Jump to content
Sign in to follow this  

Dista allt med The DirtBox

HoboRec

1,069 views

Något som är riktigt kul med inspelning är att ta beslut tidigt istället för att sitta och finjustera plugins till leda i slutskede. Att dista signalen på vägen in är ett sådant beslut som jag ofta uppskattar. Då sitter en där med ljudet man valt och får jobba med det. (In English at the bottom of the page).

Med anledning av detta uppskattar jag The DirtBox från Dr Alien Smith något enormt. Det är en extremt simpel liten box du kopplar mellan din mikrofon och preamp. Den har en ratt som går från noll till tio och har som enda uppgift att ge olika intensitet av dist. Och den låter grymt till det mesta. Den drivs av 48 volts fantommatning, men skickar inte den strömmen vidare. Så direkt ur lådan fungerar den bara med dynamiska mikrofoner, men med en Y-kabel går det enkelt skicka 48 volt från en separat preamp till en kondensatormikrofon om en hellre vill använda det. Detta innebär också att det går att mixa mellan ren signal och sist i efterhand. Men nu pratade jag ju om att ta beslut, så i veckans video har jag gjort en lite demo på The DirtBox och spelat in alla delar i en enkel rocklåt genom den här smutsiga lilla lådan.

ENGLISH

Distort everything with The DirtMic

Something really fun with recording is to make early decisions instead of fine-tuning plugins to death at the end. To distort the signal on the way in is a decision like that I really appreciate. Then you’re stuck there with the sound you chose and have to deal with it.

Because of this a really like The DirtBox from Dr Alien Smith, a lot. It’s an extremely simple little box that you put between your microphone and preamp. It has one knob that goes from zero to ten and it’s only mission is to to give different intensity of distortion. And it sound awesome on most things. It’s driven by 48 volt phantom power, but doesn’t pass it on. So, Straight from the box it only works with dynamic microphones, but with the help of a Y-cable you can sent 48 volt from a separate preamp to a condenser microphone if you rather use that. This also means you can mix between clean and distorted signal after the fact. But, I was talking about taking decisions, so in this weeks video I made a little demo of The DirtBox and recorded all elements of a simple rock song through this dirty little box.

Ulf Blomberg
Producer & Audio engineer
+46709184758 | www.hoborec.com

Se alla HoboRec:s video-bloggar på Studio här



1 Comment


Recommended Comments

Create an account or sign in to comment

You need to be a member in order to leave a comment

Create an account

Sign up for a new account in our community. It's easy!

Register a new account

Sign in

Already have an account? Sign in here.

Sign In Now
  • Similar Content

    • By Kasper Martinell
      Hur kan du tänka kring sound och dess relation till det musikaliska arrangemanget? När du väljer sound för ett instrument kan det antingen gynna eller motarbeta musiken på grund av frekvensinnehållet.
      I denna artikelserie vill jag försöka inspirera fler människor att spela in akustiska instrument. Jag tänker i denna första del gå igenom hur du kan tänka när du väljer instrument och hur du kan hitta intressanta sound samt hur du får dom att passa in i olika funktioner i musiken. Jag har upptäckt med tiden att jag arbetar mer och mer med själva källan för att få till de ljuden jag är ute efter. Jag tycker att det är ett bra arbetsätt för att få produktionen så pass bra som möjligt från första inspelningen.
      En bra startpunkt när du ska välja ett sound för ett instrument är att tänka på om det exempelvis ska vara ambient eller nära, basigt eller diskant, rent eller skitigt och så vidare. När du har en ungefärlig idé för hur du vill att instrumentet ska låta kan du enklare välja rätt instrument för den utgångspunkten.
      Det gäller att förstå vilken funktion instrumentet har i arrangemanget. Om det till exempel har en rytm-funktion eller en lead-funktion. Frekvensinnehållet spelar ju stor roll i hur bra instrumentet passar in i ljudbilden och om den hamnar i fokus eller inte.
      Duktiga musiker brukar vara bra på att veta vilka instrument och vilket material de ska använda om du förklarar vad du är ute efter, men eftersom musikern inte har samma helhetsbild av låten eller produktionen kommer du förmodligen behöva vägleda hen en aning, och med enkla knep kan det låta väldigt bra utan någon eq, kompression eller andra verktyg.


      Bearbeta ljud akustiskt
      När du valt instrument, så finns det kanske mer du kan göra för att anpassa ljudet till musiken? Du kan jobba med instrumentet/instrumenten i sig, eller material runt/på eller i instrumenten för att förändra karaktären och frekvensåtergivningen. Därmed kan du påverka instrumentets funktion i musiken. Här kommer några exempel jag har använt och fått bra resultat av:
      Bygga trumpodium för att ytan på golvet trummorna står på ska resonera mer och återge en annan karaktär. Testa olika klubbor för bastrumman –mjuka, hårda, plast och så vidare. Använda filtar/tröjor att lägga i och/eller på olika trummor. Lägga tyngd på pianopedalerna i trumrummet för att pianot ska resonera. Ställa en trumma framför gitarrförstärkaren för resonans. Lägga olika rör/krukor ”resonans” saker/material vid trummorna. Använda olika tjocklekar på plektrum för att framhäva eller dämpa transienter/frekvensområden i gitarren. Lägga ”skramlande” material på trumskinnet. Placera skumgummi vid bryggan på elbasen. Listan kan göras lång, och här kan du verkligen experimentera för att hitta ljud som du tycker gynnar instrumentets karaktär. Tänk på hur transienterna låter, längden på ljuden och frekvensinnehållet.


      Vad ska vara i fokus?
      När du har tänkt ut ditt sound, och funderat på olika karaktärer som kan vara intressanta att testa, så ställ dig frågan: Hur arrangerar du upp frekvenserna mellan instrumenten för att allting ska få rätt plats i ljudbilden?
      När vi arrangerar musik tänker vi ut vad som ska vara i fokus och vad som ska vara i bakgrunden och så vidare. Om du på samma sätt arrangerar frekvensinnehållet i varje instrument kan du som tidigare nämnt förstärka funktionerna i det musikaliska arrangemanget. Här gäller det att ha koll på vilka frekvenser som är känsliga för det mänskliga örat för att förstå hur du kan arbeta med frekvenserna på rätt sätt.
      Generellt är människor mest känsliga för de höga mellanfrekvenserna, runt 2 kHz – 5 kHz ungefär. Dessa frekvenser uppfattar vi starkare än till exempel basfrekvenser, även då de spelas upp på samma ljudnivå. Du kan därför arbeta med detta genom att experimentera med hur vi uppfattar volym. Om ett ljud ska vara i fokus och långt fram i ljudbilden, så är det bra om det instrumentet fokuseras kring de höga mellan-frekvenserna, och gärna har en viss tydlighet i transienterna. Ska elementet ligga längre bak gäller de motsatta, mjuka transienter och ett dovare ljud. Detta är vanliga mix-tekniker, men du kan även arbeta med detta enkelt vid inspelning genom att bara byta tjockleken på plektrumet, byta baskaggens klubba eller spela aningen svagare på pianot. Detta tankesätt går att använda på alla olika sorters instrument och kommer att göra livet så mycket enklare när det är dags att mixa låten.
      Låtens tempo
      En bra sak jag lärde mig av en trumslagare och studioägare vid namn Mikael Wikman, var att fundera över hur du använder trummors stämning i relation till låtens tempo. Är det en snabb låt kanske det är en bra ide att stämma trummorna högre för att få ett tydligare och ”hårdare” ljud. Medan om låten går långsamt kan det vara en ide att låta trummorna vara aningen mer slappt stämda och mjuka i ljudet. Du kan även här tänka på att om låten går långsamt, kanske du vill ha trummor som har mer ton och en viss längd i ljudet, medan en låt med ett högre tempo kanske kräver ett tightare ljud för att trummorna ska höras tydligare. Om du tänker på vad jag tidigare skrev angående frekvenser som skapar tydlighet blir detta självklart.
      En högre stämd trumma kommer i regel ha mer höga mellanfrekvenser än en trumma som är lågt stämd, vilket i sin tur leder till att trummorna blir mer framträdande och tydliga i ljudbilden. Alla val du gör påverkar frekvensinnehållet och därmed hur vi som lyssnare uppfattar ditt arrangemang, därför kan det vara bra att testa olika sätt att förändra instrumentens karaktär för att gynna funktionen i musiken.
      Hitta ditt sound del 2: akustiska knep
      Hitta ditt sound del 3: Rätt mikrofon och rätt placering
      Hitta ditt sound del 4: prylarna som lyfter inspelningen
      Hitta ditt sound del 5: rätt mix för rätt ändamål
    • By Kasper Martinell
      Istället för att se akustik som bra eller dåligt, så kan du se det som olika sätt att förändra ljudet på inspelningen. Jag kommer ta dig igenom några knep som kan vara användbara i akustiska sammanhang.
      Jag gick i förra delen (som du finner här) igenom hur du kan tänka när du väljer instrument och sound för din produktion, samt hur du kan tänka kring frekvensinnehållet och hur det påverkar det musikaliska arrangemanget. I denna del 2, kommer jag att ta upp hur du kan tänka kring akustiken och i det rum du väljer att spela in instrumenten i.
      Akustik är aningen diffust kan jag tycka. Vad är bra eller dålig akustik? Jag tycker att det är bättre att se hur akustiken kompletterar det sound du är ute efter. Istället för att dämpa rummen med en massa akustikpaneler och filtar kan du använda klangen i rummet för att bygga en rymd i produktionen.
      Använd dig av alla rummets alla möjligheter när du jobbar med att hitta ett sound. Det finns oändligt många val du kan göra med akustik som kommer att förändra ljudets karaktär. Kolla exempelsvis på hur geniet Sylvia Massy arbetar med sina inspelningar – hon får fram otroligt häftiga sound och experimenterar på till synes helt ”galna” sätt. Nedan är några exempel på hur du kan jobba med rummet och akustiken.

      1. Välj rum efter materialet i rummet samt rummets storlek
      Det första jag brukar tänka på är: vad för material rummet är byggt av? Jag gillar när golv och väggar är gjorda av trä. Jag tycker att trä resonerar väldigt fint, och det skapar ofta en skön klang i ljudet. Men att spela in i utrymmen med hårda material, som exempelvis sten eller betong kan vara hur häftigt som helst. Jag antar att alla någongång har varit i ett parkeringsgarage? Tänkt dig hur en virveltrumma skulle låta i ett sådant utrymme.
      2. Olika placeringar i rummet
      Gå runt och lyssna i rummet hur instrumentet låter i olika hörn och kanter av utrymmet. Det kan till exempel vara riktigt ballt att placera vissa instrument vid ett fönster för att få väldigt hårda reflektioner. Olika placeringar i rummet kommer att framhäva olika aspekter av instrumentet. Beroende på vad du är ute efter så kan du flytta runt musikern för att hitta vilken del av rummet som låter bäst för ändamålet.
      3. Analogt vått/torrt (wet/dry)
      Istället för att välja ett rum som är väldigt torrt så kan du isolera instrumentet med akustikpaneler och filtar genom att bygga ett litet bås. På detta sättet kan du fortfarande placera mikrofoner i rummet som tar upp mycket efterklang och ”levande” ljud till inspelningen. Detta är ett bra sätt om du vill ha maximal kontroll över ditt wet/dry-sound.
      4. Fånga rummet med reamping
      Reamp innebär att spela upp dina instrument genom en ny förstärkare i någon form. Om du har spelat in ett instrument i ett torrt rum men vill fånga en fin rumskaraktär efteråt så kan du helt enkelt reampa ljudet. Jag har reampat allt från gitarrer, stråkar, trummor, synthar med mera. Ställ en högtalare i rummet och placera ut ett stereopar mikrofoner, gärna lite vinklade ifrån direktljudet för att fånga så mycket reflektionsljud som möjligt. Detta är ett superbra sätt att få en naturlig rumskaraktär till dina inspelningar.
      5. Anpassa källan efter rummet
      Detta låter kanske lite motsägelsefullt när du redan har valt ett sound och ett instrument för din produktion. Men eftersom rummet kommer att påverka instrumentets sound väldigt mycket, så kan detta vara en idé att testa. Det behöver inte vara stora förändringar men att testa olika cymbaler, virveltrummor, olika storlekar på akustiska gitarrer, olika gitarrförstärkare alternativt olika inställningar kan göra att ditt instrument ”gifter sig” ännu bättre i ljudbilden.

      Sista touch innan micken
      När du har valt ut rum samt placering för ditt instrument kan det vara värt att tänka på hur du spelar på instrumentet i relation till hur frekvensåtergivningen speglas i rummet du har valt ut. I ett rum med hårt material framhävs ju exempelvis de höga frekvenserna. Detta blir en fråga om hur du balanserar upp frekvenserna med din spelstil för att få instrumentet att passa in i mixen så bra som möjligt. Lyssna på hur rummet reagerar på instrumentet och vilka frekvensområden som blir framhävande. Testa därefter att spela starkare/svagare, och blanda olika stilar för att hitta sweetspoten för instrumentets ändamål.
      Genom att tänka på akustik på detta sättet istället för om det är ”bra” eller ”dåligt” så öppnas en hel del dörrar till vad du kan göra i din produktion. Det blir också mycket roligare att se akustik som ett kreativt verktyg som går att arbeta med och skapa intressanta sound och bygga produktionens rymd.
      Vad som är bra med att arbeta på detta sättet är också att du får en tydligare bild av musiken och produktionen. Det är lättare att följa vilket håll produktionen drar åt när efterklanger och rumsljud finns med. Produktionsmixen kommer att låta mer sammanhängande och färdig. Och om du inte själv ska mixa låten så har du en chans att välja dina egna reverb och slipper att bli besviken på mix-teknikerns reverb-pluggar.

      Nedan finner du resterande delar i serien "Hitta ditt sound" av Kasper Martinell
      Hitta ditt sound del 1: instrument och ljudkaraktär
      Hitta ditt sound del 3: Rätt mikrofon och rätt placering
      Hitta ditt sound del 4: prylarna som lyfter inspelningen
      Hitta ditt sound del 5: rätt mix för rätt ändamål
    • By Kasper Martinell
      Hur formar du soundet genom att placera mikrofonen eller mikrofonerna på rätt plats? Och hur kan du tänka kring mikrofonval och vilken typ av mikrofon som ska användas?
      Nu har vi kommit till del 3 i serien ”Hitta ditt sound”. Jag kommer att ta upp vilka mikrofoner du kan välja och hur du placerar dem på rätt plats. I studiosammanhang använder vi oss vanligast av tre typer av mikrofoner: dynamisk mikrofon, kondensatormikrofon och bandmikrofon. Dessa tre mikrofontyper har olika karaktärer, och har ofta olika användningsområden på grund av sina olika upptagningsförmågor.
      Dynamisk mikrofon
      Denna typ av mikrofon bör oftast placeras nära ljudkällan och är väldigt SPL-tålig. (SPL = Sound Pressure Level). Det vill säga, dessa mikrofoner tål höga ljudnivåer. Frekvensåtergivningen på dynamiska mikrofoner är ofta fokuserade kring mellanregister och fungerar därför väldigt bra för att spela in ljud som inte behöver väldigt mycket av bas eller diskant.
      Kondensatormikrofon
      Kondensatormikrofoner används ofta på lite längre avstånd (ca 10 cm) på grund av sin känslighet (men fungerar självklart att placera nära också, men med risk av för mycket proximity-effekt vilket innebär en förstärkning av frekvenser under 200 Hz upp till ca 30 db). Dessa mikrofoner har ett väldigt brett frekvensomfång och passar bra till ljud som ska vara mer övergripande.
      Bandmikrofon
      Dessa fungerar mer likt en dynamisk mikrofon men frekvensupptagningen ser ofta väldigt annorlunda ut. Bandmikrofoner har generellt väldigt mycket bas och värme i ljudet och är relativt dova i diskanten. Dessa mikrofoner passar till de mesta ljudkällor, men bör användas med vetskapen att de tillför en viss karaktär till ljudet.
      Dynamiska mikrofoner som är placerade nära ljudkällan ger en tyngd och tydlighet till din produktion. Närhetseffekten skapar mycket låga mellan-frekvenser som kan upplevas som värme och punch.
      Användningsområden
      Börja med att fundera på om du vill främja ljudkällans frekvensåtergivning eller om det finns områden du vill tämja i ljudet. Till exempel: du har spelat in trummor, bas och piano. Du har redan fyllt upp ganska stora områden av frekvensspektrumet i ljudbilden, men nu är det dags att spela in gitarr. Vart vill du lägga fokuset i gitarrljudet? I bas, mellan eller diskant-registret? Vad kommer att blanda sig bäst med ljudbilden?
      Det handlar om att förstå vad musikproduktionen behöver och vad som kan komma att ”gröta till” ljudbilden. Det kan vara bra att testa 2-3 olika typer av mikrofoner och höra vilken som kommer att passa bäst för din produktion.
      Jag tycker också att det är viktigt att tänka på vad det är för musikgenre när du väljer mikrofoner. Om vi tar rock som ett exempel: När vi står på en live-show så spelas det otroligt stark volym och vi känner musiken i hela kroppen. Hur överför du den känslan till studion? Här kommer närhetseffekten in. Eftersom vi inte lyssnar på samma volym som vi gör vid en konsert, så behöver vi spela in musiken med mer bas och diskant för att återskapa den känslan. Genom att använda dig av mycket dynamiska mikrofoner och placera dom nära ljudkällan så får du mycket bas och diskant i ljuden som skapar mycket energi i musikproduktionen.
      När det kommer till mer naturtrogna musikgenrer så kan det vara bättre att använda sig av kondensator eller bandmikrofoner och placera dessa på lite längre avstånd. Detta ger ett mer öppet och luftigt ljud och återskapar mer det naturliga ljudet av instrumenten.
      Placeringar
      Hur kan du tänka när du har valt mikrofoner och ska placera dem nära källan? Om vi börjar med till exempel trummor: Det är vanligt att placera dynamiska mikrofoner väldigt nära virveltrumman  och pukor. Jag brukar tänka att ungefär ca 10 cm brukar vara lagom avstånd. När det kommer till hur du ska rikta mikrofonen så har du olika valmöjligheter. Riktar du mikrofonen mot mitten där trumpinnen slår, så får du mer attack och mellanregister, men om du riktar den mer mot kanten av trumman så fångar mikrofonen upp mer resonans och ton.
      Jag gillar oftast att rikta mikrofonerna mer mot kanten av trumman för att mjuka till transienterna lite och fånga lite mer bas och ton av trumman. Speciellt om trummisen slår hårt så är det lätt att ljudet blir väldigt ”middigt” (mycket mellanregister) och hårt ljud av att rikta den rakt mot mitten.
      Elbas/elgitarr: Här är det vanligt att placera mikrofonen rakt framför högtalaren. Sen gäller det att hitta sweetspoten mellan mitten och kanten av elementet av högtalaren. Ju närmare mitten desto mer diskant. Jag brukar gilla att placera mikrofonen ca 5 cm ifrån mitten för att mjuka till ljudet lite.
      När det kommer till gitarrförstärkare så tycker jag även att det kan vara bra med lite rumsmikrofoner för att fånga lite efterklang på ljudet. Här kommer kondensatormikrofoner in i bilden. Jag brukar placera en eller två kondensatormikrofoner några meter ifrån ljudkällan och rikta den/dem bort från förstärkaren för att ta upp så mycket reflektioner som möjligt. Detta kan ge ett skönt djup i ljudet om du väldigt sparsmakat blandar in det i ljudbilden.
      Piano/flygel: Den vanligaste tanken gällande piano är att använda sig av kondensatormikrofoner och placera dem i ett stereopar några decimeter ifrån strängarna. Men, om låten inte är en pianoballad och du bara vill fylla ut produktionen med lite pianoackord kan faktiskt ett upright-piano uppmickat med ett par Shure SM-57 eller Sennheiser MD421 eller MD441 eller liknande dynamiska mikrofoner vara väldigt användbara. Om musikproduktionen redan är fullproppad med instrument och slagverk kommer det vara väldigt svårt att passa in en flygel med all dess bas och diskant inspelat med t.ex. Neumann U87:or. Genom att spela in ett vanligt piano med enkla dynamiska mikrofoner så får du ett mellanregister som enklare kommer att höras i mixen.

      Stormembrans-mikrofoner eller småmembrans-mikrofoner? Vad behöver "kropp" och vad behöver tydlighet i transienterna?
      Mina guldkorn
      Jag har några enstaka mikrofoner som jag använder flitigt, och som jag tycker passar väldigt bra till olika element. Dessa mikrofoner gillar jag verkligen, och jag har har fått bra resultat av dem, men varje gång ett nytt inspelningsprojekt drar igång tycker jag att det är viktigt att experimentera och inte fastna i sina gamla vanor.
      Sång – Generellt Shure SM7B för rocksång och Aston Origin för popsång (men jag vill tillägga att vilken mikrofon som passar bäst för sång är helt och hållet beroende på vilken typ av röst du har). Bastrumma – AKG D112 ihop med ett högtalar-element (gärna 15 tum). Virveltrumma – Shure SM-57 tillsammans med en småmembrans-mikrofon av typen kondensator. Pukor – Sennheiser MD 441. Överhäng (OH) – Schoeps småmembrans-mikrofon, alternativt Royer 121 bandmikrofon. Hihat – Shure SM-57 för ett skitigt sound eller en småmembrans-mikrofon. Elgitarr – Shure SM-57 tillsammans med en stormembrans-mikrofon. Elbas – AKG D112 tillsammans med en Sennheiser MD 421 med "bass-cut" på max. Akustisk gitarr – Aston Origin. Flygel – Stormembrans-mikrofoner (en klassisk mikrofon är förstås Neumann U87). Piano – Sennheiser MD 441. Sortera i frekvenserna
      Temat för dessa totalt 5 delar av ”Hittar ditt sound”, är genomgående att dela upp frekvensområdena och sortera/arrangera med hjälp av ljudkällan själv, musikerns spelstil, akustiken och sedan vilken mikrofon som används. För att kunna välja rätt mikrofon för rätt ändamål krävs det att du funderar lite på vad är det du vill ha kvar av källan och om det är någonting du vill ta bort. Tänkt på vad i produktionen som ska agera bas, vad som ska agera mellanregister och vad som ska agera diskant. Välj sedan mikrofoner med rätt karaktär för instrumenten som du har placerat i ett visst frekvensområde i din musikproduktion.
      Nedan finner du resterande delar i serien "Hitta ditt sound" av Kasper Martinell
      Hitta ditt sound del 1: instrument och ljudkaraktär
      Hitta ditt sound del 2: akustiska knep
      Hitta ditt sound del 4: prylarna som lyfter inspelningen
      Hitta ditt sound del 5: rätt mix för rätt ändamål
    • By Kasper Martinell
      När du har format ljudet efter dina preferenser och valt mikrofoner samt placerat dem på det sätt du tycker blir bäst. Hur kan du ytterligare jobba med ditt material för att uppnå ditt sound?
      I denna del 4, så kommer jag att ta upp olika studioprylar som kan hjälpa dig att hitta rätt karaktär och uppnå ett professionellt sound på dina inspelningar. Vi har redan gått igenom de viktigaste momenten i tidigare delar, men genom att välja rätt utrustning och veta varför, så kommer inspelningarna enklare att nå en professionell nivå. (Du finner länkar till de tre föregående delarna längst ner i denna artikel).
      Preamp/ljudkort
      Det första du bör välja är vilken preamp/ljudkort som du vill använda. Börja först med att bryta ner det till om du vill ha ett snällare eller ett mer aggressivt sound. Nedan finner du de preamp/ljudkort-modeller jag har mest erfarenhet av.
      Neve 1073
      Neve 1073 bidrar med ett ”fräs” (distorsion) i toppen och mycket kropp i det låga mellanregistret kring 300Hz. Neve 1073 är enligt mig framförallt väldigt bra på trummor och gitarrer. Den kan dock ge lite väl mycket distorsion i toppen på sång om mikrofonen är väldigt diskantrik.
      API 512c
      API 512c är lite mer "midpunchig", (det vill säga den genererar ett tydligt och framhävande mellanregister kring 500 Hz-2 kHz), och en snällare diskant än Neve 1073. Detta är en bra allround-preamp, men som är extra bra på trummor i mitt tycke.
      Universal Audio 710 Twin-Finity
      Via 710:an blir det ett väldigt mjukt och fluffigt sound, och det är väldigt bra om du vill ha ett snällt och mjukt sound. Denna passar enligt mig bättre till genres som jazz/folk, alltså lite mer ”naturlig” musik.
      SSL G+
      SSL har en bra punch och mellanregister, och funkar väldigt bra som en allround preamp. Den är kanske en smula intetsägande på sång dock.
      Det viktigaste att tänka på när du väljer preamp/ljudkort är att fundera över hur mycket, och vilken slags ”färg” du vill hitta i ditt sound. Spelar du in endast ett instrument så spelar det inte speciellt stor roll, men om du ska göra en hel produktion med samma preamp, så kommer den färgen att byggas upp med varje nytt inspelningsspår.
      Har du inte tillgång till en schysst preamp? Testa detta: ta en plugin som exempelvis Waves Scheps 73 och lägg den på alla kanaler som du skulle ha spelat in med en Neve preamp. Sätt preamp-reglaget på Scheps pluggen på mellan 30-60 på alla kanaler och slå av och på för att känna skillnaden. Detta kan hjälpa dig för att skapa en tyngd och punch i musikproduktionen.
      Equalizer (Eq)
      Om du är noga med alla tidigare steg förklarade i denna artikel, så kommer du förhoppningsvis inte behöva göra väldigt mycket justeringar, men var inte rädd för att skruva litegrann med en eq för att det ska låta bättre. I en inspelningssession är det inte viktigt att leta efter jobbiga frekvenser eller detaljer, utan här tycker jag att det gäller att göra de stora viktiga valen som kommer att påverka musikproduktionen mest.
      Välj en eq du gillar och skär bort bas och distant som inte behövs, och känn sedan om du tycker någonting behöver mer diskant (kolla in registret kring 6 kHz och uppåt), eller om du vill ha mer kropp (kolla in ca 100-500 Hz). Jag tycker att det är viktigt att forma soundet för att komma så nära slutresultatet som möjligt redan vid inspelningstillfället. Därför är jag ett stort fan av att spela in på mixerbord för att ha maximalt med möjligheter att forma soundet från grunden.
      Någonting som jag själv har börjat använda mig av är referenser (en låt som är i liknande genre som din nuvarande produktion), inte bara i mixnings-sessionen utan också vid inspelningen. På detta sätt får jag en överblick över bas/diskant-relationen på mina inspelningar. Att använda inspelnings-referenser tycker jag fungerar bra om det används på rätt sätt. Det är viktigt att inte stirra sig blind på detaljer och att det låter olika. Det ska mer användas för att få koll, och där jag exempelvis kan fråga mig: ”Kan jag öka 5 db mer diskant på virveln”? Det tråkigaste som finns är ju när en inspelning går bra men vid genomlyssningen dagen efter, så inser du att det saknas energi och allting låter väldigt muddigt och instängt.
      Tips för dig som inte har tillgång till en eq vid inspelningen: Lägg på en eq-plugg, och eq:a vid soundcheck tills du gillar soundet. Efter inspelningen exporterar du alla spår med eq-pluggarna på och lägger in spåren i ett nytt projekt i ditt inspelningsprogram. På detta sätt så har du ”spelat in” dina eq-val och bestämt dig för ett sound.
      Kompressorer
      När det gäller kompressorer, så är jag lite mer sparsam vid inspelningen. På sång tycker jag det kan vara bra att trycka på en hel del för att jämna ut och skapa energi. Men när det kommer till resterande instrument, så brukar jag inte vara lika snabb med att använda en kompressor.
      Områden jag frekvent använder kompressor på vid inspelning är:
      Rumsmikrofoner Rena elgitarrer (det vill säga utan någon effekt/distorsion) Sång Akustisk gitarr Resten av musikproduktionen brukar jag generellt lämna utan kompressor vid inspelning. En personlig favorit är att koppla in en distressor. Distressorn är en väldigt allsidig kompressor som kan jobba både snabbt långsamt, snällt och agressivt. På rumsmikrofoner är den speciellt bra om du ställer den på medium till snabb attack och väldigt snabb release. Ration kan stå på NUKE läge. Blanda sedan in rumsmikrofonerna i helheten och låt energin ta över hela kontrollrummet. Kolla på bilden nedan där pilen visar nukeläget. Attacken har jag skrivit 5 på och releasen 2. Detta är en bra utgångspunkt enligt mig för att skapa energi i rumsmikrofoner. Viktigt att notera är att det är releasen som sätter mest prägel på soundet här. Det är releasen som du ska fokusera på att få till rätt.  

      Det som är viktigt att tänka på gällande kompressorer är vad du ska använda dem till. Vill du skapa energi? Ge virveln en tydligare transient? Kontrollera dynamiken eller ”förstöra” ett ljud (”crusha”) genom att komprimera superhårt men ha en snabb release. Olika kompressorer kommer vara bra på olika moment. Det handlar mestadels om hur snabb eller långsam en kompressor är.
      Jag brukar generellt tänka, att om en kompressor ska användas så ska det inte vara för att kontrollera 1-2 db i något element, utan den ska användas för att skapa mer energi eller skapa en speciell karaktär eller liknande. Småpillet kan du sitta med i mixningen. I inspelningen gäller det att få till en känsla och ett driv mer än att kontrollera saker.

      Var noga med att inte ”stirra dig blind” på siffror. Exempelvis, en LA-2A-kompressor kan låta hur bra som helst när den komprimerar -20 db. Men börjar du kolla på den så kommer du förmodligen att bli förskräckt över hur mycket den komprimerar, trots att det låter grymt bra.
      Hur mycket utrustning ska du använda?
      Jag hade för ungefär ett år sedan mejlkontakt med en producent som heter Hiili Hiilesmaa, som bland annat har producerat mitt favoritband HIM. Jag gjorde en kort intervju med honom angående inspelning och här är ett av svaren jag fick på frågan om utrustning:
      – Did you use a lot of eq/compression to ”tape” or did you keep the recordings clean?
      – I use a lot of eq and compression in the recording phase. The more ready the drums sound in overdub recordings (guitars, bass etc.), the better ideas it gives the other players.
      Så med detta vill jag säga att du ska inte vara rädd för att vrida på knappar tills du gillar det du hör, men det är viktigt att få till stegen innan, annars kommer resultatet förmodligen inte bli lyckat. Ju mer du formar soundet till vad du är ute efter i varje steg desto bättre kommer slutresultatet att bli.
      Nedan finner du resterande delar i serien "Hitta ditt sound" av Kasper Martinell
      Hitta ditt sound del 1: instrument och ljudkaraktär
      Hitta ditt sound del 2: akustiska knep
      Hitta ditt sound del 3: rätt mikrofon och rätt placering
      Hitta ditt sound del 5: Rätt mix för rätt ändamål
    • By Ollie Olson
      När du ska påbörja en musikproduktion så är planering, koll på musikgenre, avstämning med artist eller beställare och en klar idé oerhört viktigt.
      Att ha koll på detta har jag skrivit om tidigare. Det är ju alltid roligare om saker bara flyter på, men även om du har gjort hemläxan med allt detta, så kommer du under arbetets gång att stöta på problem. Inspirationssvikt och idéer som inte går att genomföra, och det är helt naturligt och inget du ska ta lätt på, men du ska inte heller låtsas som att det inte kommer att hända. För det gör det.
      Hur gör du då för att ta dig ur det? Jo, det finns lite olika sätt, och i detta tips ska vi gå igenom lite olika alternativ, och alla alternativ bygger egentligen på samma grund – att hitta de vägar som passar dig för att ta dig ut ur svackan.
      Kortleken som tar dig ur kreativa problem
      1975 så slog den legendariske musikproducenten Brian Eno sig ihop med konstnären Peter Schmidt, och skapade en kortlek för att hjälpa sig själva, och andra ur kreativa problem. De skapade kortleken Oblique Strategies. Här finner du appen på Google Play, och här på App Store.
      På dessa kort stod det något som innebar att man skulle tänka på ett problem ur en annan synvinkel. Så när man fastnade i något så skulle man dra ett kort och göra det som stod där. Förslagen kunde vara ”Betona skillnaderna”, eller ”Gör ingenting så länge du kan”, eller ”Ta bort tveksamheter och ersätt dem med något specifikt”. Detta är uppmaningar att i stunden ta en annan väg eller se det man gör i ”ett nytt ljus”.
      Andra förslag från korten kan vara ”Behöver du ändra orden”, eller ”Bara en del, inte helheten” eller ”Gå sakta runt huset ett varv”. Det vill säga att göra något annat en stund, så att du får en möjlighet att låta hjärnan vila för att den ska återigen ska kunna fungera kreativt och praktiskt.
      Jag har använt dessa uppmaningar många gånger när jag behöver hjälp för att lösa upp knutar som sitter för hårt.
      En del av korten är ganska abstrakta, och det är ju meningen att man ska tolka dem så att de passar din situation här och nu. Jag brukar ha några vägar som jag själv testar innan jag tar fram appen med korten. För mig handlar det mycket om att testa något som jag inte först tänkt på, för att bryta mitt mönster, vilket ju i sin tur är grundidén med dessa kort och förslag.
      Lyssna på din låt utan volym
      Ibland när jag sitter och mixar, och känner att det är något i helheten och balansen mellan instrumenten eller frekvenserna som inte funkar, och hur jag än ändrar och vrider så blir inte mixen bättre. Då brukar jag spara om mitt mix-arrangemang i ett nytt namn och sedan dra ner alla kanaler i volym till botten, och spela låten utan ljud. Och medan jag tittar på hur markören rör sig över alla filerna, så försöker jag minnas hur det låter, och hur jag vill att det ska låta. När det är helt tyst i högtalarna eller hörlurarna, fast mina ögon registrerar att låten spelar, så är det som att vissa saker blir tydligare under tidens gång. Låten spelas upp i huvudet på mig, och då brukar det direkt dyka upp idéer.
      Sedan drar jag upp volymen på de olika instrumenten, rösterna och kanalerna, utan att ändra på eventuella pluggar som exempelvis EQ, kompressorer och effekter, för att återställa balansen, och oftast får jag en ny balans som är mycket bättre och tydligare. Det sker för att jag för en stund släpper det som mina öron har vant sig vid, och jag släpper idéer som jag gillar men som kanske inte passar i mixen.
      Ta en paus genom att lyssna på annan musik
      En annan sak som jag också gör i inspelningssituationer, redigering, i påläggsfasen men också i mix, är att jag tar en paus, och lyssnar på tre låtar av helt annan karaktär. Jag lyssnar inte aktivt som för att jämföra, utan jag ”slölyssnar” för att jag gillar låtarna och rensar på så sätt min hjärna och mina öron från det som har tagit all min uppmärksamhet under de senaste timmarna. När jag sedan kommer tillbaka till låten så hör jag den med andra öron och jag kan sedan ta nya beslut om arbetet.
      När jag ska välja ljud för pålägg, som till exempel ett pad-ljud så brukar jag spela in idén i midi med det ljud jag har tänkt, fast jag känner att det inte passar in, och sedan byter jag ljud hej vilt till något ljud som jag verkligen inte tror ska passa in. Detta gör jag för att hitta något i frekvenserna och karaktären som kan överraska mig, och få mig att höra vad som egentligen behövs och inte bara vad som förväntas.
      Du ska själv hitta de vägar som passar dig för att ta dig ut ur svackan, men ett starkt tips är att skaffa apparna för Oblique Strategies som jag nämnt tidigare.
  • Blog Entries

  • Bloggar

×
×
  • Create New...

Important Information

We have placed cookies on your device to help make this website better. You can adjust your cookie settings, otherwise we'll assume you're okay to continue.