressor-favoriter är DDMf MagicDeathEye, Black Rooster Audio VLA-2A och Klanghelm MJUC. 4. Equalizer 2 När sångljudet låter naturligt och samtidigt ligger stadigt i mixen är det dags för finjustering. Här väljer jag vanligtvis en equalizer med lite extra karaktär för att göra sångljudet mer intressant. Områdena 1000-3000 Hz, 6000 Hz och 10-12 kHz är väl värda att experimentera med, även om det är svårt att peka på några exakta frekvenser, då detta vanligtvis skiljer sig från mix till mix och inte minst från person till person. I regel handlar det om att lyfta fram de frekvenser som förstärker och förädlar sångarens och låtens karaktär. Vilka dessa magiska frekvenser är kan endast du svara på. 28k bandet på equalizern PSP E27 är närmast magiskt när sången behöver mer luft. För färg och karaktär på equalizerfronten väljer jag Kush Audio Electra DSP, Black Rooster Audio VEQ-1P eller PSP E27. 5. Effekter Slutligen är det dags för effekter och då vanligen en kombination av reverb och delay. Jag gillar att jobba subtilt i flera lager, snarare än att låta en eller två effekter göra allt. Vanligen lägger jag någon form av rum eller ambience på sången för att fylla ut ”tomrummet” mellan fraserna. Det ska kännas snarare än att höras, lite mindre platt och tvådimensionellt helt enkelt. Vidare gillar jag att blanda plate- och hall-reverb i olika doser beroende på låtens karaktär. Ju snabbare låt, desto kortare reverb. Viktigt (för mig) är dock användandet av pre-delay, speciellt på långa reverb, vilket gör att mer av direktljudet hörs innan reverbet träder in. Detta placerar sångaren längre fram i mixen utan att drunkna i efterklangssörja. Testa gärna ett pre-delay på 80-100 ms så förstår du säkert vad jag menar. Delay i form av ett kort slap-back (100 ms) eller ping-pong kan också göra susen för att placera rösten i musiken på ett raffinerat sätt. Detta kan du bland annat läsa mer om i Ollies utmärkta tips Så får du mer djup i sången med flera delay-effekter. Microshift från Soundtoys kan (bland annat) bredda leadsången på ett mer eller mindre naturligt sätt. När det kommer till effekter landar jag ofta i Valhalla VintageVerb, Valhalla Delay och Soundtoys Microshift. Lycka till! Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Eller om du hellre föredrar att diskutera om mixning i avdelningen "Mixning och mastring" på Studios forum här! Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du fredagstipset från 2019 och framåt Här är fredagstipset på Studio från 2018 och tidigare -
FREDAGSTIPSET: Ibland krävs det där lilla extra för att låtens soloparti, refräng eller klimax ska lyfta. Men vad gör du när varken volym, equalizer, kompressor eller något annat hjälper? För ett tag sedan fick jag förfrågan om att mastra en låt, där artisten var nöjd med i stort sett allt utom själva solopartiet. Känslan som eftersträvades var att solot skulle kännas kraftfullare än tidigare partier, utan att för den sakens skull vara nämnvärt starkare i volym. Efter att låten mastrats på vanligt maner och vi båda var nöjda med soundet kände vi att solot fortfarande krävde något mer. En snabb genomlyssning avslöjade att det (som väntat) inte handlade om volym utan något annat, som nu av olika anledningar krävde åtgärd i mastringsstadiet. Nåväl, till ritbordet... Exciter Jag börjar med att lägga en försiktig exciter på hela mixen, som jag sedan automatiserar så att effekten bara är aktiv under solopartiet. Resultatet blir att solot poppar fram några procent mer, men långt ifrån tillräckligt för att det ska kännas. Dock gillar jag vad jag hör och låter effekten ligga kvar. Skitkanal I nästa steg duplicerar jag hela mixen och klipper ut solopartiet och gör en så kallad ”skitkanal”. Syftet med denna är att slänga på diverse smuts, brus och annat hokus pokus, i hopp om att något intressant ska hända när jag sedan blandar denna med originalmixen. Equalizer Först ut på skitkanalen är en equalizer där jag skurit bort topp och botten för att fokus ska hamna på mellanregistret, där mycket av gitarrens karaktär och tydlighet sitter. Någonstans mellan 400-4000 Hz vill jag dra mig till minnes att jag hamnade. Parallellkompression Efter equalizern hamnar min äldsta plugg, en vintagekompressor i ordets rätta bemärkelse, som säkert har över 10 år på nacken. Denna emulerar en stenhård kompressor som verkligen trasar sönder, pumpar och trycker ihop ljudet så att alla detaljer kommer fram. I sig själv låter detta naturligtvis inte särskilt ”bra” - men i sammanhanget kommer det bidra till att musiken rör sig mer och dessutom känns lite bredare. Reverb och delay För att ge ytterligare en dimension (lika bra att passa på när vi ändå håller på) så slänger jag på en rejäl dos reverb och lite studsande delay. Förutom parallell komprimeringen ovan bidrar detta till att solopartiet breddas ytterligare och dessutom växer på djupet och höjden. Distortion Distortion i alla dess färger och former är ett väl beprövat knep för att få fram övertoner, som i sin tur kan placera instrument längre fram i mixen. Mitt val lutar i detta fall mer åt det subtila hållet (eftersom kompressorn redan färgar rejält) och kan liknas vid den bandmättnad som uppstår när du pressar en rullbandspelare hårt. Uppmjukning Slutligen vill jag plocka bort lite av den påträngande diskanten runt 3000 Hz och använder mig då av Brainworx utmärkta uppmjukade bx_refinement. Smått och blandat När skitkanalen är klar drar jag ner volymen helt och lyssnar på solopartiet, för att sedan blanda in den nya kanalen tills något börjar kännas. Här är det lätt att gå överstyr, eftersom du gärna vill höra det du precis skapat. Mitt tips är dock att dra på tills effekten hörs, för att sedan backa en aning. Sagt och gjort, men vad är det egentligen som händer? Kortfattat handlar det om texturer, ett lager av ”något mer” som i sitt sammanhang förhoppningsvis skakar liv i musiken och ger det där lilla extra. Ovanstående problem hade givetvis gått att lösa på annat sätt, förslagsvis direkt i mixen. Men ibland är verkligheten en annan och att jobba med denna typen av begränsningar (som det faktiskt innebär att jobba med ett stereospår) kan många gånger vara en förklädd välsignelse. Begränsningar föder kreativitet, vilket inte alltför sällan leder till oanade konsekvenser, ibland riktigt lyckade. Slutligen vill jag understryka att tänket med att blanda in en skitkanal även fungerar utmärkt i andra situationer, som exempelvis på sång eller trummor. Med detta sagt behöver det inte låta skräpigt bara för att du använder dig av denna teknik. Många instrument mår bra av mer eller mindre övertoner och lite smuts under naglarna har sällan skadat, speciellt inte när det kommer till mixning och mastring. Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Eller om du hellre föredrar att diskutera om mixning i avdelningen "Mixning och mastring" på Studios forum här! Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du fredagstipset från 2019 och framåt Här är fredagstipset på Studio från 2018 och tidigare -
musikproduktion Hitta ditt sound del 5/5: Rätt mix för rätt ändamål
Kasper Martinell posted en artikel in Guide
Hur tar du dina fullbordade inspelningar vidare till professionell mix? I denna del 5 – sista artikeln i serien ”Hitta ditt sound”, så kommer jag att gå igenom hur du systematiskt kan arbeta med mixning för att uppnå ett profesionellt resultat. Denna artikel kommer att bryta ner ämnet mixning i två övergripande delar: DEL 1: System och arbetssätt DEL 2: Så vet du när mixen är klar DEL 1: System och arbetsätt Utan ett konkret arbetssätt är det lätt att du hoppar runt i projektet och slösar tid på oväsentliga saker, istället för att direkt gå på problemen som måste lösas. Det handlar om att bygga upp en repetoar av kunskaper som gör att du, oavsett genre vet vad i mixen du ska spendera tid på. Jag tycker att ett följande system är en bra utgångspunkt: Börja med att lyssna igenom din inspelning, och tänk ut vad som är de drivande elementen i låten och gör generella anteckningar. Vad är det du vill ska framkomma i din mix? Vad vill du ändra från soundet från inspelningen? Lyssna på en referensmix för att höra hur en låt i samma genre har mixats. Börja sedan med att dra ner alla volymer i botten för att sedan öka volymerna en och en för varje instrument. Alla har olika sätt att börja jobba med, men jag gillar att använda följande ordning: Trummor, bas, gitarr, piano/synth, sång, effekter (fx). I detta stadie ska du endast fokusera på volymer, ingen eq, kompression eller liknande. Sång är ett undantag som du kan komprimera direkt (även om du kommer finslipa komprimeringen senare) för att kunna ställa nivåerna korrekt. Ta tid på dig, och testa vad som bör vara i fokus, och vad som kan vara längre bak i ljudbilden och så vidare. Detta steg kommer att vara grunden för hela mixen och därmed det allra viktigaste att få till rätt. Känn efter vad du anser är drivande och vad som skapar energi. Tänk på att jobba utifrån ett 3D-perspektiv: vissa element (ljud) ska ha mycket fokus medan andra ska ha ett mindre fokus. När du känner dig nöjd med en generell balans gällande volymen, så gå vidare med att göra grova eq- och kompressorinställningar. I detta stadie är du ute efter att: 1: skära bort frekvenser (förslagsvis med low cut / high cut) som inte behövs, samt göra övergripande eq-inställningar som att exempelvis göra trumpaketet mer diskantrikt eller ta bort mellanregister ur körpaketet, det vill säga, inga småjusteringar utan som i stora drag ska sätta elementen på rätt plats. Förslagsvis jobbar du då med ”high shelf” / ”low shelf” med din eq, eller bred bandbredd om du ska använda ”Peak”, så det inte blir så drastiska förändringar i klangen. 2: Skapa energi i mixen genom kompression. Testa att parallell-komprimera trummor, skapa mer attack i gitarren osv. När du känner att alla element har sin rätta plats och att energin känns bra, så går du vidare till nästa steg. Djup! Nu vill du skapa ett djup och en ambient känsla i din produktion, eller bestämma dig för att allt ska vara torrt – det finns inget rätt eller fel här. Börja med att fundera på vad som ska vara långt fram i ljudbilden och vad som kan vara mer blött och därmed längre bak i ljudbilden. Det första jag brukar göra är att sätta sångens reverb och/eller delay. Då får du lättare en bild av om någonting mer behöver en efterklang. Vokal-tips (exempel Logic): Ett bra sätt att hålla sången torr men ändå skapa en 3D-känsla är ett slap-back delay. Sätt ett stereo-delay väldigt snabbt och blanda in sparsamt för att ge djup till din torra sång. Det sista steget efter att du har jobbat med djupet i mixen är att göra småjusteringarna – det där lilla extra som behövs för att nå en proffsig nivå. Här kommer automation in. Generellt brukar jag använda mig av automation i volym, eq, reverb och delay. Detta är en viktig punkt, och du kan automatisera allt möjligt. Begränsa dig inte bara till volym. Olika användningsområden kan vara följdande: Volym Skapa dynamik i mixen och få den att kännas levande. Exempelvis trummorna spelar på riden, upp med överhänget 2-3 db under den delen. Gitarren spelar solo, ner med piano och kompgitarr några db under solot. Inte minst sång är bra att automatisera med volym – exempelvis sänka partier litegrann som är en smula för starka/svaga eller minska s, f, p, t-ljud i sången som trots arbete med eq kanske fortfarande framkommer lite för mycket. Eq Att automatisera eq är ett fantastiskt verktyg. Genom att arbeta med detta kan du skapa en mer sammanhängande bild av mixen, och göra så att alla element flyter in i mixen ännu bättre. Kanske behöver synten inte så mycket diskant i versen men sedan i refrängen vill du dra på. Eller kanske behöver du skära bort lite mellanregister ur basen i refrängen för att få plats med alla andra element, men i versen ger samma mellanregister i basen en skön känsla. Reverb och delay Automation av reverb och delay handlar om att skapa en känsla av när det ska kännas stort, och när det ska kännas intimt. Här liksom med volymautomation gäller det att skapa en dynamisk progression. Om allting känns stort till en början blir det svårare att bygga upp ännu mer mot slutet av låten. Börja alltså med att välja ut några delar där du vill ha känslan av en större ambient, och ju närmare du kommer slutet, desto mer kan du arbeta med djupet. Värt att notera är att detta steg är helt beroende på hur arrangemanget på låten är, och hur musikproduktionen (inspelningen) är gjord. Tips på reverb-automation: Testa att muta (tysta) all reverb i ett break, exempelvis innan en refräng. Detta skapar en känsla av progression och får refrängen att ”smälla” ännu mer. DEL 2: Så vet du när mixen är klar Detta steg handlar om att förstå vad det är du försöker åstadkomma med mixen. Det här steget går egentligen parallellt från början av mixen till slutet av mixen. Det bästa sättet är att i början skapa dig en bild av vad du vill förändra i materialet och vad som är målbilden. Utan en konkret målbild av hur du vill att mixen ska låta, så kommer du att spendera tid på fel saker och bara slösa bort din tid helt enkelt. Jag tycker att ett bra sätt att förstå när du är klar är att ställa dig följande frågor: Hörs allting som ska höras? Speciellt sången! Är det bra energi i musiken? Hur ser bas/diskant relationen ut i mixen? Lever mixen eller känns den stel och tråkig? Är mixen stilenlig? Och kommer artisten gilla arbetet med mixen? Det viktigaste av allt är den sista frågan: är mixen stilenlig? För att kunna svara på den frågan måste du självklart vara insatt i vad som är det väsentliga i musikgenren, och vad det är musiken vill få fram. Samt veta hur musikgenren generellt brukar låta. Varför är denna fråga så viktigt då? Jo för att den kommer att bestämma över hur du arbetar under hela mix-processen. Att mixa handlar enligt mig inte alltid om att få någonting att låta ”bättre”. Mixning handlar i grund och botten om att få musiken att göra så att låtens känsla framkommer i slutresultatet. Här gäller det att förstå vad producenten har för vision med låten. Om det är du själv som har producerat så försök bibehålla tanken med musiken genom hela mixprocessen. Anledningen till varför jag anser att det är så viktigt med att bygga upp ett system för mixen, är för att vi som människor behöver avgränsningar för att kunna arbeta fokuserat och effektivt. Så genom att följa ett liknande system som jag har visat ovan, så arbetar du endast med en sak i taget och på så sätt tappar du inte bort dig i ett hav av möjligheter. Med det sagt så har alla sina olika sätt att arbeta på och det viktigaste av allt är att hitta ett sätt som fungerar för dig, och där resultatet blir som önskat. Men oavsett hur du arbetar så är det viktigt att förstå att känslan i en låt, alltid kommer vara en bättre väg att följa än de rent tekniska aspekterna. Nedan finner du resterande delar i serien "Hitta ditt sound" av Kasper Martinell Hitta ditt sound del 1: instrument och ljudkaraktär Hitta ditt sound del 2: akustiska knep Hitta ditt sound del 3: rätt mikrofon och rätt placering Hitta ditt sound del 4: prylarna som lyfter inspelningen -
Delayer kan vara oerhört effektiva och skapa rymd, tre-dimensionalitet och luft, men om de används fel så kommer de bara att bli en effekt som sticker ut och tar fokus från sången och låten. Här visar jag ett konkret exempel från låten "Gud ger ingen allt", från Bo Kaspers Orkesters nya album "23:55". Att använda delayer på rätt sätt, om det nu finns ett rätt och ett fel i den här frågan, gör att du skapar djup i mixen eller produktionen. (Läs gärna mitt tidigare tips Skapa djup i dina mixar med reverb och delay). Olika musikgenrer har olika delay-preferenser. Vissa stilar vill ha sången torr och nära, och andra musikstilar vill ha eko-svansar på varje ord, och ganska många vill bara ha ett bra sångljud som känns stort men inte har för mycket effektkänsla. Vi kan börja med att konstatera att om det finns alltför många ljud i produktionen så finns det risk för att effekterna drunknar och aldrig hörs, och de ger då knappt någon effekt (sic) vilket ju är synd på bra idéer. Hur ska du då förhålla dig? Generellt sett så tycker jag att du ska börja med att kika på dina inspirationskällor, och lyssna på hur de hanterar delayer och se om det funkar även i din mix. Här kan du lyssna på hur jag gjorde med sång-delayet i Bo Kaspers Orkesters låt ”Gud ger ingen allt” från deras senaste album ”23:55”. Som du kan se nedan så har jag använt två delayer, ett SoundToys från Echoboy och ett H-Delay från Waves. Dessa två delay-effekter har lite olika karaktärer, och det är därför jag använder två olika delayer, istället för att använda två av samma delay, men med olika inställningar. Echoboy-delayet har jag ställt in som ett stereodelay i 1/8-delar med en ganska lite feedback för att inte studsarna ska bli för många. Jag har använt lite Low Cut och lite High Cut för att delayet ska bli lite smalare i frekvenserna och gå igenom ljudbilden. Jag har dragit på lite i Groove och Feel för att göra delayet lite långsammare så att studsarna inte blir så statiska. (Se bild nedan). SoundToys Echoboy På H-delayet har jag ställt in 1/4-delstrioler med en feedback som ger cirka en och en halv studs. Här har jag varit ännu snävare med low cut och hi cut för att göra studsarna ännu smalare i frekvens, och delayet är inte inställt i stereo eller ping-pong-läge vilket ger en simulerad monoeffekt och på så sätt särskiljer det sig ifrån det första delayet både i tonfärg, delaytid och i stereobredd. Waves H-delay Dessa två delayer matas från varsin send. H-Delay går på Bus 25-26 och Echoboy går på Bus 17-18, på sångkanalen (Se bild nedan) till effekterna som sitter på varsin retur (AUX) och de matas olika starkt beronde på vilken av delayerna jag vill ska ha prioritet i mixen. Två delayer matas från varsin send, H-Delay går på Bus 25-26 och Echoboy går på Bus 17-18, på sångkanalen Just i detta fall skickar jag lite mer till Bus 17-18 som går till Echoboy-delayet som ju är inställt på 1/8-delar, och det är för att jag vill via delayet bredda sången i Left – Right- hänseende. Det är därför jag har ställt det i stereoläge och inte ping-pong då studsarna hade kommit varannan gång i vänster respektive höger sida. Nu kommer de jämnt i bägge sidorna (vänster och höger sida) och ger illusionen av att sången ligger i lätt stereo, och tack vare att det inte är så många studsar, och att studsarna i sig är lite tidsförskjutna så riskerar vi inte att dessa blandar sig och försvinner, eller ännu värre, stökar till rytmiken i mixen. Som du ser på bilden så har jag varit ganska sparsam med att skicka till båda delayerna och det beror på att jag inte vill ha för mycket effekt och eko-känsla på sången, utan jag vill ha den relativt nära i ljudbilden. Om jag nu ville ha mer stereokänsla, mer effekt och en tydligare 1/8-dels känsla så hade jag skickat mer. När det kommer till H-delayet som ju är längre, så använder jag det för att skapa djup i ljudbilden, för att man ska uppleva rymden i mixen. Nu är inte heller detta uppskruvat för att ge väldigt tydliga studsar utan mer en förnimmelse av delayet och bidra till luftigheten. Båda dessa brukar jag skicka till olika reverb för att få studsarna lite mjukare, och för att dessa ska smälta in bättre i mixen. (Se bild till vänster). Jag brukar också skicka det långa monodelayet, (H-Delay) till det korta stereodelayet, (Echoboy) för att få dem att blanda sig med varandra, och för att göra mixen lite mer sammanvävd. Just i detta fall så ville jag ha en tydligare monokänsla på det långa delayet och det är därför som den senden är avslagen. Testa detta och se vad du får för resultat, och lyssna på låten och se om du kan höra vad det får för effekt i mixen. Bägge delayerna skickade till olika reverb för att få studsarna lite mjukare, och för att dessa ska smälta in bättre i mixen -
Hej, Jag söker lite förslag ang akustik behandling i mitt utrymme där jag gör musik/Mixning. Har mycket problem med mixning för tillfället då mitt utrymme där jag håller till inte är det bästa stället att mixa på. MEN...Jag vet att det aldrig kommer bli perfekt, men finns det någonting man kan göra för att förbättra akustiken en aning? bass traps, ljudisolera på väggen/takvinklar för att få lite mer kontroll på allt ljud och reflektioner och low-end som är ytterst svårt att få till? Ni kan se bild där jag håller till Tack för svar!
-
FREDAGSTIPSET: Hur starkt ska du mastra din musik för att den ska låta så bra som möjligt på så många streamingtjänster som möjligt? Svaret är förmodligen enklare än du tror. Det finns idag en mer eller mindre framarbetad volymstandard mellan Spotify, iTunes, YouTube och TIDAL, även om det skiljer sig lite mellan de olika plattformarna. Samtliga tjänster (utom Spotify som använder ReplayGain) använder sig av en normaliseringsprocess baserad på LUFS (Loudness Unit Full Scale) som lite enkelt kan förklaras med hur vi upplever ljudstyrka. Ju lägre LUFS, desto starkare volym. Detta innebär exempelvis att -16 LUFS låter svagare än -8 LUFS. Medianen mellan de olika streamingtjänsterna ligger idag runt -14 LUFS, vilket också är Spotifys nuvarande rekommendation för uppladdning av musik. I praktiken innebär detta all musik som är starkare än detta automatiskt sänks av Spotify och all musik som är svagare höjs. För er som gillar siffror rekommenderar jag därför att ni håller er mellan -14 och -12 LUFS integrated och inte starkare än -9 LUFS short term i låtens starkaste parti, med true peak på max -1 dB. Bilden visar gratisversionen av populära mätverktyget Youlean Loudness Meter Dessa riktlinjer garanterar att din musik, oavsett genre, står sig bra volymmässigt på samtliga plattformar. Vill du att din musik ska låta starkare 2020 ska du helt enkelt att mastra svagare än du kanske är van vid. Om du tycker att ovanstående låter komplicerat ska jag göra det enkelt för dig: När du mixat klart placerar du en limiter sist på masterkanalen och ställer utvolymen till -1 dB och ser till att du inte limiterar mer än 1-2 dB. Stäm sedan av mot www.loudnesspenalty.com och justera efter behov. Med detta sagt: Så länge mastern inte ser ut som en tjock korv när du exporterar och låtens starkaste parti inte överstiger -1 dBTP (true peak) är det egentligen bara att tuta och köra. Det viktigaste är trots allt hur det låter och inte hur det ser ut. Ibland kan ljudet av en limiter som klipper av topparna vara precis det du är ute efter. Inte bara volym Trots streamingtjänsternas automatiska volymanpassning är det ändå så att vissa låtar upplevas starkare än andra, trots att de är normaliserade till samma nivå. Hur kommer det sig? Svaret ligger till största del i mixen och inte mastringen: Håll koll på mellanregistret. Ett urholkat mellanregister, en så kallad hängmatta, kan framstå som mindre volymstark i förhållande till annan musik, speciellt när du lyssnar genom telefon eller datorhögtalare. Området 400-1000 Hz är (enligt min högst personliga smak) speciellt viktigt att hålla koll på. Rensa upp i botten och toppen – dessa ohörbara frekvenser kan ställa till det för streamingtjänsternas normaliseringsalgoritmer och äta upp onödig energi. Läs mer om hög- och lågpassfilter här. En låt med stort dynamisk omfång upplevs som regel starkare än en låt som är hårt komprimerad, när de spelas upp med samma LUFS. Om din mix låter bra på svag volym när du lyssnar i studion, det vill säga att du hör alla viktiga detaljer, så är sannolikheten större att den även låter bra online. Användandet av saturation, som skapar övertoner, kan bidra till ökad upplevd ljudstyrka. Något recept finns naturligtvis inte, men pluggar som Kush Audio TWK kan hjälpa på traven. Några populära mätverktyg Youlean Loudness Meter Meterplugs Loudness Penalty Klangfreund LUFS Meter 2 iZotope Insight Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du fredagstipset från 2019 och framåt Här är fredagstipset på Studio från 2018 och tidigare -
Hej! Här är en poplåt som är tänkt att funka på dansgolv och i bilen. Vill gärna höra vad ni tycker! Funkar mixen? Nåt ljud som måste fixas eller nivåer justeras? Vad kan göras bättre? Oerhört tacksam för all feedback innan detta släpps. //Tobias
-
mixning Skapa djup i dina mixar med reverb och delay – del 1/2
Ollie Olson posted en artikel in Tips
I tipset “Skapa bredd i dina mixar med panorering”, så gick vi kort igenom vikten av att placera ut de olika ljuden eller instrumenten enligt en vänster–högerskala, det vill säga panorering, för att skapa bredd. I det här tipset ska vi titta på ett av sätten som du skapar djup i mixen, nämligen genom att använda reverb och delay. Gällande reverb så fungerar det så att ju längre reverb du använder desto ”längre bort” kommer ljudet, och du får ett mer avlägset ljud. Längden på reverbet har två viktiga parametrar: storleken på rummet, det vill säga rumskaraktären i ditt reverb, som exempelvis “Room”, “Chamber”, “Hall” eller liknande och sedan väljer du tiden på efterklangen (decay). Ju kortare tid på efterklangen du väljer, desto mindre blir reverbet, och ju större rum du använder desto längre tid låter reverbet. Genom att skruva på “mix” i reverb-inställningen, så bestämmer du hur ”långt in” i rummet du vill placera instrumentet. Delay funkar ungefär på samma sätt men här hör du ”ljudstudsar” istället för olika rum. Du kan välja att använda långa tider på studsarna för att få känslan av att ljudet är långt bort, och med kortare tid bli effekten den motsatta. Här finner du del 2: skapa djup i din mix med rätt frekvenser -
Hej Jag jobbar med FL Studio och när jag ska panorera ena ljudet åt vänster och andra åt höger så att det blir stereobredd så låter det mer i mitten fast om jag har panorerat upp till 100 procent. Varför är det så? En annan fråga är hur man gör stereokanaler till monokanaler.
-
FREDAGSTIPSET: Jag kan hålla med om att det känns snudd på tråkigt, för att inte säga uttjatat, att skriva om hög- och lågpassfilter. Finns det verkligen något att tillföra debatten som inte redan är sagt? Hög- och lågpassfilter, eller low-cut/high-cut som de bland annat också kallas, har till uppgift att skära bort frekvenser under eller över en viss frekvens med hjälp av en equalizer. Detta för att filtrera bort oönskad energi som annars kan ställa till problem när du mixar. Du kanske inte hör den, men den finns där. Och ju fler kanaler du jobbar med desto viktigare är det att hålla extra koll. Enkelt uttryckt finns det: De som använder hög- och lågpassfilter på rutin, utan att fundera särskilt mycket. De som lyssnar, analyserar och överväger varje kanal noggrant. Själv hamnar jag någonstans mittemellan. Dels av bekvämlighetsskäl och dels för att jag vid det här laget anser mig ha så pass bra koll att jag kan unna mig att gå på känsla ibland. Många har lärt sig att jobba med högpassfilter på alla kanaler, vilket generellt sett är god tanke eftersom mycket energi samlas i botten. Likväl (men betydligt mindre frekvent använt) är lågpassfiltret, vars uppgift är att plocka bort brus och annat väsande, under vald frekvens. Högpassfilter (low-cut) vid 100 Hz, vars uppgift är att plocka bort oönskad energi i bottenregionen, men också högre upp om nöden kräver. Lågpassfilter (high-cut) vid 8000 Hz, vars uppgift är att filtrera bort högfrekvent oväsen av olika slag, ibland hörbart, ibland inte. När det kommer till att filtrera bort frekvenser finns det en allmängiltig uppfattning om att du ska sololyssna, gärna i hörlurar, för att höra exakt vad du plockar bort. Du rattar tills du hör att ljudet förändras, det vill säga att basen börjar försvinna om du använder ett högpassfilter (low-cut), eller att diskanten blir lidande om du använder ett lågpassfilter (high-cut). För att sedan backa tillbaka lite. Det är helt ok att arbeta så, eftersom du då inte riskerar att förändra grundljudet utan bara plockar bort överskottsenergin. Ett annat sätt att höra Mitt tänk är däremot annorlunda, då jag på senare tid gått från att vara relativt restriktiv med mitt filtrerande till att vara betydligt mer djärv. För mig handlar det om kontexten och inget annat. Låt mig utveckla. I stort sett varje mix har ett eller flera element som är direkt beroende av basfrekvenser. Må det vara en baskagge, bas eller något annat som kräver mycket botten. Dessa instrument låter jag agera vägvisare för övriga kanaler. Istället för att sololyssna på de instrument som ska högpassas, gör jag det samtidigt som jag lyssnar på exempelvis basen. På så vis filtrerar jag automatiskt mer aggressivt, eftersom basen (som spelas upp samtidigt) nu tar hand om och fyller ut den information jag successivt plockar bort. I praktiken kan detta innebära att jag sätter ett högpassfilter vid 200 Hz, istället för kanske 100 Hz om jag hade sololyssnat. Här kan det sparas massvis av välbehövlig energi. Vad tjänar detta till kanske du undrar? Ganska mycket, speciellt om du jobbar med många kanaler. För som vi alla vet är det helheten som räknas och inte hur ett instrument låter ensamt (om det nu inte spelar ensamt). Kontentan: Filtrera i kontexten och du får en tydligare botten och en bättre definierad mix med bibehållen ljudkvalité. Likväl har varje mix ett eller flera instrument som mår bra av lite extra luft och de som klarar sig utan. Här jobbar jag likadant som med basfrekvenserna, fast omvänt. Vanligen låter jag leadsång, akustiska gitarrer och möjligen trummornas överhäng vara orört. Det är även dessa som får agera vägvisare för övriga instrument. Med detta sagt råder jag dig att inte krångla till det i onödan, lyssna och ratta. Övertänk inte. Det finns, enligt mig, ingen anledning att bli allt för nitisk gällande hög- och lågpassfilter. Gör vad som känns rätt och fastna inte i detaljerna. Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du fredagstipset från 2019 och framåt Här är fredagstipset på Studio från 2018 och tidigare -
FREDAGSTIPSET: Det finns en liten, ofta förbisedd, knapp i ditt inspelningsprogram vars uppgift är mycket enkel. En knapp som många gånger kan förändra din mix långt mycket mer än någon equalizer eller kompressor någonsin kan göra. Om du upplever att din musik saknar botten, värme och separation eller att mixen inte riktigt sitter ihop, har det många gånger med fasen att göra. Så kallat fasfel mellan olika kanaler ger nämligen ofta en (icke önskvärd) förändrad stereobild. Det finns därför all anledning att experimentera med fasvändning när du mixar, men på ett lite annorlunda sätt än du kanske lärt dig. Låt mig utveckla. Den magiska knappen (fasvändning) Det finns en allmän uppfattning om att fasfel enbart uppstår vid inspelning av ett instrument med flera mikrofoner samtidigt. Något jag inte riktigt håller med om (och strax kommer in på). Trummor är ett klassiskt exempel, gitarrförstärkare ett annat. Detta eftersom det tar olika lång tid för ljudet att färdas till de olika mikrofonerna, vilket då kan resultera i en försvagning eller i värsta fall utsläckning av ljudet när alla kanalerna spelas upp samtidigt. Genom att fasvända de olika kanalerna i tur och ordning, exempelvis baskagge i förhållande till virvel eller höger respektive vänster kanal i överhänget, kan den ljudmässiga balansen återställas. Så långt inget nytt under solen. Ett annat perspektiv Vad som är mer intressant är att fasfel (om än på ett lite annorlunda sätt) även kan uppstå mellan olika instrument i en mix, helt oberoende av varandra och hur de spelats in. Anledningen till detta är att maskering (försvagning) också uppstår när frekvenser staplas på varandra. Med anledning av detta kan alltså en enkel fasvändning på valfri kanal reducera den frekvensmässiga uppbyggnaden och på så vis skapa mer djup, tydlighet och värme och så vidare, helt utan equalizers eller annat hokuspokus. Förslagsvis kan du börja med att fokusera på förhållandet mellan baskagge och bas. Spela upp båda kanalerna samtidigt och lyssna. Vänd fasen på basen och spetsa öronen. Hör du tydligare botten? Mer värme? Bättre tryck? Detta enkla trick kan ibland öka separationen mellan olika instrument eftersom tidsförhållandet i vågformerna förändras. Likväl råder jag att testa detta på hela instrumentgrupper. Vänd fasen på gitarrpaketet och se vad som händer. Värt att notera är att ett fasvänt ljud faktiskt kan upplevas annorlunda i sig själv, utan hänsyn till kontexten, vilket är väldigt intressant. Sagt och gjort så behöver du verkligen inte viga ditt liv åt, eller ens förstå teorin bakom, fasvändning för att uppnå en bra mix. Det är en liten del i ett större pussel. Flippa fasen och hör vad som händer: Om du upplever bättre separation, mer tydlighet, tydligare botten, mer värme – om det helt enkelt låter ”bättre”, så är du på rätt spår. BONUSTIPS: Att medvetet låta saker vara ur fas kan också vara ett stilistiskt grepp, med risk för att mixen tappar fokus i mono. Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du fredagstipset från 2019 och framåt Här är fredagstipset på Studio från 2018 och tidigare -
Fredagstipset: Basen är lika underbar som den är problematisk när det kommer till inspelning, mixning och mastring. En bas som sitter där den ska i mixen ger musiken liv, sväng, värme och en stadig grund att stå på. Men hur får vi egentligen basen att höras i mindre högtalare? Det första du ska tänka på när det kommer till inspelning och mixning av bas är inte vilka frekvenser som ska höras, utan själva arrangemanget. Om många instrument spelar samma sak i samma oktav uppstår nämligen problem. Instrument ska komplettera varandra, inte konkurrera. Låter det stökigt och grötigt redan i inspelningen blir det garanterat svårare att skapa separation senare i mixstadiet. Den största hemligheten med att mixa bas är dock långt mycket enklare än du kanske tror. Det handlar kort och gott om att sätta volymen i förhållande till övriga instrument. Att hitta balansen. Så innan du ger dig i kast med eq, kompression och annat, se till att sätta volymen. Detta gäller för övrigt alla instrument. Men små högtalare då? Basen har, precis som många andra instrument, mycket energi i det lägre mellanregistret (250-500 Hz) - inte bara bara runt 60-250 Hz som många kanske tror. När vi talar om att mixen låter otydlig eller att basen inte hörs, är det ofta just i det lägre mellanregistret som det finns en överrepresentation av energi. Bärbara datorer, mobiltelefoner, surfplattor och basfattiga högtalare har som regel inte särskilt mycket information under 150-250 Hz. Det vill säga där mycket av basens lägre energi sitter. Vi behöver därför kika lite längre upp för att få basen att poppa fram i dessa lyssningssystem. Ett tillvägagångssätt är att spela in basen så som du vill att den ska låta (hela tiden med arrangemanget i åtanke) för att sedan svepa i området 250-1000 Hz med en equalizer. Lyssna efter var basen låter som mest i förhållande till övriga instrument. Du söker alltså efter tonen, kärnan, knorren - basens karaktär, inte det basiga ljudet. Själv brukar jag hamna någonstans mellan 400 och 700 Hz, men det är min personliga smak. Nu kan du backa övriga dominanta instrument i detta område, exempelvis virveltrumma, gitarrer, klaviatur och kör. Slutligen boostar du basen i samma frekvensområde för att göra skillnaden än mer markant. Om detta mot förmodan inte skulle räcka är det dags för lite magi. Bilden visar en standardinställning för bas, om vi ska tillåta oss att tala om en sådan. Trollerilådan 1. Duplicera baskanalen så att du har två identiska spår och muta originalspåret. 2. På det kopierade spåret lägger du en equalizer och skär bort all botten under 300 Hz och all topp över 2000 Hz. Observera att detta bara är riktmärken och inga frekvenser huggna i sten. 3. Boosta sedan området där basen hörs som mest. 5-10 dB brukar göra susen. 4. Lägg på någon form av hörbar distorsion och eventuellt hård kompression (smaksak). Varför distorsion kanske du undrar? Distorsion lägger till övertoner, vilket gör att basen hörs tydligare. Gratispluggen IVGI från Klanghelm är ett utmärkt exempel. 5. Dra sedan ner volymen helt på det kopierade spåret och spela upp originalbasen tillsammans med övrig mix. Nu blandar du försiktigt in effektkanalen tills basen hörs tydligare, gärna medans du spelar upp mixen genom lite sämre lyssning och vips så har du en tydligare bas i små högtalare. Effektkanalen som blandas med originalspåret, för att öka på tydligheten än mer. Det finns naturligtvis hundra och åter hundra andra sätt att jobba på när det kommer till mixning av bas, men detta har i alla fall hjälp mig åtskilliga gånger. Lycka till! Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du fredagstipset från 2019 och framåt Här är fredagstipset på Studio från 2018 och tidigare -
Fredagstipset: Behöver du som mixar och mastrar verkligen en subwoofer? Frågan är lika enkel som den är komplex. Vissa menar att det är absolut nödvändigt för en fullvärdig ljudupplevelse. Medan andra står fast vid att en subwoofer ofta stjälper mer än den hjälper. Något de flesta däremot är överens om är att korrekt återgiven bas i studion, eller var som helst för den delen, är få förunnat. Att det låter bra där just du sitter och att det faktiskt är bra, är två vitt skilda saker. Det som upplevs gynnsamt i den egna lyssningsmiljön innebär nödvändigtvis inte att verkligheten är den samma. Låga frekvenser är och har alltid varit knepigt. Rummet Subwoofers behöver utrymme för att komma till sin fulla rätt. Gott om utrymme. Små och medelstora rum har nämligen en tendens att förstärka, men också släcka ut basfrekvenser. Kvadratformade rum är väst. Basåtergivningen blir helt enkelt inte korrekt, även om det kanske känns så. Detta kan delvis avhjälpas med noggrann placering av studiomonitorer och akustikbehandling i form av basfällor, absorbenter och diffusorer. Vilket är ett kapitel för sig. Genelec 7040 APM Negativ förstärkning och stående vågor Det är inte ovanligt att basen förstärks negativt när du använder en subwoofer. Det vill säga att basfrekvenser som redan är dominanta blir ännu starkare, mer än om du bara använder vanliga närfältsmonitorer. Och om du inte är försiktig kan det faktiskt sluta med att dina mixar och mastringar får mindre bas, än vad som är önskvärt. När rummets mått överensstämmer med frekvensens halva våglängd och multiplar av den uppstår nämligen så kallade stående vågor. Om det exempelvis blir problem vid 40 Hz (som är halva våglängden i ett rum där något mått är ungefär 4.3 meter), blir det också problem vid 80 och 120 Hz, om än i mindre utsträckning. En basfälla som är avstämd till 40Hz, kommer såldes även att hjälpa till med multiplarna. Som om inte detta vore nog ökar en subwoofer dessutom risken för fasutsläckning, vilket innebär att vissa frekvenser helt enkelt försvagas eller försvinner helt. Adam Audio Sub8 Sammanfattning Nu kanske det verkar som att subwoofers endast medför problem. Så är naturligtvis inte fallet. En korrekt kalibrerad subwoofer i ett bra rum gör mer än att bara feta till och förtydliga bottenpaketet. Det händer något i luften, det blir ett slags tryck som saknas i vanliga närfältare. Upplevelsen av ljudet blir något annat. Så frågan är egentligen inte om du behöver en subwoofer, utan om en subwoofer gynnar ditt arbetssätt och dina egna preferenser. Med detta sagt går det alldeles utmärkt att göra bra mixar med vanliga studiomonitorer och hörlurar - tricket ligger helt enkelt i att lära sig sin lyssning. Spela upp dina mixar i alla tänkbara ljudsystem och ta lärdom. Om du i slutändan ändå känner att en subwoofer skulle underlätta ditt arbete, ha då ovanstående i åtanke. Här är några populära alternativ: Adam Audio Sub8 Adam Sub10 Mk2 Genelec 7040 APM JBL LSR310S Neumann KH 750 DSP Yamaha HS8S Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du fredagstipset från 2019 och framåt Här är fredagstipset på Studio från 2018 och tidigare
