Jump to content

Recommended Posts

Create an account or sign in to comment

You need to be a member in order to leave a comment

Create an account

Sign up for a new account in our community. It's easy!

Register a new account

Sign in

Already have an account? Sign in here.

Sign In Now
  • Senaste foruminläggen

  • Similar Content

    • By Eva Hillered
      Fördelen med sångutveckling för låtskrivare
      Efter som melodiskapande är så otroligt centralt i alla former av låtskrivande blir du lätt begränsad i denna förmåga när din röst är begränsad. Rösten har du i kroppen som alltid är med dig. Har du ett aktivt fritt flödande melodiskapande som din röst lätt kan spegla så kommer dina röstmemon på telefonen bli fyllda av melodihookar som du kan fånga enkelt var du är – vilken tid på dygnet det än händer. När du har utvecklat din sångröst så att den kan sjunga det du ”tänker” har du en enorm tillgång som låtskrivare. Du får dessutom fler färger på din tonpalett och du kan variera dina uttryck. Och skapar du digital musik är rösten ett fantastiskt redskap att använda – även som ett instrument. Du kan förvandla din sångröst till egensinniga små melodihookar som låter som en distad elgitarr utan att ens ta fram gitarren.
      All sångutveckling tar tid och de flesta som sjunger på en professionell nivå har säkert ägnat minst tio tusen timmar, kanske uppåt femtio tusen, på sång. Men med tillgång till en bra metod behöver du inte satsa femtio tusen timmar för att bli bra – jag lovar!
      Man kan dessutom lära sig att öva på ett kreativt och roligt sätt och även använda andningen och träna stödmuskulaturen som ett sätt att bli fokuserad och närvarande och att släppa på spänningar. Bra sångträning är världens bästa mindfulness-träning.
      Att förstå mer exakt vad du behöver är ett sätt att snabbare nå resultat. Många säger bara att de ”vill bli bra på att sjunga” – men de vet inte på vilket sätt de vill bli bra. Det är ungefär samma sak som att längta till en plats – men inte riktigt veta var denna underbara plats finns. Du sätter dig i bilen och kör planlöst. Om du har tur kanske du kan råka hitta stället, men vet du vad orten heter kan du ta dig dit – även om det kan bli en lång resa.
      Sångmetoden som kan lyfta din förmåga
      Sångteknik - uttryck - säkerhet/mental träning
      1. Sångtekniken är en grund. Självklart behöver du en sorts ”lägstanivå” för att kunna attrahera människor med din sång och för att kunna bli fri i din röst. Du behöver kunna sjunga rent, träffa toner utan besvär och du behöver ha tillgång till ett någorlunda stort register. Nästan alla kan förbättra sin sång 40–80 % bara genom att förstå hur deras rätt komplexa stödmuskulatur fungerar. Stödet är som gaspedalen i bilen, det styr din förmåga att träffa toner, sjunga starkt och svagt. Den sångteknik jag lär ut är sådan att du övar på ett sätt som skapar kroppsminnen så att du inte behöver stå och tänka på sångteknik när du sjunger. Du över tills kroppen ”kan”.
      Det är viktigt att du separerar sångtekniken från framförandet. I stunden när du ska förmedla något med din röst till andra människor måste du kunna släppa tanken på teknik för att gå in i uttrycket till hundra procent. Du behöver komma till en punkt där kroppen vet hur den ska göra, och bara gör detta automatiskt. Hur melodin går, tonsprången som är svåra, vilken röstklang du vill använda, allt sådant behöver du träna på tills det sitter som ett kroppsminne. Detta gör du genom att upprepa till exempel samma tonsprång om och om igen. Att det sångtekniska fungerar utan problem är lika självklart om du ska förmedla en sång proffsigt som att du kan texten utantill.
      2. Vikten av hängivelse och ett uttryck. Många fantastiska artister är egentligen inte ”stora” sångare med fulländad röstbehärskning. Men de har sjungit sig till sin förmåga och de lyckas förmedla känslor och stämningar oavsett teknisk nivå. Om du endast fokuserar på sångteknik hamnar uttrycket lätt i bakgrunden. Är du dessutom perfektionist så finns det alltid något du kan bli bättre på. Vill du beröra människor med din sång, vill du ha väldigt roligt och kunna njuta av din egen sång när du sjunger, då är hängivelse och uttryck precis lika viktigt som sångteknik.
      3. Säkerhet/mental träning. Det primära är ju att du lägger ner tid på ditt sjungande. Utveckling tar tid. Men om du har en tydlig, lättförståelig metodik som hjälper dig att träna din sång på alla de tre områdena på ett både smart och roligt sätt, så går din utveckling mycket snabbare. Som jag har förklarat tidigare kommer vi inte förbi våra åsikter om oss själva som sångare.
      Ditt nervsystem signalerar fara när du ger dig ut på okända vatten, det skapar spänningar och nervositet som kan påverka din sång negativt, när det finns en negativ självbild. Rösten speglar alltid ditt fysiska och ditt psykiska tillstånd.
      I den metod jag lär ut ingår det att du steg för steg bygger upp en positiv identitet som sångare. Målet är att du ska njuta och känna dig stolt över dig själv och din sång när du sjunger. Väldigt många människor känner sig blyga och generade när de ska sjunga för andra. Men detta är något som går att träna bort.

      Om artikeln
      Artikeln är ett utdrag ur kapitel 9 i boken Lathund för låtskrivare av författarinnan och musikern Eva Hillered. Eva har skrivit ett flertal uppskattade artiklar för Studio. Hennes bok kan köpas i sin helhet här nedan, i en helt ny uppdaterad upplaga.


      Om artikelförfattaren
      Eva Hillered är en Grammis­nominerad artist/låtskrivare/pedagog och författare till boken Lathund för låtskrivare (Prisma/ Norstedts). www.evahillered.se
    • By Eva Hillered
      Kap 11

      Melissa Horn. Pressbild, Creative Commons
      Skriva låtar inifrån-ut, eller utifrån-in?
      Själv skriver jag främst låtar enligt metoden ”inifrån–ut” – det vill säga mina tankar, upplevelser och känslor ger upphov till låtidéerna. Andra behöver stimulans och impulser utifrån för att låtskrivandet ska ta fart – det jag kallar “utifrån–in”.
      Det vanligaste är att man skriver på båda dessa sätt, men är mer trygg med en metod som en sorts bas för sitt låtskrivande. Det ena är inte finare eller bättre än det andra, man behöver inte välja – riktigt bra låtar innehåller oftast moment av både–och.
      Prova båda perspektiven för att utvecklas!
      Om du vill utvecklas som låtskrivare kan du med fördel prova den utgångspunkt som du har jobbat minst utifrån. Till exempel är det vanligt att musiker och producenter utgår från ett groove, en ackordsföljd eller ett häftiga sound som grund för en låt. Eller att man kopierar ackord, loopar, tempo och teman från andra sånger, man klistrar och klipper med loopar, ljud och små melodislingor.
      För en person som blivit bra på det här sättet att skapa kan sångtext vara ett svårare kapitel, och ännu svårare kan det vara att börja lyssna inåt efter en djupare röst och ge ord åt den. Men den som är envis och fortsätter upptäcker ofta att låtarna blir bättre, mer angelägna och mer berörande, när han adderar den egna upplevelsen. Som lyssnare märker man om sången innehåller mer än bara klyschor och banaliteter.
      På samma sätt kan en vanligen inåtskådande låtskrivare tendera att fastna i ett visst tema, så att hon skriver samma låt om och om igen. När man har hållit på ett tag kan man på så sätt också tröttna lite på sitt eget tonspråk, kanske även sina egna teman – som man tenderar att upprepa. Då kan det vara utvecklande att våga öppna sig för impulser utifrån, genom till exempel en co-write.
      Modet att följa sin egen röst
      Många skulle nog säga att Eva Hillered är en typisk ”inifrån–ut”-låtskrivare, men jag har utvecklats massor genom co-writes, och av att testa andra verktyg när jag känt mig oinspirerad eller blivit missnöjd med resultatet. Co-writes med internationella artister har också utvecklat mina engelska texter.
      För mig är det avgörande att jag hela tiden växer som låtskrivare. Att börja arbeta som producent, och själv jobba fram hela ljudbilden runt en låt, är också ett helt annat sätt att skriva än hur jag tidigare gjort. Just nu är det precis det jag behöver för att komma vidare. Jag blir lätt uttråkad av att ständigt skriva samma låt om och om igen eftersom jag hållit på så länge.
      Vad är min sång värd för andra?
      För mig kan det ta en väldigt lång tid att veta om det jag skrivit verkligen är något som håller i längden, och om jag vill framföra sången för en publik eller spela in den. Jag behöver tid för att avgöra. Det är fantastiskt ibland att upptäcka att det jag skrev för länge sedan, och som jag själv då kunde känna mig småkritisk till, idag fortfarande kan kännas som en aktuell och berörande låt och att jag nu känner mig stolt över det jag gjorde för länge sedan. Med lite distans är det ofta lättare att kunna avgöra värdet av det man skapat.
      Jag kontaktar två andra kvinnliga artister i olika faser av sitt professionella arbete som låtskrivare och artister: Melissa Horn och Rhys. Båda är framgångsrika, de har lyckats nå ut till en stor publik. Jag frågar dem om de någonsin har tvekat på om det de skriver har ett värde.
      MELISSA: ”Absolut. Det gör jag från och till hela tiden. Och det är svårt, för det finns ju inget facit på det och det går inte att få en input från någon som säger – jo, men du har säkert hjälpt någon med den där låten. Så långt kan inte jag se det. Men precis lika viktigt för mig som det är att ha nära vänner som jag samtalar med om viktiga saker – så tycker jag också att jag måste samtala med mig själv om viktiga saker. Och det är det jag får göra när jag skriver låtar. Och jag tänker att skulle jag stänga ned musiken, då kanske det skulle påverka mig som medmänniska, och hur jag är mot andra människor. Så låtskrivandet blir ett sätt för mig att stå upp för att sanning, djup och allvar är viktigt.”

      Rhys. Foto: Jannick Boerlum, pressbild
      RHYS: ”Ibland undrar jag verkligen, är jag så bra? Det kanske bara är att folk lyckas lura mig? Det finns alltid som en konstig rädsla i bakhuvudet. Det är ju olika delar i att vara artist också. Att skriva låtar är en sak, och sedan är det att uppträda med låten i radio eller på TV. Då känns det ju som att man måste bevisa för sig själv att man är tillräckligt bra. Så att andra tänker att man har en plats. Jag har tänkt jättemycket på sånt – ”tänk om jag är sämst.” Jag har frågat mina kompisar många gånger: är jag sämst hörni, var ärliga nu!”

      Om artikeln
      Artikeln är ett utdrag ur kapitel 11 i boken Lathund för låtskrivare av författarinnan och musikern Eva Hillered. Eva har skrivit ett flertal uppskattade artiklar för Studio. Hennes bok kan köpas i sin helhet här nedan, i en helt ny upplaga.


      Om artikelförfattaren
      Eva Hillered är en Grammis­nominerad artist/låtskrivare/pedagog och författare till boken Lathund för låtskrivare (Prisma/ Norstedts). www.evahillered.se
    • By Jon Rinneby
      Årets sista Fredagstips är här och innan vi sätter igång vill jag passa på att lyfta alla läsare och tacka för engagemang och feedback. Det värmer verkligen och jag ser redan fram emot nästa år. Julbock och bug.
      Häromveckan fick jag frågan på Mixakuten gällande att mixa en liveupptagning med bara sång och gitarr. Ett förhållandevis enkelt, men samtidigt komplext, ämne som till största del handlar om själva inspelningen, men som också går att avhandla i ett Fredagstips ur ett rent mixningsperspektiv.
      Låten i fråga är skriven och inspelad av Studiomedlemmen @Daniel Balotis och spelades in med tre mikrofoner: Röde iXY, Slate ML-1 och Shure SM7B. Den låter i sin råa form så här:
      daniel_org_limiter.mp3
      Min mixade och trixade version låter så här: 
      daniel_mixakuten_fix.mp3
      Observera att min mix upplevs starkare men faktiskt har exakt samma volym enligt Loudness Penalty, vilket bland annat har sin förklaring i vilka frekvenser jag valt att lyfta fram (eller snarare plockat bort) i kombination med kompression och lite annat.
      För mig är det viktigt att akustiska inspelningar känns varma och närvarande - något jag försökt uppnå med ovanstående mix. Vidare vill jag också understryka att detta är bara ett sätt att jobba på och inte nödvändigtvis det rätta. Kanske har jag krånglat till det i onödan?
      Processen

      Projektet med pluggarna jag använde i Reaper 6.
      1. Jag börjar med att dra upp volymen på Röde iXY (+ 12 dB) och Slate ML-1 (+ 6 dB), då dessa var förhållandevis svagt inspelade. Kanalerna får tillsammans agera stereobredd och rumskänsla.
      2. Jag panorerar Slate ML-1 25% åt vänster och Röde iXY 25% till höger vilket ger en hyfsat jämn stereofördelning, även om sången tippar aningen åt vänster.
      3. Det låter aningen tunt och basfattigt när de båda kanalerna spelas upp tillsammans, vilket ofta har att göra med fasproblem* vid inspelningen. Och mycket riktigt kommer värmen och närheten tillbaka när jag vänder fasen på Röde iXY. Slutligen lägger jag på ett subtilt reverb i form av Sunset Reverb Studio för att ge rumskanalerna ännu mera rum.
      * Fasproblem uppstår som regel när en och samma ljudkälla spelas in med två eller fler mikrofoner från olika avstånd. Med detta sagt behöver ”ur fas” inte alltid innebära ett problem, utan kan också användas i kreativt syfte.
      4. Sångupptagningen (SM7B) har ganska mycket gitarrläckage. Jag slänger på Ozone 9 Rebalance och drar upp sången 3 dB som direkt känns mer närvarande. Vidare lägger jag ett low-cut vid 100 Hz för att få bort lågbasen vilken rumskanalerna istället får stå för. Echo Cat hamnar också på sången med en gnutta slap-back-dela följt av ett mörkt plåtreverb med lite längre pre-delay på ca: 60 ms, för att undvika att sången smetar och hamnar för långt bak i mixen. Pre-delayet ser till att sången behåller sin tydlighet och hamnar långt fram i mixen, samtidigt som förnimmelsen av ett större rum infinner sig. 
      Ozone 9 Advanced, Master Rebalance lyfter fram leadsången 3 dB.
      5. Samtliga kanaler spelas upp och jag upplever helheten som helt ok. Dock har sången en tendens att sticka iväg lite väl mycket vilket kompressorn DDMF MagicDeathEeye får råda bot på. Sången komprimeras som mest 5 dB i låtens starkaste parti.

      Inställningarna med DDMF MagicDeathEeye. Observera att 150 Hz filtret som ser till att de lägsta frekvenserna inte komprimeras lika hårt.
      6. Jag spelar upp låten från början till slut och upplever trots kompressorn en viss hårdhet i soundet när sången är som starkast. Speciellt 810 Hz och 2020 Hz upplevs påträngande (vilket jag kontrollerar i analysfältet med Fabfilter Pro-Q 2). Rumsmikrofonerna Röde iXY och Slate ML-1 får en rejäl sänkning vid 810 Hz, medan sången istället får en dos dynamisk equalizer som bara arbetar när den behöver. Vidare får även sångspåret en lite knuff värme vid 200 Hz.En rejäl dipp vid 810 Hz med Fabfilter Pro-Q 2 ser till att rumskanalerna får ett mer kontrollerat och inte lika påträngande mellanregister.
      Med Ozone 9 Dynamic Equalizer ser jag till att tämja 810 Hz och 2020 Hz på leadsången rejält i låtens starkaste parti.
      7. Slutligen lägger jag på rullbanspluggen Flywheel på rumsgruppen. Denna pressas hårt in på rött för att runda av diskanttopparna rejält. På sångspåret låter jag rullbandaren snudda vid rött när det tas i som mest.
      Rullbandspluggen Flywheel, som är min nuvarande favoritbandare, tämjer och rundar av de digitala topparna på leadsång och rumskanalen.
      8. På masterkanalen sätter jag en dynamisk equalizer som jag sänker vid 650 Hz och 3100 Hz för att plocka den sista hårdheten och höjer lite vid 200 Hz.
      Inställningarna på masterkanalen med Ozones dynamiska equalizer. Jag sänker vid 650 Hz och 3100 Hz, samt höjer lite vid 200 Hz.
      Därefter har jag Kush Audio TWK för ännu lite mer analog värme. Jag slänger även på gratispluggen Slate Digital Fresh Air för att ge hela mixen mer luft, om än subtilt.


      Fresh Air ser till att ge hela mixen lite välbehövlig luft.
      Sedan har jag lagt in Soothe 2 som med sin magi plockar bort de sista störande resonanserna. MJUK komprimerar försiktigt och limmar ihop kanalerna, ungefär 1 dB i låtens starkaste parti, för ett uns mer helhetskänsla. Observera att varje plugg i kedjan gör förhållandevis lite, men tillsammans ger önskat resultat.
      Soothe2 plockar bort de sista störande resonanserna på hela mixen.
      MJUK komprimerar försiktigt och limmar ihop kanalerna ungefär 1 dB i låtens starkaste parti.
      Sist ut är limitern Fabfilter Pro-Q 2 för att få upp volymen till digital volymstandard, enligt Loudness Penalty.
      Limitern Fabfilter Pro-L 2 med inställningarna justerade för digitalt släpp.
      God jul och gott nytt år!
      Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Eller om du hellre föredrar att diskutera om mixning i avdelningen "Mixning och mastring" på Studios forum här!
      Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du samtliga fredagstips.
    • By Lotta Fahlén
      Camilla Dahlstedt. Foto: Selma Grönlund.
      Camilla Dahlstedt är sångerska och låtskrivare. Hon hörs som vokalist i indiepopbandet Last Lynx vilka blivit rosade i bland annat brittiska The Guardian. Nu frilansar Camilla som topliner för produktionsmusik och är aktuell med ny musik från bandet. Att jobba som topliner innebär att ansvara för text och melodi i en musikproduktion, och är ofta baserat på ett beat eller en instrumental bakgrund.
      Idag jobbar du som topliner, vill du berätta lite om resan dit?
      – Jag har inte gått någon låtskrivarutbildning utan min utbildning skulle jag nog säga har varit bandet. Jag har inte riktigt fattat att jag är topliner förrän nyss, vi har gjort musik ihop i massa år, sedan 2011, med bandet och färdigheten har nog successivt växt fram. Det var egentligen nyligen som jag började förstå att jag faktiskt kan göra det på egen hand. Men jag har alltid hittat på melodier och skrivit små texter - röstmemona och anteckningarna är otaliga i min telefon. Att jag nu skriver produktionsmusik började med att jag bodde hos en vän i Berlin för några år sedan som jobbade med reklammusik och genom honom fick jag jobb som vokalist. Sedan har jag genom dem jag jobbat med där kommit i kontakt med en person som gör produktionsmusik på uppdrag för BMG, han i sin tur har anlitat mig för att skriva och spela in topline på ett nuvarande projekt som han jobbar på.
      Kan du stega oss igenom din process när du skriver toplines?
      –  Hm, det kan absolut vara olika, men om jag första gången jag hör en låt vill röra på mig eller dansa till det alternativt att jag på en gång föreställer mig någonting visuellt, då vet jag att det kommer gå smidigt. Då måste jag bara hitta rätt ord för att beskriva de bilder jag ser eller känslor jag känner. Men ibland är det absolut inte så, då kanske jag måste jobba fram den känslan genom att skriva ner massa stödord, kanske kolla i någon anteckning sedan tidigare för att få inspiration, eller bara börja nynna in det första jag tänker på och sen lyssna vad det låter som att jag sjunger för att komma vidare.
      Är ditt tillvägagångssätt annorlunda när du skriver toplines åt andra vs egna projekt?
      – Ja absolut, när det kommer till bandet skriver jag nästan aldrig själv. Oftast är vi två, ibland nästan hela bandet på fem personer. Fokuset i melodi och text är mycket mer abstrakt än om jag skriver till produktionsmusik. Vi brukar fokusera på rytm och melodi i orden, om någon kommer förstå eller om det ens är grammatiskt korrekt är sekundärt, sången ska mer vara som ett instrument än något som står i centrum som berättande.
      –  När jag skriver till produktionsmusik är jag själv hemma och spelar in, sedan skickar vi idéer fram och tillbaka producenten och jag. Sedan är fokuset ett helt annat, oftast finns det referenser utifrån vad beställaren är ute efter, texten ska gärna vara generell och inte allt för laddad, flow och känsla är mycket viktigare då syftet i slutändan är att kunna använda musiken till till exempel ett flertal filmproduktioner. Det är en utmaning på ett helt annat sätt än med min egna musik.
      Var hittar du inspiration till texter och melodier?
      – Jag brukar alltid ha ett skrivblock med mig eller skriva anteckningar i mobilen, det kan vara allt från iakttagelser av människomöten och beskrivningar av fina färger i naturen under en promenad till att jag läser något ord någonstans som skulle vara fint att sjunga. Ilska och sorg brukar alltid, tyvärr, vara väldigt bra inspirationskälla.
      – Men det bästa är såklart när inspirationen kommer från själva musiken i sig och sätter igång någonting som bara trillar ur mig.
      Har du några tips och tricks för att skriva stämmor?
      – Jag skulle inte påstå att jag är någon hejare på stämmor, jag brukar egentligen bara prova och se om det låter bra, ibland måste jag ta ut melodin på piano/midiklaviatur och spela stämman för att dubbelkolla att det inte skär sig. Men oktaver är ju annars ett säkert kort om man vill få lite bredd på ett parti.
      –  Ett tips skulle väl kunna vara att inte underskatta unisona stämmor med olika röster, tycker det är så fint, ibland är det enklaste det bästa.
      Vad skulle du säga utgör riktigt bra toplines?
      – Oj vilken bra fråga. Jag gör nog ingen jätteskillnad på vad jag tycker är bra topline och bra musik eller produktion. Om jag vill röra på mig till det, oavsett tempo, så gillar jag det. Är också en sucker för det enkla, upprepningar, små enkla variationer av något litet till exempel ändelser av upprepande rader, låta en rad bara vara "oh" istället för text. Det får absolut inte vara alltför krångligt, om det är en avancerad melodi kanske jag kompenserar med simplare eller upprepande text, eller tvärtom.
      Och till sist – vad är du aktuell med framöver?
      – Vi släpper en EP med bandet i december, så det är bara att hålla utkik på alla olika musikplattformar!
      Last Lynx Spotify:

      Måndagsintervjun är en serie där @Lotta Fahlen intervjuar intressanta personer om olika ämnen inom musikskapande, och publiceras varannan måndag.
    • By Ollie Olson
      I denna artikel kommer jag visa ett konkret exempel från låten "Gud ger ingen allt", från Bo Kaspers Orkesters nya album "23:55".
      Att använda delayer på rätt sätt, om det nu finns ett rätt och ett fel i den här frågan, gör att du skapar djup i mixen eller produktionen. (Läs gärna mitt tidigare tips Skapa djup i dina mixar med reverb och delay). Olika musikgenrer har olika delay-preferenser. Vissa stilar vill ha sången torr och nära, och andra musikstilar vill ha eko-svansar på varje ord, och ganska många vill bara ha ett bra sångljud som känns stort men inte har för mycket effektkänsla. Vi kan börja med att konstatera att om det finns alltför många ljud i produktionen så finns det risk för att effekterna drunknar och aldrig hörs, och de ger då knappt någon effekt (sic) vilket ju är synd på bra idéer. Hur ska du då förhålla dig?
      Generellt sett så tycker jag att du ska börja med att kika på dina inspirationskällor, och lyssna på hur de hanterar delayer och se om det funkar även i din mix.
      Här kan du lyssna på hur jag gjorde med sång-delayet i Bo Kaspers Orkesters låt ”Gud ger ingen allt” från deras senaste album ”23:55”.
      Som du kan se nedan så har jag använt två delayer, ett SoundToys från Echoboy och ett H-Delay från Waves. Dessa två delay-effekter har lite olika karaktärer, och det är därför jag använder två olika delayer, istället för att använda två av samma delay, men med olika inställningar. Echoboy-delayet har jag ställt in som ett stereodelay i 1/8-delar med en ganska lite feedback för att inte studsarna ska bli för många. Jag har använt lite Low Cut och lite High Cut för att delayet ska bli lite smalare i frekvenserna och gå igenom ljudbilden. Jag har dragit på lite i Groove och Feel för att göra delayet lite långsammare så att studsarna inte blir så statiska. (Se bild nedan).
        SoundToys Echoboy   På H-delayet har jag ställt in 1/4-delstrioler med en feedback som ger cirka en och en halv studs. Här har jag varit ännu snävare med low cut och hi cut för att göra studsarna ännu smalare i frekvens, och delayet är inte inställt i stereo eller ping-pong-läge vilket ger en simulerad monoeffekt och på så sätt särskiljer det sig ifrån det första delayet både i tonfärg, delaytid och i stereobredd.   Waves H-delay Dessa två delayer matas från varsin send. H-Delay går på Bus 25-26 och Echoboy går på Bus 17-18, på sångkanalen (Se bild nedan) till effekterna som sitter på varsin retur (AUX) och de matas olika starkt beronde på vilken av delayerna jag vill ska ha prioritet i mixen.
       
      Två delayer matas från varsin send, H-Delay går på Bus 25-26 och Echoboy går på Bus 17-18, på sångkanalen
       
      Just i detta fall skickar jag lite mer till Bus 17-18 som går till Echoboy-delayet som ju är inställt på 1/8-delar, och det är för att jag vill via delayet bredda sången i Left – Right- hänseende. Det är därför jag har ställt det i stereoläge och inte ping-pong då studsarna hade kommit varannan gång i vänster respektive höger sida.
      Nu kommer de jämnt i bägge sidorna (vänster och höger sida) och ger illusionen av att sången ligger i lätt stereo, och tack vare att det inte är så många studsar, och att studsarna i sig är lite tidsförskjutna så riskerar vi inte att dessa blandar sig och försvinner, eller ännu värre, stökar till rytmiken i mixen. Som du ser på bilden så har jag varit ganska sparsam med att skicka till båda delayerna och det beror på att jag inte vill ha för mycket effekt och eko-känsla på sången, utan jag vill ha den relativt nära i ljudbilden. Om jag nu ville ha mer stereokänsla, mer effekt och en tydligare 1/8-dels känsla så hade jag skickat mer. 
      När det kommer till H-delayet som ju är längre, så använder jag det för att skapa djup i ljudbilden, för att man ska uppleva rymden i mixen. Nu är inte heller detta uppskruvat för att ge väldigt tydliga studsar utan mer en förnimmelse av delayet och bidra till luftigheten. Båda dessa brukar jag skicka till olika reverb för att få studsarna lite mjukare, och för att dessa ska smälta in bättre i mixen. (Se bild till vänster).
      Jag brukar också skicka det långa monodelayet, (H-Delay) till det korta stereodelayet, (Echoboy) för att få dem att blanda sig med varandra, och för att göra mixen lite mer sammanvävd. Just i detta fall så ville jag ha en tydligare monokänsla på det långa delayet och det är därför som den senden är avslagen.
      Testa detta och se vad du får för resultat, och lyssna på låten och se om du kan höra vad det får för effekt i mixen.
      Bägge delayerna skickade till olika reverb för att få studsarna lite mjukare, och för att dessa ska smälta in bättre i mixen
  • Veckans populäraste ämnen

  • Senaste låtarna

  • Utvalda pressmeddelanden

  • Who's Online (See full list)

×
×
  • Create New...