Search the Community
Showing results for tags 'fredagstipset'.
Found 152 results
-
FREDAGSTIPSET: Fel fel fel, ständigt dessa fel. Varför ska det vara så svårt att få till en välljudande mix? Jag minns när jag var blott 15 år och mixade ett av mina första alster. Utan några som helst förkunskaper kastade jag mig in i projektet och bara körde på. När jag nu lyssnar på resultatet mer än 20 år senare slås jag av att det faktiskt låter helt ok. Jag har garanterat gjort betydligt sämre mixar än denna långt senare i min karriär. Hur kan detta komma sig? Svaret är naturligtvis mångbottnat, men i grunden handlar det om att jag då lyssnade mer än jag tittade. Jag visste inte riktigt vad jag höll på med och tvingades därför att använda mina öron istället för mina ögon. Med anledning av detta går dagens fredagstips till botten med det mest fundamentala, nämligen equalizern och 5 vanliga fel du förmodligen gör då och då: Du tror att alla spår behöver eq – Vilket naturligtvis är ett misstag. En equalizer behövs bara om du vill förändra ljudet, inte annars. Bara för att du har verktyget till hands så behöver det inte användas. Men… Alla spår kan väl alltid låta lite bättre, kanske du tänker? Ja och nej. Fråga dig då hellre: Måste det här spåret verkligen justeras? Om inte, så behövs det naturligtvis ingen equalizer. Ibland räcker det gott med att bara sänka eller höja volymen. Kom ihåg att 80-90% av en mix bara är volym och panorering, resten är grädde på moset. Du hör vad du ser – Lita inte på hur equalizern ser ut, utan på hur det faktiskt låter. Att skruva ljud har ingenting med utseende att göra. I dagens digitaliserade värld är det oerhört lätt att bli distraherad, vilket är viktigt att vara medveten om. Du blir attackerad från alla håll och kanter med tjusiga gränssnitt och dansande mätare. Det visuella kan (och kommer) att lura dig vare sig du vill eller inte. Ett användbart tips som dock kan underlätta i sammanhanget är att du eq:ar precis vanligt, för att sedan klicka av och på bypass-knappen med förbundna ögon. Låter det verkligen bättre? Eller ser det kanske bara bättre ut? Med detta sagt finns det naturligtvis även fördelar med det visuella. Speciellt om du vill råda bot på hög- eller lågfrekvent material som du annars inte skulle höra, men som äter upp onödig energi. Du skruvar för snävt och brant – Se istället dina eq-kurvor som ett böljande mjukt och fluffigt landskap, vilket ger ett mer ”naturligt” intryck (eller uttryck). Detta tankesätt går såklart helt mot att ”mixa med ögonen” - Men poängen är att ett väl inspelat instrument sällan behöver särskilt mycket justering. Framförallt inte brant och snävt. Kanske några decibel här eller där för att lyfta fram och förstärka karaktären. Om du upptäcker att du behöver massor av snäva eq-justeringar så är det dags att spela in på nytt! Du litar på presets – Problemet är bara att förinställningarna inte har någon som helst aning om hur din inspelning faktiskt låter, vilka mikrofoner som använts, hur sångaren eller gitarren klingar och så vidare. Alla inspelningar är unika och tur är väl det. Förinställningarna har heller ingen koll på hur övriga spår i mixen låter och hur de då bör förhålla sig till dessa. Allt förinställningarna gör är att ge generella tips gällande exempelvis en sång- eller gitarrtagning. Det är sedan upp till dig att avgöra om det är bättre eller sämre. Därmed inte sagt att du ska undvika presets, inte alls. Men se dom endast som något att utgå ifrån, snarare än en färdig mall. Det finns inga magiska genvägar (än), bara lite hjälp på vägen. Du rattar i sololäge – Klassikern som tåls att upprepas gång på gång, tills det sitter som sten i berget. Det spelar ingen roll hur bra ett instrument låter ensamt, om det inte passar i mixen. Oftare än du tror så handlar det inte om att lägga på mer equalizer eller kompression, utan bara en sån enkel sak som att ändra volymen. Sololäget är dock bra när du ska leta upp problemfrekvenser, men är din värsta fiende när du ska hitta rätt frekvensmässig balans och känsla i mixen. Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Eller om du hellre föredrar att diskutera om mixning i avdelningen "Mixning och mastring" på Studios forum här! Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du samtliga fredagstips. -
FREDAGSTIPSET: Körer som grötar… Körer som känns otydliga… Körer som bråkar med leadsången… Känns detta bekant? Då är du inte ensam. Men lugn, det hela är faktiskt ganska enkelt att råda bot på, även om det kan kräva en del trixande. Mitt recept på perfekta och tajta körer skruvar du till i sju enkla steg och ser ofta ut ungefär såhär: 1. Klipp bort alla starka konsonanter. Ett oerhört viktigt och ibland tidskrävande moment. Jag klipper i stort sett alltid bort S, T, K och P, vilket får effekten att kören låter 100% synkad med leadsången. Det är just konsonanterna som ofta ligger och stör och bråkar med leadsången och då ger ett ofokuserat och slarvigt intryck. Alternatvit går det naturligtvis även bra att jobba med en kraftig de-esser på körspåren, men då på bekostnad av tydligheten. 2. Low cut högre upp än du tror. Poängen med körer är att de ska ligga i bakgrunden och fylla ut och förstärka. Det enklaste sättet att uppnå detta på är att skära högt upp. Bli inte förvånad om du måste gå så högt som 500-600Hz. Att ha botten i körer är i regel onödigt och energikrävande. Det finns naturligtvis undantag, som alltid, speciellt i mer sparsmakade alster där rösterna kräver närvaro. 3. Skär runt 2000-3000 Hz. Detta område är viktigt för leadsången, men även för andra instrument och sänks därför med fördel på körspåren för att lämna plats. Som en trevlig bieffekt hamnar dessutom kören bakom leaden, vilket är precis vad du vill åt. 4. Boosta 6000-8000 Hz. Området att ratta på när då behöver mer tydlighet och briljans. Högre upp har leadsången pantent på. 5. High cut 10000-12000 Hz. För att lämna plats och framförallt luft åt leadsången, vilket även här resulterar i att körerna hamnar än mer i bakgrunden. Visst finns det låtar som kräver extremt luftiga körer, men som regel kan du plocka bort här. 6. Panorera som en solfjäder. Sprid ut körspåren till höger och vänster likt en solfjäder. Ju ljusare, ju längre ut på kanterna. Mörkare och basrika körer, eller instrument i allmänhet för den delen, mår bättre av att hålla sig mer mot mitten. 7. Komprimera hårt. Smaksak, men jag gillar generellt att komprimera mina körer ganska hårt, speciellt i refrängerna. Detta för att varje ord ska höras tydligt, vilket också gör att helheten känns mer ännu mer tajt, speciellt om du följt ovanstående steg. BONUSTIPS: Dubblera och oktavera samtliga stämmor om möjligt för ett fetare intryck, vilket såklart också är beroende på genre. Ett annat tips är att låta en synth spela samma melodi som körerna, för att sedan försiktigt fylla ut. Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Eller om du hellre föredrar att diskutera om mixning i avdelningen "Mixning och mastring" på Studios forum här! Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du samtliga fredagstips. -
FREDAGSTIPSET: Frekvenser hit och kompression dit. Det bästa vore väl ändå om det fanns någon slags standardmall för samtliga instrument, eller? Det kan man såklart tycka... Men eftersom varje inspelning och instrument skiljer sig åt, såväl som lyssning, rum, tycke och smak så är detta tyvärr en omöjlighet. I alla fall i dagsläget. Men det kan ändå vara bra att ha någon slags mall att utgå ifrån. Tänk bara på nämnda frekvenser är rekomendationer och att det är av yttersta vikt att du lyssnar för att hitta varje instruments sweet spot. Med detta sagt… Här kommer min kompressor- och frekvensreferens: Baskagge Skär bort: 120-350 Hz = Gröt, 500-900 Hz = Papp. Lägg till: 40-80 Hz = Sub, 2,5-4,5 kHz = Smäll, 7-8 kHz = Klick. Komprimera: Långsam attack, snabb release. Virvel Skär bort: 400-600 Hz = Papp. Lägg till: 180-300 Hz = Värme, 2-3 kHz = Smäll, 5-7 kHz = Rassel och klick. Komprimera: Långsam attack, snabb release. Hihat Skär bort: 300-400Hz = Low-cut, 3-5 kHz = Ont i öronen, 10-12 kHz = High-cut. Lägg till: 400-800 Hz = Kropp. Komprimera: Nej. Pukor Skär bort: 150-300 Hz = Gröt, 500-800 Hz = Papp. Lägg till: 70Hz-90 Hz = Botten golvpuka, 120-180 Hz = Botten hängpuka, 5-8 kHz = Klick. Komprimera: Långsam attack, snabb release. Överhäng (overhead) Skär bort: 100-200 Hz = Low-cut, 400-700 Hz = Papp. Lägg till: 12 kHz = Skimmer (använd mycket sparsamt) Komprimera: Långsam till medium attack, medium till snabb release. Rum Skär bort: 100 Hz = Low-cut, 6-8 kHz = High-cut. Lägg till: 500-1000 Hz = Rummet. Komprimera: Snabb attack, snabb release, mycket kompression. Tamburin/shaker Skär bort: 400-500 Hz = Lowcut, 7-8 kHz = Ont i öronen, 10-12 kHz = High-cut. Lägg till: 600-900 Hz = Kropp Komprimera: Långsam attack, snabb release. Bas Skär bort: 350-600 Hz = Papp, 7-8 kHz = High-cut Lägg till: 50-80 Hz = Sub, 700-1000 Hz = Tydlighet/Attityd, 2-3 kHz strängljud. Komprimera: Medium attack, medium release. Akustisk gitarr Skär bort: 100-350 Hz = Gröt, 350-600 Hz = Papp. Lägg till: 1-2,5 kHz = Tydlighet, 8-12 kHz = Luft. Komprimera: Medium attack, medium release. Elgitarr Skär bort: 100-200 Hz = Low-cut, 250-350 Hz = Gröt, 2-3 kHz = Vasst. 8-12 kHz = High-cut. Lägg till: 1000-1500 Hz = Tydlighet/Attityd Komprimera: Behövs sällan. Medium attack, medium release. Piano Skär bort: 40-60 Hz = Low-cut, 400-600 Hz = Papp Lägg till: 80-120 Hz = Botten, 2-5 kHz = Tydlighet. Komprimera: Långsam attack, snabb release. Sång Skär bort: 80-200 Hz = Lowcut, 200-300 Hz = Gröt, 400-500 Hz = Papp, Lägg till: 200-300 Hz = Värme, 2-4 kHz = Tydlighet/Attityd, 10-15 kHz = Luft Komprimera: Medium eller snabb attack, snabb release. Rocksång Skär bort: 200-300 Hz = Lowcut. Lägg till: 1,5-40 kHz = Tydlighet/Attityd, 8 kHz = Aggressiv topp Komprimera: Medium eller snabb attack, snabb release. Komprimera mycket. Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Eller om du hellre föredrar att diskutera om mixning i avdelningen "Mixning och mastring" på Studios forum här! Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du samtliga fredagstips. -
FREDAGSTIPSET: Detta kan mycket väl vara det viktigaste Fredagstipset jag någonsin skrivit, men kanske också det mest enkla och självklara. Och med risk för att låta aningen högtravande så vill jag påstå att detta är grunden varpå all min kunskap vilar. Låt mig utveckla… Mixning i sin allra renaste form är egentligen mycket enkelt och kan ses som en cirkelkomposition i fyra steg: Lyssna på det inspelade materialet Identifiera vad du vill göra Lös problemet Börja om Nu är verkligheten kanske inte alltid riktigt så enkel. Varför? Helt enkelt för att du inte jobbar på detta sätt. Istället arbetar du efter invanda mönster. Du lägger alltid ett högpassfilter på sång, gitarr och synthar, för att du alltid gjort så (och hört att det är bra). Gång på gång komprimerar du basen likadant och så vidare. Visst kan detta få saker att låta bättre, men absolut inte per automatik. Varje låt och varje inspelning är unik och att mixa efter recept blir sällan bra, även om det i början kan hjälpa. Jag upprepar likt en gammal skivspelare på repeat: Lyssna, lyssna och åter lyssna. Det ligger i människans natur att vilja förändra. Vi vill känna oss kreativa, genom att exempelvis slänga på en plugg, eller två eller tre… Detta gör oss lata, eftersom vi älskar genvägar. Vi stänger av öronen och slutar att lyssna. Men mixning handlar inte alltid om att göra ”rätt” beslut, vad det nu egentligen innebär, utan lika mycket om att inte göra ”fel”. Du måste därför alltid ställa dig själv frågan innan du slänger på nästa effekt eller rattar på equalizern: Varför gör jag detta? Men lika mycket som det handlar om att lyssna, så handlar det också om erfarenhet. Eller som Dave Pensado sa “I can teach somebody how to get a great snare sound. I can’t teach somebody what a great snare sound is”. Vad han menar med detta är att du själv måste förstå vad du håller på med och utveckla det som i folkmun kallas för ”god smak”. Det underlättar absolut att veta hur du får till ett visst sound, men likväl måste du veta när det passar att användas. Tricket är att… Just det, du har redan listat ut det: Lyssna, lyssna och åter lyssna. Och då talar jag inte om dina egna mixar, utan annan musik, inom alla genrer, genom alla tider. Det är först när du förstår vad du vill ha och varför, som du faktiskt har nytta av tekniken. Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Eller om du hellre föredrar att diskutera om mixning i avdelningen "Mixning och mastring" på Studios forum här! Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du samtliga fredagstips. -
FREDAGSTIPSET: Samplingar… Bara ordet avskräcker säkert många. Kanske tänker du på billiga Casio-synthar från 80-talet? Eller varför 90-talets iöronfallande hip hop som spred sig över världen likt en löpeld? Oavsett vilka dina preferenser är så står en sak klar, samplingarna kom för att stanna. Casio SK-1 från 1985 må se ut som en leksak, men faktum är att den använts av artister som Fatboy Slim, Beck, Autechre, Portishead, Bloodhound Gang, Nine Inch Nails, Incubus och Blur. I sin allra renaste form är en sampling en digital ljudinspelning som spelas upp igen och återanvänds. Det kan röra sig om trumloopar, en fyra takters gitarrslinga eller ett sångparti. Fenomenet utvecklades dock redan under 60-talet, genom att man då manipulerade rullband eller vinylspelare. Idag ska jag dock tipsa om hur du kan krydda ditt redan inspelade material, ditt befintliga samlingsbibliotek eller dina trötta midi-instrument. Föreställ dig att du har en baskagge som låter ”ok” men inte mer. Genast sträcker du dig efter equalizer, en kompressor, en transient designer eller något annat för att rätta till problemet. Detta är naturligtvis inte fel, men det finns en annan väg att gå. Nämligen att använda samplingar. Men samplingar som du själv skapar! Det kan till exempel vara ljudet av en PET-flaska, en soffa, en cykelkedja, eller varför inte dunsen av en basketboll i en tom gymnastiksal? Ta sedan något av dessa ljud och se vad som händer om du blandar dem med originalljudet. Kontentan är att mixa samplingar med befintliga ljud, för att ge dem en ny unik dimension som i sin tur gör just ditt sound mer personligt. Och det bästa av allt? Du behöver inget speciellt program eller avancerad utrustning för att lyckas, bara viljan och gnutta fantasi. Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Eller om du hellre föredrar att diskutera om mixning i avdelningen "Mixning och mastring" på Studios forum här! Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du samtliga fredagstips. -
FREDAGSTIPSET: I takt med att våren gör sitt intåg är det dags att blomma ut i studion och sätta lite färg på tillvaron. Och vad bättre än lite nya digitala ljudförvrängare eller varför inte en ny spännande hårdvara? Samtliga pluggar fungerar till både PC och Mac. Sknote DolA Det klassiska "hemliga tricket" för att öppna upp och få enskilda instrument eller hela mixar att andas och kännas mer levande. Ett perfekt sällskap i grått och trist aprilväder. Pris 360 kr. Airwindows TubeDesk Kush Audio Omega 458A Lite skit under naglarna har aldrig skadat och speciellt inte när det låter så här bra. Med Omega 458A tuffar du till de mest trötta av instrument och mixar. Pris: 260 kr. Sly-Fi Kaya När inget annat fungerar så sträcker du dig efter Kaya. En sannerligen unik plugin med fet botten och sumpig distortion. Otroligt analog känsla. Pris: 710 kr. Waves Abbey Road Vinyl Emulering av Abbey Roads specialbyggda vinylgraverare. Mängder av inställningar för att få mixen att låta som förr. Pris: 2 200 kr. Blackrooser VHL-3C Avskalad variant av välkända Pultec EQP-1A. En välkommen räddare i nöden med perfekt vintagekänsla. Pris: Gratis. XLN Audio RC-20 Retro Color En sandlåda med oändliga ljudmöjligheter. Allt från försiktig distortion till spritt språngande galna effekter som garanterat livar upp stämningen. Studio har testat produkten här. Pris 765 kr. Audiothing Outer Space En trogen emulering av det omåttligt populära delayet från 70-talet. Som grädde på moset erbjuds tre olika lägen: Original, Modern, Old. Pris 470 kr. Zulu Avslutningsvis ett hårt dual mono/stereo-paket från Handsome Audio: Världens första passiva och analoga rullbandssimulator, inspirerad av Ampex 456. Pris: 6 700 kr. Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Eller om du hellre föredrar att diskutera om mixning i avdelningen "Mixning och mastring" på Studios forum här! Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du samtliga fredagstips. -
FREDAGSTIPSET: Reverb… Denna fantastiska effekt som det skrivits avhandlingar om och som, då det används rätt, placerar lyssnaren i tre dimensioner och ger musiken liv och rörelse. Men reverb är också en riktig problemskapare, speciellt när det missbrukas. Grötiga mixar, mixar som låter amatörmässiga eller varför inte mixar som saknar fokus, kan alla vara resultat av reverb som inte utnyttjats på rätt sätt. Med anledning av detta viger jag därför dagens tips till hur du kan jobba smartare med rumsklanger. Spara på krutet Det kanske vanligaste problemet är att använda för mycket reverb. Det är naturligtvis frestande att lägga reverb på allt, men för att något ska låta blött, så måste något annat vara torrt. Det handlar helt enkelt om kontraster, precis som när du jobbar med equalizern och olika instrument. Om du vill ha ett stort sound så räcker det många gånger med att bara två eller tre element i mixen har ett lite längre reverb. Detta ger ofta mer än tillräckligt med djup, samtidigt som det inte låter kyrka (om det nu inte är det du är ute efter). Det slitna uttrycket ”mer är mindre” är väl värt att påminna sig om här. Botten och toppen Reverb mår bäst i mellanregistret, där våra öron är som mest känsliga. Det är därför (nästan) alltid en god idé att skära bort både botten och toppen. Jag brukar lägga en equalizer före varje reverb och skära vid 300 Hz respektive 6000 Hz. Vad detta gör, förutom att lämna plats i basen och den väsande diskanten, är att lyfta fram reverbet där det är som mest tydligt och gör nytta. Om du upplever att dina reverb låter ”kalla” kan du sänka lite runt 2000 Hz, -3dB brukar räcka. Kort är också vått Du har säkert hört uttrycket ”placera instrumentet i ett rum” - Men vad är det egentligen som menas? Kort och gott handlar det om att trolla fram illusionen av att den som spelar faktiskt befinner sig i ett rum i tre dimensioner och inte två. Ett rum med djup. Låt mig utveckla: När du spelar in exempelvis sång, gitarr, eller vad det nu må vara, så använder du i regel bara en mikrofon per instrument och spelar då alltså in i mono. Detta kan liknas vid att du ritar på ett papper i två dimensioner, det är helt enkelt platt. Detta behöver inte alls vara något dåligt och ibland är det precis denna torra effekt du vill åt. Men om du slänger på ett kortare reverb, under bit under 1 sekund, så får du genast känslan av att instrumentet är inspelad med fler mikrofoner, utplacerade på olika ställen i rummet - Du hör i tre dimensioner. Men precis som med långa reverb är det viktigt att inte gå till överdrift. Jag brukar tänka som så att rumsreverbets uppgift är att fylla ut ”tomrummet”. Det vill säga den korta svans som uppstår där det annars vore helt tyst. Pre-delay är viktigt Pre-day är tiden det tar för att reverbet att höras. Ju längre pre-delay, ju längre tid är grundljudet obehandlat innan själva reverbet hörs, en liten försening så att säga. Detta kan vi utnyttja till vår fördel om vi tillexempel vill ha ett stort reverb på leadsången, men samtidigt få den att kännas långt fram. Detta eftersom vår hjärna med hjälp av pre-delay då separerar de två ljuden från varandra, istället för att sammansmälta dessa. Testa att experimentera med pre-delay på mellan 50 och 80ms. Delay Reverb är inte alltid det självklara valet för att skapa djup. Fördelen med att istället använda ett delay är att detta tar upp betydligt mindre plats i mixen, samtidigt som själva effekten förblir i stort sätt den samma. Att sträcka sig efter delay när du jobbar med snabbare låtar, där det inte finns mycket utrymme för reverben att klinga ut, är därför en mycket god idé. Jag brukar tänka lite som så att: Långsamma låtar = Långa reverb (om låten kräver det). Snabba låtar = Korta reverb och delay och då gärna så kallade slap-back delay. Bra reverb att spana in TAL-Reverb-2. Gratis Valhalla VintageVerb. 450 kr Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Eller om du hellre föredrar att diskutera om mixning i avdelningen "Mixning och mastring" på Studios forum här! Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du samtliga fredagstips. -
FREDAGSTIPSET: Emellanåt roar jag mig med att botanisera olika musikproduktionssidor, vilket är ett bra sätt för att hålla musikhjärnan och kreativiteten i trim. Dessa tips skriver jag sedan ner för att i sin tur plocka fram när jag kört fast eller bara behöver lite inspiration. Nedan följer mina senaste observationer. Mycket nöje! Använd ett low-cut-filer på basen i verserna och plocka bort detta i refrängen. På så sätt kommer refrängen garanterat att kännas större och fetare. Du kan få monospår att låta som stereo genom att kopiera spåret och panorera det helt till höger respektive vänster. Lägg sedan en kompressor på den ena kanalen och en expander på den andra. Testa att sjunga in leadsången viskande och blanda sedan försiktigt in denna med originalet. Detta ger sången en luftigare karaktär. Om din sång istället behöver lite mer botten kan du testa att kopiera spåret och filtrera bort allt mellanregister och diskant. Lägg sedan på någon form av distorsion och blanda försiktigt in med originalspåret. Använd de-esser på dina reverb. Detta ger ett mjukare, mindre väsande sound. Om du ljusar upp dina reverb i mellanregistret med en equalizer får dina instrument mer närvaro och tydlighet. Blanda in lite stadsljud, eller varför inte ljudet från ett pulserande tåg, i dina trumloopar för att de ska kännas mer levande och mindre statiska. När inspirationen tryter kan du plocka fram valfri loop och spela in och improvisera runt denna. Plocka sedan bort loopen. Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Eller om du hellre föredrar att diskutera om mixning i avdelningen "Mixning och mastring" på Studios forum här! Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du samtliga fredagstips. -
FREDAGSTIPSET: Sommaren har äntligen gjort sitt intåg och vad bättre än att dra ner rullgardinerna och stänga in sig ett svettigt studiorum utan luftkonditionering? Det har dykt upp en del helt klart intressanta pluggar under 2017. Men istället för att slita hår i hopp om att hitta de bästa, så har jag samanställt en lista på de tio vassaste digitala kreationerna hittils, med fokus på mixning och mastring. Vissa av pluggarna är gratis, medan andra kostar mer än vad jag egentligen anser rimligt. Hur som helst, valet är ditt. Samtliga fungerar till både PC och Mac. GOLD – Acustica Audio Senaste tillskottet från analogljudsmästarna Acustica Audio. Fyra equalizers, två extremt ovanliga kompressorer samt sju preamps, med ett sound som bland annat för tankarna till Neve, API, och Rupert Neve. Pris: 1 400 kr Seventh Heaven – LiquidSonics De 30 mest populära reverben från legendariska Bricasti M7 samlade i ett smidigt och lättrattat paket. Kräver iLok 2 eller 3. Pris: 430 kr IronOxide5 – Airwindows Extremt färgad rullbandsemulator med en rejäl dos old-school-feeling. Lättrattad och fantastiskt välljudande i sann Airwindowsanda. Pris: Gratis. Lindell 354E – Lindell Audio Multibands- och mjukvaruversionen av dyrgripen Neve 2254E är inget för dig med rattfobi. Den är dock ett ypperligt val för att komprimera lite tuffare trummor, elgitarr eller rocksång. Pris: 1 740 kr Blackface SC-5 – Black Rooster Audio En mångsidig VCA-kompressor av klassiskt snitt som fungerar lika bra på mastern som på aggressiva trummor. Lämpar sig extra bra för stereospår. Pris: 430 kr Gatey Watey – Boz Digital Labs En nyskapande gate som låter dig styra vilka frekvenser som ska dämpas när tröskelvärdet överskrids. Detta resulterar i mer naturligt sound och läckage trollas bort på ett nästan magiskt sätt. Pris: 90 kr Tapedesk – Overloud Kombinerar tre eftertraktade mixerbord och två populära rullbandspelare. Ett perfekt verktyg för dig som vill sätta lite extra färg på mastern eller på gruppkanalerna. Pris: 1 740 kr D16 – Tekturon Ett kreativt och annorlunda delay för dig som gillar att experimentera och är van att jobba med sequencers. Fungerar dessutom ypperligt att styra med en midi-controller. Pris: 670 kr MAX1 – Beatskillz Den intelligenta kompressorn som sköter grovjobbet åt dig. Ett utmärkt val för dig som är osäker på kompression och limitering, eller bara tycker att det är allmänt tråkigt. Få inställningar och mycket ljud. Pris: Gratis Endless Smile – Dada Life Skaparna bakom hyllande Sausage Fattener är tillbaka med en ny plugg. Exakt vad den gör förklaras bäst med en video. Pris: 340 kr Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Eller om du hellre föredrar att diskutera om mixning i avdelningen "Mixning och mastring" på Studios forum här! Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du samtliga fredagstips. -
FREDAGSTIPSET: Regnet öser ner och det mesta känns allmänt grått och trist. Jag gräver djupt i skafferiet i hopp om att hitta något att lysa upp tillvaron med och finner till min glädje en hel del gamla bortglömda pluggar. Dagens inlägg får därför två syften. Dels vill jag lyfta fram vikten av att du inte behöver det senaste för att skapa bra musik. Men samtidigt också betona att det är lätt att glömma bort gamla favoriter och trotjänare. Det kanske till och med är så att gamla pluggar är vår tids nya vintage? Nåväl, här kommer mina nuvarande bortglömda favoriter. Vissa är gratis, medan andra kostar en liten eller större slant: Boz-n Digital Labs – Bark of Dog Gratispluggen som på ett väldigt effektivt sätt lyfter fram botten utan att gröta. Perfekt på bas och baskagge. BootEQ mkII Gratis och fortfarande en av de mest välljudande equalizerna till PC. Fungerar till både mix och master. Sknote – Cuttertone Supereffektiv plugg för att råda bot på väsande frekvenser och centrera botten. Mångsidig men samtidigt lättrattad. Noisebud – Smile 3 En nytänkande equalizer som förhoppningsvis får dig att dra på smilbanden. En alternativ mastringsplugg. Plugin Alliance – Noveltech Character Klassiskern som är perfekt för att lyfta fram karaktären på olika instrument. Ett utmärkt val på trummor, bas och sång. Toneboosters – ReelBus 4 Rullbandsemulator med eget sound som tveklöst utmanar de allra största. Processorsnål och välljudande. Tone Projects – Sonitex STX-1260 Pluggen som gör allt och lite till för att skita ner dina inspelningar. Endast PC. Stillwell Audio – The Rocket Fortfarande min favoritkompressor på trummor, oslagbar parallellkomprimering. Kush – UBK-1 Kompressor med skit under naglarna som får musiken att andas och röra på sig. Analog känsla "på riktigt". Voxengo – Span Egentligen det enda analysverktyget du behöver och dessutom helt gratis. Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Eller om du hellre föredrar att diskutera om mixning i avdelningen "Mixning och mastring" på Studios forum här! Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du samtliga fredagstips. -
FREDAGSTIPSET: Äntligen är Fredagstipset tillbaka efter ett längre sommaruppehåll. Och vad bättre än att välkomna den annalkande hösten med ett par riktigt uttjatade studiouttryck och vad som egentligen menas med dessa? 1. Det hänger inte på prylarna Handlar om att det är din erfarenhet och konstnärliga känsla som spelar roll och inte vilken utrustning du sitter på. Därmed inte sagt att du kan komma undan med vad som helst, bara för att du råkar vara begåvad. Fin, eller rättare sagt ”rätt” utrustning kan absolut underlätta. 2. Mindre är mer Eller ”Less is more” som det vanligen heter i folkmun, syftar på att inte överarbeta produktionen eller mixen. Vi lever i en tid där nästan allt är möjligt och det är precis just av denna anledning som det är extra viktigt att tänka ”bort” istället för att ”lägga till”. Fundera alltid över vad som är musikens hjärta och plocka bort det överflödiga runt omkring. Detta är (en) konst, på riktigt. 3. Mixa inte med ögonen Innebär kort och gott att du ska lyssna mer och titta mindre (på skärmen, eller mixerbordet om du nu har ett sådant). Fina gränssnitt och dansande mätare i all ära, men vem bryr sig om sådant när slutprodukten är klar? Det enda som spelar någon som helst roll är hur det faktiskt låter. Visst kommer det stunder då du inte kan lita på dina öron och då kan det visuella vara till hjälp. Men grundregeln är att lyssna först och titta sen, även om detta ofta är lättare sagt än gjort. 4. Våga vara kreativ Eller ”bryt reglerna”, handlar om att jobba bort invanda mönster och att inte blint lita på allt som skrivs eller sägs (som exempelvis detta inlägg). Men uttrycket uppmanar också till att testa nya grepp och att kasta sig ut i det okända. Vad skulle exempelvis hända om du la på en distad telefonröst på leadsången i den vackra oskyldiga visan? Ja, du förtår poägen. Detta är också genvägen till att skapa något unikt. 5. Lär dig att lyssna Går hand i hand med att inte mixa med ögonen. Men det är minst lika viktigt att öva upp örat till att förstå vad det är du faktiskt hör. Vad är viktigt och vad är mindre viktigt att fokusera på? Bara för att du har lärt dig hur en baskagge ”ska låta” i en metallåt, så betyder detta inte per automatik att du kan mixa metal. Du måste ha en större förståelse för musiken du jobbar med, du måste lära dig att lyssna rätt. Vad är det gemene hen vill höra? Det är din uppgift att överträffa och i viss mån även manipulera lyssnarens förväntningar. Och för att göra detta måste du förstå vad lyssnaren vill ha, men du måste också förstå vad du ska lyssna efter. 6. Fokusera på helheten Till skillnad från Sveriges mästerkock så är det inte detaljerna som avgör alla gånger, utan helhetsintrycket och känslan du får när du hör en låt för första gången. Det spelar alltså ingen roll hur baskaggen låter om inte musiken får dig att stampa takten. När du sitter med ett stort projekt så är det orimligt att alla spår får lika stort fokus, detta är självklart. Men samtidigt är det lätt att snöa in på detaljer. Detta är livsfarligt av den enkla anledningen att du lätt tappar fokus och glömmer bort vad du egentligen höll på med från början, som att tillexempel skapa ett mästerverk. 7. Det var bättre förr Kan naturligtvis anspela på många saker, men i grund och botten handlar det egentligen inte om att det faktiskt var bättre förr, utan snarare om att vi i dag får allt serverat. Hela världen ligger framför våra fötter (för att använda ett slitet uttryck), men att vi är dåliga på att förvalta detta. När möjligheterna är begränsade (som förr) så tvingas du tänka till, du tvingas att komma med kreativa lösningar och du tvingas att fokusera på helheten, hjärtat och kärnan i musiken. Då kan det faktiskt bli riktigt bra! Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Eller om du hellre föredrar att diskutera om mixning i avdelningen "Mixning och mastring" på Studios forum här! Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du samtliga fredagstips. -
FREDAGSTIPSET: Dagens tio tips tillägnar jag dig som precis tagit, eller är påväg att ta, dina första staplande steg in i musikproduktionens smått förbryllande värld. Men likväl är detta en påminnelse till oss som kämpat på ett tag och som stundom trampar runt i samma gamla hjulspår. Mig själv inräknad. Innan vi sätter igång vill jag understryka att detta inte handlar om regelrätta tips i bemärkelsen ”skruva så här, så låter det så här”. Se istället dessa välmenande punkter som en knuff i rätt riktning mot bättre mixar. Då kör vi! 1. Mixning, i sin allra renaste form, handlar om att hitta balansen mellan olika instrument och få dessa att sammarbeta som en helhet. Visst är EQ och kompressor viktigt, för att inte säga nödvändigt. Men de absolut viktigaste verktygen är volymen och dina egna öron. 2. Lär dig att jobba med det du har. De medföljande pluggarna i ditt DAW (inspelningsprogram) räcker garanterat mer än väl. Det är lockande att skaffa det allra senaste, men faktum är att detta snarare stjälper mer än hjälper, speciellt när du håller på att lära dig grunderna. 3. Bra lyssning är A och O, men det behöver absolut inte vara det dyraste. Ett par studiomonitorer (alternativt hörlurar) som du känner att du kan lita på och en studiomiljö som du känner dig bekväm att arbeta i, är däremot båda förutsättningar för ett gott resultat. 4. Lyssna på musik du gillar (och ogillar) och analysera denna minutiöst. Lär dig att lyssna kritiskt, både på din egen och andras musik. Jämför och referenslyssna. Vad får refrängen att lyfta? Vilka effekter ligger på leadsången? Varför låter gitarren som den gör? Vilken känsla ger mixen dig och varför? I förlängningen kommer detta ge dig en större förståelse för musikproduktion i allmänhet och dessutom effektivisera ditt eget mixande. 5. Ju mer du mixar, ju bättre blir du. Öva, öva och åter öva. Gör om, gör rätt. Om du misslyckas hundra gånger, vilket du kommer att göra, så har du ändå lärt dig något värdefullt, glöm aldrig det. Men… 6. Om du kör fast, börja hellre om från början, istället för att skruva på samma mix i evigheter. Du spar garanterat tid och slipper bli galen på kuppen. 7. Lita på din egen smak och omdöme. Det är detta som gör just dig unik. 8. Soloknappen är din värsta fiende. Ingen bryr sig om hur bra ett instrument låter ensamt, det är helheten som räknas (se punkt 1). 9. Det spelar ingen roll vilket DAW du använder. Alla låter lika bra, eller dåligt, beroende på vem som sköter spakarna. 10. Du kommer aldrig bli 100% nöjd, oavsett hur mycket erfarenhet du har. Vänj dig vid tanken och gå vidare. Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Eller om du hellre föredrar att diskutera om mixning i avdelningen "Mixning och mastring" på Studios forum här! Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du samtliga fredagstips. -
mixning Fyra påståenden som hjälper dig till bättre produktioner
Jon Rinneby posted en artikel in Tips
FREDAGSTIPSET: Dagen till ära slänger jag ur mig fyra påståenden som egentligen är lika självklara som nödvändiga för alla som spelar in och producerar musik. Tanken med dessa tips är inte att du ska följa dem slaviskt, utan snarare se dem som små lyktor i höstmörkret, med förhoppningen att guida dig ett steg närmare välljud och musikaliskt välbehag: 1. Spela in som om mixning inte fanns och mixa som att du inte behöver mastra. Det vill säga: Gör ditt absolut bästa i alla led och slarva inte. Med detta sagt är det av yttersta vikt att alltid ha en tydlig bild av vad det är du vill åstadkomma. Detta är A och O. Hur du sedan når dit spelar egentligen mindre roll. 2. Fokusera på vad du har, istället för på vad du inte har. Du behöver absolut inte ha det bästa och senaste för att nå ett lyckat resultat. Även det allra enklaste av inspelningsprogram erbjuder långt mycket mer än vad som var möjligt för 20 år sedan. Kom dock ihåg att ditt inspelningsprogram egentligen bara är en stor miniräknare. Ju mer du adderar i form av pluggar och andra effekter, ju längre bort från ursprungskällan kommer du. 3. Håll distans till din mix. Jobba i korta och effektiva perioder för att behålla ett objektivt perspektiv till din musik. Som grädde på moset slipper du dessutom bli trött i öronen. Läs gärna på om Pomodorotekniken. 4. Följ med i utvecklingen. Trender kommer och trender går, så även i musikens värld. Tekniken har förändrat hur vi lyssnar på musik, likväl som den förändrat sättet vi mixar och mastrar på. Se alltid till att vara öppensinnad, speciellt när du jobbar med nya genrer. Detta kommer garanterat att gynna din utveckling. Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Eller om du hellre föredrar att diskutera om mixning i avdelningen "Mixning och mastring" på Studios forum här! Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du samtliga fredagstips. -
FREDAGSTIPSET: I tidigare tipset Olika sorters reverb – del 1/2 skrev jag om Room, Hall och Plate och hur du kan tänka kring användandet av dessa. Idag kryddar jag fredagsmyset med ytterligare tre reverb, som kanske inte används riktigt lika frekvent, men som ändå har sin plats i musikhistorien och framförallt den moderna studion. Ambiance I realiteten är detta varken ett Room, Hall eller Plate, utan istället en digital algoritm. Ett ambiance-reverb är något helt eget. Det handlar alltså om ett slags oklart utrymme runt omkring någonting, hur konstigt detta än må låta. Vanligtvis likställs ambience med ett mycket kort reverb, vilket vid en första anblick kan verka lite tråkigt. Men faktum är att denna effekt är utmärkt för att skapa illusionen av djup. Perfekt på sång eller andra instrument, som ska låta torra, men ändå ge en tredimensionell upplevelse, till skillnad från Room som har mer karaktär. Chamber Denna reverbtyp har som uppgift att efterlikna ett utrymme med stor klang, inte helt olikt den vi känner igen från Hall. Skillnaden är dock att Chamber ger känslan av att vara mindre än konsertsalen, därav ordet kammare. Resultatet ger mer definition än Hall och är alltså inte lika ”smetigt”. Bland andra Beatles var flitiga användare av kammare på Abbey Road, där de specialbyggt rum i källaren för bland annat sång och stråk. Grovt generaliserat skulle man kunna säga att Chamber ger ett varmare och träigare intryck än Hall, som kan låta lite kyligare. Spring Eller fjäderreverb som det också kallas, hittar vi vanligtvis i gamla gitarrförstärkare, som exempelvis Fender Twin, och är inte helt olikt plåtereverbet. Soundet är karaktäristiskt studsande och det var inte ovanligt att producenter från förr plockade isär gamla förstärkare för att bygga nya reverb av dessa, enbart för mixning. Fjäderreverb fungerar ypperligt på sång, gitarr och blåsinstrument. Med detta sagt vill jag naturligtvis även rekommendera ett par bra mjukvarreverb: Valhalla Room, Plate och VintageVerb Softube Spring Reverb och TSAR-1 Native Instruments Reverb Classics Lexicon PCM Native Reverb Bundle TAL Reverb-II (Gratis) Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Eller om du hellre föredrar att diskutera om mixning i avdelningen "Mixning och mastring" på Studios forum här! Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du samtliga fredagstips. -
FREDAGSTIPSET: 2017 kommer förmodligen gå till historien som året då flest rullbandspluggar släpptes. Och som om inte detta vore nog är samtliga riktigt trevliga bekantskaper, var och en på sitt sätt. Men innan vi tittar närmare på vilka kreationer som släppts så vi såklart ställa oss frågan: Varför rullband? För inte allt för länge sedan spelades i stort sett all musik in genom analoga mixerbord med preamps, equalizers och kompressorer, för att slutligen hamna på rullband. Detta resulterade i att ursprungsljudet, den inspelade signalen, förändrades ganska mycket på vägen. Man brukar tala om att övertoner läggs till, det som på engelska kallas för harmonic distortion, men också att ljudet förändrades eftersom vissa frekvenser försvann. Denna "försämring" innebar allt som oftast en liten, och ibland större, sänkning av diskanten. Något som vi människor har en tendens att uppskatta, om det inte går till överdrift såklart. Idag spelas det mesta in digitalt genom ljudkort med rena preamps och mycket lite händer mellan ljud in och ljud ut. Vi spelar alltså in betydligt "mindre ljudförstörande" idag och mer troget ursprungsljudet, än förr. Detta innebär i praktiken att ju fler kanaler du spelar in, ju mer högfrekvent innehåll fylls på. Även om det inte hörs när du lyssnar på enstaka kanaler, så kan verkligheten vara en annan när 30-40 kanaler läggs ihop och en mix kan då lätt framstå som diskant, steril och kall utan att du kanske förstår varför. Det är av just denna anledningen som analoga pluggar blivit så populära, däribland rullbandspluggar. Då rullar vi! Airwindows ToTape5 Beatskillz REELIGHT Black Rooster Magnetite Hornet Tape Overloud TAPEDESK Softube Tape Voxengo CRTIV Tape Bus För er som undrar så är min personliga favorit just nu Black Rooster Magnetite, gärna i kombination med gamla hederliga Slate VTM. Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Eller om du hellre föredrar att diskutera om mixning i avdelningen "Mixning och mastring" på Studios forum här! Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du samtliga fredagstips. -
mixning 7 tips som hjälper dig att utvecklas i ditt musikskapande
Jon Rinneby posted en artikel in Tips
FREDAGSTIPSET: Det händer oss alla, glada amatörer som professionella. Vi kör fast i vårt skapande, vi trampar runt i samma gamla hjulspår. En känsla av tvivel och allmän hopplöhet infinner sig. Det glädjande beskedet är dock att detta är en naturlig, för att inte säga självklar, del i vårt (livslånga) lärande, så även inom musikproduktion. En förutsättning för att bli riktigt bra på någonting är att känna glädje i det du gör, men också att våga tänka utanför ramarna och inte stirra sig blind på hur saker och ting "bör vara". Med detta som bakgrund vill jag därför lyfta fram några påståeden som förhoppningsvis kan hjälpa dig att komma vidare när osäkerheten knackar på dörren. Jag börjar med det viktigaste. Ta mina tips och råd, och alla andra ”vetares” råd för den delen, med en grov nypa salt. Eller rättare sagt, ta inte allt du läser gällande musikproduktion så bokstavligt. Sug istället åt dig kärnan, det viktigaste (för dig), och bilda dig din egen uppfattning utifrån dina egna förutsättningar. Regler är till för att brytas, eller ännu hellre: Regler är till för att ignoreras. Därmed inte sagt att total mix-anarki ska råda, men faktum kvarstår: Regler, i för stor utsträckning, förminskar friheten i ditt skapande och din utveckling som producent och musiker. Var tålmodig med din utveckling. Du blir bättre utan att du märker det, varje gång du mixar, mastrar eller spelar in. Se till att alltid vara nyfiken och våga testa nya saker. Detta är det absolut snabbaste sättet att utvecklats på. Nyfikenhet är bra för kreativiteten och gör dessutom livet roligare. Din personliga smak är din viktigaste tillgång, inte dina färdigheter. Vilket osökt leder oss in på nästa punkt… Försök att inte lägga fokus på det tekniska allt för mycket och gå istället på känslan. Det är av precis denna anledning som snabb- eller slaskmixen ofta blir bättre än mixen du spenderat en hel arbetsdag på. Sluta tänka, börja känna. Först då kan du mixa och producera musik som verkligen berör lyssnaren. Mixning är inte något du ”lägger till”, utan det du gör för att färdigställa produktionen. Jag har tidigare skrivit att mixning är ett ”nödvändigt ont” och med detta menar jag att mixning är en slags nödlösning. Det är mixarens uppgift att kompensera för allt som försvunnit under själva inspelningen, i form av känsla och magi. Du ska alltså inte lägga till när du mixar, utan plocka fram och förstärka det som gått förlorat. Avslutningsvis vill jag lyfta fram: Variera din lyssning. Det är mycket god idé att ha två par två par studiomonitorer, varav ett par som är så kallade ”skräphögtalare” av typen Auratone mixcube eller Reftone 2LD. När detta inte räcker till plockar du fram dina hörlurar, in-ears, laptop eller mobiltelefonen. Akustiskbehandling är minst lika viktigt som monitorer, om inte viktigare. Dyra och ”korrekta” högtalare i ett dåligt rum gör nästan mer skada än nytta. Läs på om akustikbehandling, eller ta hjälp, och gör vad du kan för att minska störande reflektioner, stående vågor och basförstärkning i studiorummet. Detta är naturligtvis ett kapitel för sig (eller snarare tio), men om du är seriös med ditt skapade så är ett välbehandlat rum A och O. Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Eller om du hellre föredrar att diskutera om mixning i avdelningen "Mixning och mastring" på Studios forum här! Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du samtliga fredagstips. -
FREDAGSTIPSET: Jag är vanligtvis ingen förespråkare av Quick Fix-tips. Ibland kan det däremot vara riktigt skönt, för att inte säga nödvändigt, att ta till en enkel lösning när tiden är knapp eller öronen trötta. Med detta sagt kommer här tre vanliga (mix)problem och hur du snabbt kan komma till rätta med dessa: Hjälp, min mix låter digital och steril Vanligtvis handlar det om att du slängt på för mycket av det goda: Equalizer på alla kanaler, på tok för mycket kompressor, effekter och så vidare. Det låter helt enkelt inte naturligt längre och detta uppfattar våra öron direkt. Eller så har du antagligen skurit bort för mycket värme i området 150-400 Hz, i hopp om att göra mixen tydligare och mer öppen. I förlängningen innebär detta dock att området 2 000-5 000 Hz blir allt för dominant, just där våra öron är som mest känsliga. Det är, som du förstår, en svår balansgång och här är lyssningen verkligen A och O, samt att du referenslyssnar medan du mixar, då dina öron snabbt vänjer sig vid din egen musik och ”hör det du vill höra”. Det är lätt att tänka att något saknas när mixen låter digital, steril och ”amatörmässig”, men faktum är att svaret ofta är precis tvärt om: Du tar i ”för mycket”. Vidare gör du även klokt i att redan under inspelningen fundera över vilka instrument som ska få ta vilken plats gällande bas, mellanregister och diskant i slutproduktionen. Quick Fix 1: Lägg en dynamisk equalizer på masterkanalen och sänk 2-3 dB runt 2000-4000 Hz med ett förhållandecis bredd Q-värde. Quick Fix 2: Lägg en de-esser på alla reverbkanaler. Quick Fix 3: Lek med någon av följande pluggar: Soothe, bx_refinement eller DeEdger. Hjälp, min mix låter grötig och ofokuserad Även här börjar det med själva inspelningen. Om du spelar in grötigt och otydligt så kommer det naturligtvis också att låta exakt så. Val av mikrofon, rum och inte minst instrumentet i sig spelar en avgörande roll för själva mixen. Ett väl inspelat instrument är dessutom betydigt lättare att jobba med i form av equalizer, kompressor och andra effekter. Med detta sagt så är det viktigt att förstå att nästan alla instrument - inklusive sång - har en fundamental frekvens någonstans mellan 250 och 500 Hz. Och det säger ju sig självt att det blir väldigt mycket energi som samlas i just detta område när instrument på instrument läggs på. Och det är precis detta som är själva gröten. För att råda bot på detta plockar du fram valfri equalizer och sveper med ett smalt Q-värde mellan 250-500 Hz på varje kanal tills du hör en otäck resonans, denna sänker du sedan med 3 dB. Och mer än behövs ofta inte. Detta behöver du vanligtvis inte göra på alla kanaler, utan bara på de som du misstänker tar upp för mycket plats just här. Om du börjar dina mixar på detta sätt, det vill säga att du först plockar bort det som stör, så kommer resten falla sig naturligt och du kommer genast märka att du inte behöver massa "extra allt" för att det ska låta bra. Jag vill dock återigen understryka att du ska akta dig för att skära för mycket, det låga mellanregisgtret är extremnt viktigt! Quick Fix 1: Lägg en dynamisk equalizer på masterkanalen och sänk 2-3 dB runt 350 Hz med ett hyfsat bredd Q-värde. Quick Fix 2: Lek med någon av följande pluggar: Soundbrigade, MixCentric eller Clariphonic DSP Hjälp, min mix låter platt och odynamisk Plocka bort kompressor på alla kanaler utom sång och bas (ja även masterkanalen) och undvik onödig distortion. Se även till att inte limitera för hårt. Om det fortfarande låter odynamiskt så är det bara att börja om från början. Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Eller om du hellre föredrar att diskutera om mixning i avdelningen "Mixning och mastring" på Studios forum här! Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du samtliga fredagstips. -
FREDAGSTIPSET: Dagens inlägg blir lite av en personlig favorit i repris, i form av en utmaning i tre enkla steg. Ni som följt mina fredagstips ett tag vet att jag är en stark förespråkare av enkelhet. Min devis är att du absolut inte behöver det senaste eller dyraste för att uppnå välljud. Vare sig det gäller hård- eller mjukvara. Nej, istället finns det andra, och enligt mig bättre, knep för att få till en tilltalande mix. Och det är precis detta utmaningen handlar om: Trappa ner och förenkla. Nästa gång du mixar vill jag att du jobbar efter denna princip och inget annat. Se det gärna som en rolig utmaning, snarare än ett arbetssätt hugget i sten, som du måste följa gång på gång. 1. Snabbmixen Starta ett nytt projekt och se till att alla reglar är på noll och att det inte ligger några effekter på kanalerna. Plocka fram en äggklocka eller timer och ställ den på tio minuter. Mixa sedan låten genom att bara använda volym och panorering. Poängen med detta är att det ska gå väldigt snabbt. Varför? För att du då tvingas gå på känsla och inte hinner analysera och tänka efter så mycket. Du känner av hela låten och snöar inte in på detaljer och lyssnar på låten som om ”någon annan” hade lyssnat. Du lyssnar på helheten. 2. Begränsningen När du är klar med snabbmixen är det dags för lite finjusteringar. Vi ska dock reducera oss till att bara använda en sorts equalizer och kompressor. Vilka spelar inte så stor roll, men välj något du känner dig bekväm med. Tanken med detta arbetssätt är återigen att minska valmöjligheterna, vilket sparar tid och fokus kan läggas på rätt sak, nämligen hur det faktiskt låter. Det blir lite som att jobba med ett mixerbord och, vilket kan vara både utmanade och kul, men också kreativt. 3. Dynamiken När ovanstående bitar är på plats har du förmodligen en mix som låter hyfsat bra. Om inte, neutralisera öronen med valfri musik och börja om från början. En av sakerna som ofta skiljer en amatörmässig mix från en professionell är dynamiken. Det vill säga skillnaden mellan låtens svagaste och starkaste parti. Det är bland annat detta som gör musiken spännande att lyssna på och som skapar liv, rörelse och energi. Här kommer automatiseringen in i bilden. En gitarr mår exempelvis inte bra av att låta lika starkt genom hela låten, det samma gäller även sången, baskaggen osv. Testa att plocka bort lite instrument i verserna för att smalna av ljudbilden och dra samtidigt ner vissa av kanalerna i volym. På så vis kommer refrängen lyfta rejält när du sedan gasar på för fullt igen. Ibland hjälper det också att tänka på mixen som en film, som behöver toppar och dalar för att slutligen nå sitt klimax. Avslutningsvis ska du givetvis krydda med reverb och delay efter bästa förmåga om så önskas. Vilka pluggar hade jag själv använt? Equalizer: Fabfilter Pro-Q 2 Kompressor: Sly-Fi Deflector Reverb: Valhalla VintageVerb Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Eller om du hellre föredrar att diskutera om mixning i avdelningen "Mixning och mastring" på Studios forum här! Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du samtliga fredagstips. -
FREDAGSTIPSET: Tänk om jag berättade att det finns ett enkelt sätt att förbättra dina mixar på. Tänk om jag dessutom berättade att det fungerar med alla inspelningsprogram och att det till råga på allt är gratis. Jag pratar naturligtvis om ”under dubbing” - eller som Ingemar Bergman skulle ha sagt: Tystnad, tagning! Låt mig förklara: Som musikproducenter lever vi i en tid där möjligheterna i stort sätt är oändliga. Vi kan skruva och pilla på våra mixar precis hur mycket som helst. Detta är naturligtvis underbart. Men det leder också till att vi får svårt att ta definitiva beslut, vilket förlängningen leder till att vi sällan blir klara, eller för den delen nöjda. ”Tänk om det blir bättre om jag gör si, eller så, eller si…”. Känner du igen dig? Det är inte ovanligt att en mix idag består av 50-60 kanaler, eller mer, och du ser det som din outtröttliga uppgift att alla bitar faller på plats. Fel... Det är din uppgift att göra vad som är bäst för låten och det är sällan att använda allt som är inspelat. Detta ställer natruligtvis högre krav på själva inspelningen, då mixen genast kan kännas mer naken. Men det förstärker också min tes om att en inspelning ska ta dig 85-90% mot en färdig produktion, resten är bara "ett nödvändigt ont". Nu kan det naturligtvis vara så att du måste använda alla kanaler för att ta låten dit den förtjänar, inte minst om en producent varit inblandad i själva inspelningen. Men jag vågar nästan påstå att detta ändå tillhör ovanligheterna. Det är därför en god idé att faktiskt testa att skala bort diverse utfyllnadskanaler och dubbar nästa gång du mixar, vilket många gånger leder till att musiken blir luftigare, mer dynamisk och levande. För att inte tala om att du sparar på dators resurser och att överblicken blir tydligare. Nu säger jag, av förklarliga skäl, inte att du prompt måste plocka bort alla kryddor från ditt älskade projekt, bara att detta är ett mycket användbart knep för att skapa plats i din mix och hitta tillbaka till låtens ursprungliga kärna. Här kommer även den berömda mute-knappen in i bilden. Jag råder dig helt enkelt att testa att tysta diverse kanaler, under exempelvis verserna, för att se hur låten då ter sig. Kanske blir skillnaden mellan vers och refräng större? Kanske kan du tysta vissa kanaler i versernas första halva, för att sedan bygga på mer i andra delen? Möjligheterna är många, men kontentan är den samma: Låtens dynamik och variation kommer garanterat att förstärkas, vilket (nästan) alltid är bra. Nästa gång mixen känns ofokuserad och grötig, sträck dig då inte genast efter equalizern, utan använd istället mute-knappen. Låt tystnaden och återhållsamheten tala, det hade i alla fall Ingmar Bergman gillat. Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Eller om du hellre föredrar att diskutera om mixning i avdelningen "Mixning och mastring" på Studios forum här! Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du samtliga fredagstips. -
FREDAGSTIPSET: Intresset för mastring har på senare tid visat sig stort bland Studios läsare. Denna smått mytomspunna konstform, som verkar framkalla mer huvudbry än vad jag anser nödvändig. Dagens tips blir därför lite av en uppföljare till mitt fredagstips Mastring och Newtons tredje lag (som jag för övrigt också rekommenderar att du läser) och har som syfte att lyfta fram fenomenet mastring på ett lite annorlunda sätt. Samtidigt vill jag understryka att detta inte är någon guide i vanlig mening, som talar om exakt hur du mastrar. Istället handlar det om att komma in ett visst tänk och inte komplicera saker i onödan. Då kör vi! Lyssna inte för mycket Detta kan naturligtvis låta kontraproduktivt, men låt mig förklara: Om det första du gör är att lyssna igenom hela låten, så vänjer du dig vid soundet. Din uppfattning av musiken blir subjektiv, snarare än objektiv, vilket du absolut inte vill. Du ska inte lyssna efter detaljer när du mastrar (du mixar inte längre), utan på helheten och sedan snabbt bilda dig en uppfattning om vad som eventuellt behöver justeras och gå vidare. Fasta värden Bilden visar visar fasta värden i steg om 0.5 dB och 1 dB. Det är lätt att dra på med för mycket equalizer när du mastrar. Det ”ser” ju rätt ut?! Detta är livsfarligt. Lär dig istället att jobba med fasta värden i steg om 0.5 och 1 dB, eftersom en halv decibel kan göra avsevärd skillnad när du mastrar. Mycket av den hårdvara som är utvecklad för just mastring är byggd på detta sätt. Bättre luta än illa fäkta Bilden visar ett klassiskt tilt-filter där brytpunkten är 200 Hz. Och då talar jag av förklarliga skäl inte om instrumentet luta, utan om begreppet ”Tilt EQ”. När du mastrar vill du (oftast) behålla så mycket av originalljudet som möjligt, den bästa mastringen är ”osynlig” eller transparent. Ett sätt att lösa detta på är att få varje plugg eller hårdvara att bara uträtta det absolut nödvändigaste. Låt säga att låten du mastar har för mycket botten. Istället för att plocka fram första bästa equalizer för att sedan svepa hejvilt och skära både här och där, så kan du istället ”luta” hela frekvensspektrat med en Tilt EQ. Då förflyttas tyngdpunkten på ett naturligare sätt (än att använda flera band) mot en mer diskantrik mix Flera steg Bilden visar en softclipper följt av en limiter. Precis som i mixning är det inom mastring många gånger bättre att processa i flera små försiktiga steg, än att låta en plugg gör allt. Exempelvis kan tre limiters i följd med 1 dB gain reduction vardera ibland låta bättre än endast en med 3 dB. Självklart spelar det roll vilken plugg eller hårdvara du använder, men det kan absolut vara värt ett försök. Själv använder jag exempelvis alltid softclipping innan limitering när jag mastrar, för ett mer transparent resultat. Jämför Det är av yppersta vikt att du jämför den färdiga mastern med originalet, på samma volym. Detta för att se om du faktiskt gjort någon förbättring. Det är lockande att tro att en volymstark master automatiskt också låter bättre, vilket är en klassisk fälla. Våra öron är, som du säkert känner till, utformade på så vis att vi upplever starkare volym som något positivt (till en viss gräns). Bland annat på grund av Fletcher muncher-kurvan, som jag berört i det tidigare tipset Se till att din mix funkar optimalt på alla ljudnivåer Volymen... Är det absolut sista du ska tänka på (och oroa dig för) när du mastrar. Vi lever inte på 90-talet och CD-tiden längre, då allt skulle låta så starkt och pressat som möjligt. Många förknippar mastring med limitering och volym, vilket bara är en mycket liten del av hela processen. Faktum är att felaktig användning av limitern och fokus på volym nästan alltid leder till odynamiska och amatörmässiga mastringar. Sist men inte minst… Förvänta dig inte att mastringen löser dina mixproblem. Ju bättre mixen låter, ju bättre blir också mastern! Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Eller om du hellre föredrar att diskutera om mixning i avdelningen "Mixning och mastring" på Studios forum här! Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du samtliga fredagstips. -
FREDAGSTIPSET: Dagens fredagstips inleds med en enkel fråga: Vad är egentligen en mix? Fundera över detta en stund… Innan jag själv försöker mig på att ge ett någorlunda rättvist svar vill jag att vi backar några steg, närmare bestämt ungefär 40 år. På den tiden var nämligen mixning inte ett separat jobb (som det ofta är idag), utan en naturlig del av själva inspelningen. Det var alltså den som spelade in, ofta ljudteknikern, som också mixade. Att anlita en ”mixare” på den tiden vore näst intill befängt och skulle dessutom kosta på tok för mycket. Jag har tidigare skrivit att 80-90% av soundet sitter i själva inspelningen och musikernas prestation, vilket är/var ännu mer sant om vi blickar bakåt i tiden. Experimentellt Under slutet av 60- och 70-talet blev artisterna allt mer experimentella, vilket också ställde högre krav på den som spelade in och stod för slutproduktionen. Effekter började läggas på i efterhand och blev snart en del av soundet, på ett sätt som tidigare inte existerat. Vad vore exempelvis Cheer utan sin autotuner i Believe eller varför inte vocodern i Daft Punks Instant Crush? - för att nämna några lite modernare exempel. I själva verket finns det idag många genrer som inte skulle existera överhuvudtaget utan mixningen som fenomen. Hela den elektroniska scenen är ett tydligt exempel på detta. För att återgå till ursprungsfrågan om vad en mix egentligen är så handlar det i sin allra renaste form om balans. Balans mellan olika instrument, som tillsammans utgör en helhet. Men mixning handlar också om samspelet mellan olika instrument och om förståelsen att ”allt påverkar allt”. Om du minskar, eller ökar ett frekvensområde på en viss kanal, påverkar detta inte enbart just den kanalen, utan även hela mixen. Ju mer du rattar, ju längre från ursprungsljudet kommer du. Detta kan naturligtvis vara önskvärt i vissa sammanhang, eller också inte. Begränsningen Är det något jag lärt mig under alla år som musikproducent (eller vad jag nu ska kalla mig) så är det att begränsa mig. Vi lever, som vi alla vet i, en tid där möjligheterna i stort sätt är oändliga. Du kan skruva och ratta i stort sätt hur mycket som helst när du mixar. Detta leder inte bara till att vi får svårt att färdigställa våra mästerverk, vilket i sig naturligtvis är problematiskt. Nej, i förlängningen innebär detta något långt mycket värre: Vi glömmer bort att lyssna. Med så många effekter och justeringsmöjligheter till hands tröttar vi snabbt ut öronen och likt robotar jobbar vi snart på rutin, utan att vi ens märker det. Vi testar både det enda, det andra och det tredje, eller så skruvar vi på så som vi alltid gjort. Nu låter det kanske som att jag målar upp ett skräckscenario, vilket inte alls är min mening. Men jag är ändå ganska säker på att vi alla då och då skulle må bra av att ta ett steg tillbaka och bara lyssna och fundera över vad vi faktiskt håller på med. Utmaningen Därför föreslår jag en utmaning nästa gång det är dags för mix. Jag vill att du begränsar dig till det allra mest fundamentala: Volym Panorering Equalizer, men endast low-cut och high-cut! Dessa tre ska tillsammans utgöra grunden för hela soundet, varken mer eller mindre. Vi ska dock göra det lite enklare för oss genom att tillåta valfri equalizer och kompressor, som du får ratta på precis hur du vill, på varje gruppkanal och på mastern. Men de individuella kanalerna får endast vara berörda av ovannämnda tre. Att endast använda low-cut och high-cut på varje kanal är en utmaning, men också en nyttig sådan. Slutligen är det fritt fram att krydda med reverb och delay efter tyckte och smak. Detta arbetssätt kan säkert kännas onödigt enkelt, för att inte säga snävt. Och visst, det kan jag hålla med om. Men du kommer i alla fall inte glömma bort att lyssna! Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Eller om du hellre föredrar att diskutera om mixning i avdelningen "Mixning och mastring" på Studios forum här! Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du samtliga fredagstips. -
FREDAGSTIPSET: Fredagen den 13 är årets minst otursdrabbade dag och vad bättre än att fira detta med tre små knep som förhoppningsvis kan ge dina mixar lite mer djup, bredd och bättre separation? Mixa i mono Ett gammalt och beprövat knep, som faktiskt fungerar. Om du mixar i mono får du ofta bättre separation i stereo, eftersom du då tvingas jobba med equalizer, kompressor, reverb och delay, utan fördelen att kunna panorera för att skapa plats. Först när bitarna fallit på plats är det dags för panorering och vips har du (förhoppningsvis) skapat en mix med mer tydlighet, bredd och separation. Gör dock inte misstaget att tro att din mix ska låta ”bra” i mono, detta är bara ett arbetssätt. The Red Hot Chili Peppers Californication mixades nästan uteslutande i mono. En hyfsat välljudande platta för övrigt, eller hur? Läs gärna fredagstipset Testa att mixa i mono! Fega inte med panoreringen Med detta sagt är det allt för vanligt med subtil planering, speciellt bland studiorävar som gärna mixar i hörlurar, vilket ofta leder till en ganska platt ljudupplevelse. Visst kan en för bred mix lätt tappa fokus, men här gäller det att planerna. Placera ut dina instrument på ett sådant sätt att de fyller ut hela stereobilden från höger till vänster, speciellt i refrängerna om dessa ska låta breda. Att panorera vissa instrument (som exempelvis gitarrer eller överhäng) 100% höger respektive vänster är inte alls ovanligt. Det är dock av yppersta vikt att det inte tippar över på någon sida. Baskagge, bas, virvel och sång ska i 99 fall av 100 ligga centrerade i mitten. Jag brukar tänka som så att: ju mer basrikt och fundamentalt innehåll, ju närmare mitten ska detta också ligga. Läs gärna på om LCR panning (vänster-mitten-höger-panorering) vilket är minst lika älskat som hatat. Lika olika Många mixar genom att panorera instrument med liknande karaktär (exempelvis två akustiska gitarrer) till höger respektive vänster, i hopp om att skapa mer bredd. Ett knep som faktiskt många gånger fungerar och dessutom hjälper till att skapa en känsla av enighet. Med detta sagt kan det ändå vara en idé att få dessa instrument att dra nytta av varandra än mer genom kompletterande eq-justeringar. Exempelvis, om du boostar 5000 Hz på den ena gitarren, så kan du sänka 5000 Hz på den andra, vilket ger två uppenbara fördelar: dels frigörs frekvenser, vilket skapar bättre separation i mixen, eftersom de båda gitarrerna inte längre bråkar (lika mycket) om samma utrymme. Vidare förbättras stereobilden, eftersom skillnaden mellan höger och vänster nu blir tydligare = mindre grötigt/stökigt. Att jobba kompletterande med equalizer och panorering på detta sätt är ett av de absolut bästa och mest avgörande knepen för att få till en bredare och luftigare mix. För att sammanfatta: Om vänster och höger kanal låter för lika, uppfattas mixen som mindre bred. Det är därför även en god idé att sprida ut instrument med olika karaktär över hela stereofältet och inte bara förlita sig på equalizer och panorering. Givetvis kan (och bör) du även jobba med olika sorters reverb och delay för att skapa än mer djup. Men detta är ett kapitel för sig. Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Eller om du hellre föredrar att diskutera om mixning i avdelningen "Mixning och mastring" på Studios forum här! Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du samtliga fredagstips. -
FREDAGSTIPSET: Jag minns när jag var blott en tonåring och mixade ett av mina första alster. Utan några som helst förkunskaper kastade jag mig in i projektet och började ratta. När jag nu lyssnar på resultatet 23 år senare slås jag av att det faktiskt låter ganska bra. Hur kommer detta sig? Svaret är naturligtvis mångbottnat, men i grunden handlar det om att jag då lyssnade mer än jag tittade. Jag visste inte riktigt vad jag höll på med och tvingades därför att använda mina öron istället för mina ögon. Med anledning av detta går vi därför idag till botten med det mest fundamentala, nämligen equalizern och sju vanliga problem vi förmodligen alla stöter på då och då. Se men inte höra Eller som Chris från Airwindows säger ”In mix, no-one can hear your screen”. Vad detta i praktiken innebär att du inte ska lita på hur exempelvis equalizerinställningarna ser ut, utan på hur det faktiskt låter. Att skruva ljud har ingenting med hur det ser ut att göra. I dagens digitaliserade värld är det oerhört lätt att bli distraherad, vilket är viktigt att vara medveten om. Du blir attackerad från alla håll och kanter med tjusiga gränssnitt och dansande mätare. Det visuella kan (och kommer) att lura dig gång på gång, vare sig du vill eller inte. Ett användbart knep som dock kan underlätta i sammanhanget är att du rattar precis som vanligt, för att sedan klicka av och på bypass-knappen samtidigt som du blundar. Låter det verkligen bättre? Eller ser det kanske bara bättre ut? Med detta sagt finns det naturligtvis även fördelar med det visuella. Speciellt om du vill råda bot på hög- eller lågfrekvent material som du annars inte skulle höra, men som äter upp onödig energi. Bara för att Med detta sagt behöver inte alla kanaler equalizer. Du behöver inte ratta på samtliga kanaler ”bara för att du kan”. Equalizern behövs bara om du vill förändra ljudet, inte annars. Men… Alla spår kan väl alltid låta lite bättre, kanske du tänker? Nja, detta är en sanning med modifikation. Fråga dig då hellre: Måste den här kanalen verkligen justeras? Ibland räcker det gott med att bara sänka eller höja volymen. Kom ihåg att 80-90% av en mix bara är volym och panorering, resten är grädde på moset. Filter hit och filter dit Du är långt ifrån ensam om att lägga högpass-filter på samtliga kanaler, eller low-cut/ high-pass som det också smått förvirrande kallas. Detta är en god tanke eftersom mycket energi samlas i botten och mixen lätt låter otydlig och ofokuserad av för mycket sub/bas. Men det finns en fara med detta tillvägagångssätt, eftersom mixen då lätt förvandlas från luddig till steril och tunn. ”Skär bort det som ändå inte hörs” är ett argument som ofta dyker upp. Nej, det kanske inte hörs, det är helt riktigt, men det kanske känns? Och det är precis detta musik handlar om, att det ska kännas. Självklart ska du använda högpass-filter på kanaler där det behövs, men verkligen inte på allt. Ju fler instrument du har att jobba med ju viktigare är det att du håller koll på dina filter. För mycket, eller för lite av det goda är sällan gott. Läs gärna fredagstipset Passa dig för högpass- och lågpassfilter. Summan av kardemumman Målet mixning är att få samtliga kanaler att låta bra tillsammans, en välljudande helhet, varken mer eller mindre. Problemet är bara att allt för många inte tänker på detta sätt. Allt för många rattar för mycket equalizer i solo-läge, vilket osökt leder oss in på visdomsordet (som gång på gång tåls att upprepas likt en gammal skiva): Det spelar ingen roll hur bra ett instrument låter ensamt, om det inte fungerar i mixen. I sololäget går det inte att höra hur ett instrument passar ihop med ett annat, eller tjugo till för den delen. Och faktum är att det många gånger faktiskt låter sämre om du uteslutande jobbar på detta vis. Det ska dock understrykas att sololäget är en oumbärlig hjälpreda, för att inte säga en direkt nödvändighet, när du ska leta upp och råda bot på problemfrekvenser. Problem att lösa rätt problem Det är inte ovanligt att rattande på equalizern löser ett eller flera problem, men samtidigt skapar ett annat. Det är då fel verktyg för uppgiften. Den traditionella equalizern är bra på att lösa problem som är bestående genom hela mixen. Som exempelvis för mycket sub-bas på en gitarrkanal, eller väsande och diskantrika cymbaler. Men så fort det handlar om problem som kommer och går, blir verkligheten en annan. Den dynamiska equalizern är då ett betydligt bättre val, eller varför inte gammal hederlig multibandskompression? Mellanregister eller mellanmjölk? En mix utan ett välbalanserat mellanregister är ungefär lika roligt att lyssna på som det är att dricka mellanmjölk… Hmm, detta må vara en av de sämsta liknelserna genom tiderna, men faktum kvarstår: Mellanregistret är direkt avgörande för hur en mix upplevs. Det är här som våra öron är som mest känsliga och det är också här som flest instrument slåss om utrymmet. Och slutligen är det den del av frekvensspektrumet som är mest konsekvent bland olika högtalare. Mellanregistret är musikens hjärta och själ, att ignorera detta är att ignorera musiken överhuvudtaget. Volym Det är allt för vanligt att gemene hen sträcker sig efter equalizern och boostar hej vilt för att ett instrumentet ska höras mer i mixen. Men det finns en betydligt enklare lösning. Nämligen… Volymreglagen på mixern. Många problem kan faktiskt lösas genom att dra lite i reglarna, så varför krångla till det? Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Eller om du hellre föredrar att diskutera om mixning i avdelningen "Mixning och mastring" på Studios forum här! Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du samtliga fredagstips. -
FREDAGSTIPSET: Att köpa pluggar till ditt DAW är lite som att köpa ett antivirusprogram. Det behövs egentligen inte, om du är noggrann och vet vad du håller på med det vill säga. Samtidigt kan nya pluggar underlätta och spara tid och inte minst sätta lite sprätt på kreativiteten. De medföljande effekterna i ditt DAW duger garanterat mer än väl, oavsett viket inspelningsprogram du använder. Med detta sagt vill jag ändå rekommendera ett gäng lite biliggare pluggar och lika många gratisalternativ, som förhoppningsvis kan få din sång att nå nya höjder. Celemony Melodyne 4 essential Sura toner kan förstöra vilken sångtagning som helst. Detta råder Melodyne bot på. Essential är den lite enklare varianten. Hemsida: www.celemony.com Pris: 99 Euro Gratisalternativ: MeldaProduction MAutoPitch Toneboosters Sibalance Starka konsonanter kan vara svåra att kontrollera, speciellt med bristande sångteknik och lite billigare mikrofoner. Sibalance löser detta med bravur. Hemsida: www.toneboosters.com Pris: 40 Euro (Ingår i Bustools 3) Gratisalternativ: Digitalfishphones Spitfish Waves Renaissance Vox En jämn och fin sångprestation är A och O för ett professionellt intryck. Renaissance Vox tar dig dit utan krusiduller. Hemsida: www.waves.com Pris: 45 dollar Gratisalternativ: Klanghelm DC1A Audiothing TYPE A Ibland behöver sången det där lilla extra. TYPE A ger luft och tydlighet utan att låta ansträngt eller onaturligt. Fungerar även på andra instrument. Hemsida: www.audiothing.net Pris: 49 Euro Gratisalternativ: Fine Cut Bodies La Petite Excite Soundtoys Little MicroShift Leadsång och körer mår ofta bra av att breddas en aning. Detta ordnar Little MicroShift på enklaste möjliga vis. Hemsida: www.soundtoys.com Pris: 79 Euro Gratisalternativ: ADT - Artificial Double Tracking Valhalla VintageVerb Ska du ha endast ett sångreverb så är det VintageVerb som gäller. Låt inte namnet lura dig, detta är ett mångsidigt reverb som fungerar på allt och lite till. Hemsida: https://valhalladsp.com/www.valhalladsp.com Pris: 50 dollar Gratisalternativ: Voxengo OldSkoolVerb BONUSPLUGG: Proximity från Vladg and Tokyo Dawn Labs är en användbar gratisplugg som låter dig manipulera avståndet till mikrofonen i efterhand. Mycket trevlig och lättjobbad. Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Eller om du hellre föredrar att diskutera om mixning i avdelningen "Mixning och mastring" på Studios forum här! Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du samtliga fredagstips. -
FREDAGSTIPSET: Idag tänkte jag belysa fenomenet – eller snarare problemet – frekvensmaskering. I all sin enkelhet handlar det om att ett eller flera starka ljud maskerar svagare ljud vid närliggande frekvenser. Det handlar alltså om hur vi människor uppfattar ljud, och då speciellt om två eller flera toner spelas upp samtidigt. Om den ena tonen är starkare än den andra kommer denna automatiskt att överlappa och maskera den svagare. Du hör då inte längre två toner, utan bara den som låter mest. Enkelt uttryckt fungerar våra öron som så att de har svårt att skilja mellan ljud som upptar samma eller närliggande frekvenser. Detta är ett mycket vanligt problem när det kommer till mixning och mastring. Ett klassisk exempel är baskagge och bas. Dessa instrument delar många gånger på samma låga frekvensområde, vilket gör att exempelvis baskaggen kan förlora tydlighet om basen är för stark, eller har för mycket lågfrekvent innehåll. Likväl är området 350-400 Hz extremt känsligt, då de flesta instrument har sina fundamentala frekvenser här: Sång, gitarr, piano, stråk, syntar och så vidare. Och det är just precis av denna anledning som många mixar kan framstå som luddiga eller otydliga. Okej jag förstår – men vad är lösningen? Först av allt är det viktigt att förstå att problemet inte alltid ligger i själva mixen, utan ofta uppstår redan under inspelningen. Fundera över alltid över vilka frekvenser som är viktiga och tas upp av varje instrument, nästa gång du spelar in. Du behöver inte ”höra” exakta frekvenser, detta är orelevant, utan fokusera snarare på hur de olika ljuden/instrumenten passar ihop, så att de inte bråkar naturligt. På detta sätt kommer du underlätta mixningen något enormt, eftersom varje instrument då redan från början har sin tydliga plats. Med detta sagt finns det naturligtvis vissa saker du kan göra i mixen för att råda bot på just frekvensmaskering. 1. Volym. Det första du ska fundera över är en så enkel sak som volymförhållandet mellan olika instrument. Är det så att ett instrument inte hörs tillräckligt? Då kan det mycket väl vara så att ett annat instrument har för stark volym, snarare än att du måste höja det som är svagt. Om du däremot har för vana att höja det som inte hörs blir det snart en katt och råtta lek som inte sällan slutar i att hela mixen fallerar. Kom ihåg: Mixning handlar till största del om volym och panorering. Vilket leder oss in på nästa punkt. 2. Panorering. Om två eller flera instrument upptar samma frekvensområde hjälper det många gånger att placera dessa på olika platser i stereobilden, med hjälp av panorering. Detta går naturligtvis inte med element som vanligtvis ligger i mitten, som baskagge, bas, leadsång och virveltrumma. Vilket, ja du gissade rätt, leder oss in på nästa punkt. 3. Equalizer. Här är tricket att identifiera vilka instrument som ska få stå i rampljuset. Är det basen snarare än baskaggen? Ja, då ”måste” du helt enkelt skära borta en hel del runt 80-100 Hz (där mycket av basens låga energi sitter) från baskaggen och kanske till och med boosta lite här på basen. Det handlar om att ge och att ta och att lämna plats. Många gånger hjälper det att spela upp två instrument samtidigt (som krockar frekvensmässigt). För att sedan svepa med en kraftigt boostad equalizer (med smalt Q-värde på exempelvis 10-12) på instrumentet du vill ska lämna plats. När du hittar området som grötar, skär du helt enkelt bort detta. Detta är inte magi, utan ren praxis. En minskning med 5-6 dB räcker i de flesta fall, ibland mindre. Lite allmänna tips Om du jobbar med en mix med många spår är frekvensmaskering av naturliga själ ofrånkomligt. Fundera då över vilka element som är viktigast och lägga störst fokus på dessa. Övriga instrument får hamna i bakgrunden. Behövs verkligen alla kanaler? Använd alltid equalizern som en sista utväg. Börja med volym, sen panorering och sist eq. Ett hett tips är att jobba med volym- och panoreringsautomatisering. Tidskrävande ja, men ack så värt besväret, då hela mixen garanterat blir mer intressant att lyssna på. Många gillar att använda low-cut på samtliga kanaler utom baskagge och bas, för en tydligare botten. Här råder det delade meningar och det handlar också mycket om lyssning och erfarenhet. Hur som helst är det ett beprövat knep som många förespråkar. Slutligen vill jag lyfta en liten tankeställare… Är det verkligen alltid önskvärt att undvika frekvensmaskering, till varje pris? Många gånger ja, men… Vissa mixar kanske mår bra av att vara lite grötiga och otydliga? Det kanske ger en viss charm att mixen inte är så ”perfekt” eller klinisk? Som en gammal tecknad film. Något att fundera över. BONUSTIPS: Spana in pluggen Trackspacer som är ett utmärkt alternativ för att få instrument att komma bättre överrens i mixen. Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Eller om du hellre föredrar att diskutera om mixning i avdelningen "Mixning och mastring" på Studios forum här! Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du samtliga fredagstips.