Jump to content
Sign in to follow this  
TritoneAddiction

Hur får jag bredare/större ljudbild? (lyssningsexempel finns)

Recommended Posts

Hej. Jag tar gärna emot all hjälp jag kan få här. Idéer, tips om hur man kan få fram en bredare och större ljudbild.

Nu har jag panorerat en del syntar höger och vänster precis som man ofta gör med gitarrer i metal och rock. Men det går liksom inte att panorera dom mer än max. Finns det andra knep att ta till?

Tar gärna emot tips om mixning/mastring överlag om ni hör andra saker att förbättra.

Jag har väl lärt mig det mest grundläggande vad gäller mixning men är extremt oteknisk så prata gärna på retard level så att jag förstår :)

Gör all min musik i Reason 5 för tillfället, så jag har inga effekter eller pluggar utanför det förutom en enkel mastring med iZotope Ozone 4 som jag kör i Reaper.

Min låt:

www.youtube.com/watch?v=QNZiGv_W_jM

Share this post


Link to post
Share on other sites
Annons

Man kan sneställa (pitch) syntarna lite så blir det bredare ljudbild. Skruva ljuden lite annorlunda vänster/höger.

En av modulerna i Reason 5 är UN-16 som breddar nåt in i bomben men samtidigt kan man tappa lite av soundet.

Ta hem några gratis refills och kolla hur dom konstruerar bred stereobild är ett annat tips. Byt ut syntarna i Combinatorn mot dina sound om du gillar stereobilden på en patch.

Djävla grym låt för övrigt.

Edited by drloop

Share this post


Link to post
Share on other sites

Tack för tipsen. Pitchmetoden och att skruva ljuden lite olika är det jag har provat än så länge. Men jag skulle nog kunna ta ut svängarna mer än jag hittills gjort.

Allt det andra du nämnde är helt främmande för mig, UN-16, refills, Combinator, patch.

Som sagt, jag är på retard level vad gäller mycket av det här, så jag är väldigt tacksam för dina tips. Fick mycket att undersöka och prova nu.

Kollade i grova drag upp vad UN-16, refills och Combinator var, men vad innebär patch?

Share this post


Link to post
Share on other sites

snyggt parti vid 1:10 och en bit fram

ang ljudbilden känns den hyfsat bred men inte jättebred

så jag undrar om du möjligen dubbar för mycket och använder nån form av stereobreddning på enskilda utpanorerade ljud - kontraproduktivt

lite grann saknar jag en riktigt väldefinierad mitten - som behövs som kontrast tillbredden

allt är liksom "ganska brett" på nåt sätt

så lite mer info om vad du har med och hur du gjort behövs nog

Share this post


Link to post
Share on other sites

lite grann saknar jag en riktigt väldefinierad mitten - som behövs som kontrast tillbredden

allt är liksom "ganska brett" på nåt sätt

Det kan nog ligga nånting i det du säger. En del syntar är helt panorerade höger vänster, i regel 2 eller tre olika typer av syntljud som är dubblerade med lite olika inställningar. Vissa är dock rätt tysta i mixen.

Det finns också en del andra synthljud som har lite stereobredd på men inte fullt ut (chorus), de ligger i mitten men är inte helt i mono. Sen kan det nog ligga en del reverb som smetar ut ljudbilden också. Cymbaler/hihats är väl också lite överallt i ljudbilden. Det kanske är de här sakerna som gör att det saknas en "riktigt väldefinerad mitt".

Det som ligger helt i mitten annars är bastrumma, virvel och bas.

Har endast använt lite stereobreddning i mastringen. Men har varit ganska försiktig då det snabbt blev en annan mix där trummorna fick för lite plats.

Share this post


Link to post
Share on other sites

Vad jämför du med, Tritone? Vad får dig att vilja skapa en "större" känsla i ljudbilden öht? Har du referenser? I så fall är det lättare.

Share this post


Link to post
Share on other sites

Vad jämför du med, Tritone? Vad får dig att vilja skapa en "större" känsla i ljudbilden öht? Har du referenser? I så fall är det lättare.

Jag jämför egentligen med det mesta som jag hör oavsett om det är metal, elektronisk musik eller vanlig radiopop.

Jag försöker plocka tips från alla håll då min musik är en blandning av metal och elektroniskt.

Men överlag brukar många proffs kunna få till en mix där det låter bredare medan det i min mix dras mer mot mitten.

Jag antar att jag helt enkelt gillar att det blir en mer öppen ljudbild.

Mitt mål är väl att få till en grov/köttig men ändå klar ljudbild om det nu ens är möjligt.

Här är två exempel där jag tycker det låter bredare, en elektronisk och en metal:

www.youtube.com/watch?v=s88JDxazUKo

www.youtube.com/watch?v=LpZiuh0MlpM

Share this post


Link to post
Share on other sites

Ibland är det inte lätt att få svar, för förklaringarna blir ofta så långrandiga. Inte alla som orkar, men jag gör ett försök :P

Stereobredd är en psykoakustisk upplevelse, som inte har så mycket gemensamt med hur många grader i fas två olika kanaler ligger i förhållande till varandra. (Fas och panorering är ju direkt länkade, liksom fas och tonhöjd är.)

Du kan skapa ett betydligt större sound än "full stereobredd", genom att t.ex. skapa intrycket av 10 enorma trummor, som hörs på avstånd. Det upplevs mycket större, vidare, trots att det kan vara en betydligt smalare stereobredd än ett par rena torra signaler som panereras fullt vänster<>höger.

Känslan av storlek och omfång är psykoakustisk, består av den bild eller känsla av sammanhang som ljudet alstrar i huvet på lyssnaren. En distad elgitarr som tar upp hela ljudbilden och hörs på mycket nära håll kan låta stor, men 10 trummor som hörs på avstånd med mycket bas och reverb, upplevs ofta större.

Steven Slate Digital gör samplade trummor som använder den principen. Samplingarna är "torra", men man har lagt in EQat reverb, som alstrar intrycket att halva rummet 'sjunger till' när t.ex. bastrumman spelas starkt. Då upplevs bastrumman mycket större, bredare och volymstark än en bastrumma som har betydligt mer bas o diskant men är helt dödtorr.

Tekniken att skära ut mycket tydliga frekvensområden för varje instrument, eller instrumentgrupp, ger också illusionen att enskilda instrument låter kraftigare och större. Ytterligare ett sätt är som EDM musiken gör, att kombinera långa ljusa reverb med väl vald sidechain-kompression. Det ger illusionen att musiken är så stark, att tekniken som "spelat in" musiken har bottnat, och reverbet kommer då bara fram när bottningen släpper tidvis.

För att skapa såna illusioner måste du iväg utanför ljudteknikens tekniska ramverk, och improvisera och se vilka illusioner du kan skapa. Det finns inga läroböcker i sånt, utan det är mer egna vanor, erfarenhet tricks och idéer. Det är illusioner, för det är ljudupplevelser inom ett stereospektrum som är betydligt mycket större och kraftigare än ljud i verkligheten nånsin låter. Det är illusioner.

Amon Amarth exemplet låter inte mycket "bredare" än din musik gör, men den känns "djupare", för att stereobilden är bättre använd ljudledes. Knife Party låter faktiskt smalare i stereobredd än din låt gör, men känns mycket mer massiv på grund av en kombination av olika faktorer av det slag jag nämnt ovan.

Mer tekniskt: Använd ett instrument som klingar väldigt "nära" örat, alltså gott om nära bas och tydliga detaljer i diskanten. Vi tar en bas som exempel. Sen, skapa syntetisk efterklang som du smyger in och lägger "bakom" instrumentet. Typ såhär:

Lägg en exakt kopia bas-spåret på ett annat spår, krossa ner det med en limiter och lägg kraftigt hicut filter på det (200hz eller lägre). Skicka det sen genom ett väldigt kort rumsreverb (för att få ut det i stereo). Ta tillbaka mest reverb-signal ifrån reverbet, väldigt lite av originalsignalen. (man kan i vissa fall använda M/S omkodning för att filtrera bort mitten av signalen, och behålla sidorna bara). Sist så lägger du det här parallellt med det första bas-spåret, och höj upp volymen försiktigt, så att det här mörka, skitiga blöta ljudet "märks" som en "mörk skugga" bakom originalljudet. Gör så att det låter som omgivningen sjunger till lite när basen spelar en ton. Ska höras ganska diskret. Mer upplevas, än höras. Slutligen lägger man ett kort ljust reverb på helheten av det här, ett reverb som är svagt och upplevs ligga bakom basljudet, "längre in" i ett imaginärt rum.

Resultatet blir att du får ett basljud med fet närhet och mycket detaljer, som fettas ut av en rejält mörk bred skugga bakom, och till sist låter detta så starkt att "omgivningen" bakom ger ifrån sig rumsresonanser. Låten 'knife party' har använt sig av en liknande teknik för att få tjock bredd i sitt basljud.

Men örat är fenomenalt bra på att höra och förstå såna här detaljer, så det måste ställas in mycket mycket noggrant för att funka. Det är ungefär som att rita 3D figurer på ett papper. Får man proportionerna fel, så uppstår inte 3D illusionen. Blir det bara lite fel, så låter det bara .. konstigt. Hoppas det här går att förstå :)

Share this post


Link to post
Share on other sites

Tack Signia för ditt långa svar. Det är bra att gå in på djupet ibland också. Det rör sig ju vanligtvis inte om nåt quick fix om man ska bli riktigt bra på nånting och varför skulle mixning vara ett undantag.

Mycket att ta in på en gång men jag kommer gå tillbaka till ditt svar längre fram och experimentera.

Uppskattar alla tips och svar, vare sig de är mer djupgående eller korta och enkla idéer.

Share this post


Link to post
Share on other sites

Har endast använt lite stereobreddning i mastringen. Men har varit ganska försiktig då det snabbt blev en annan mix där trummorna fick för lite plats.

börja med att ta bort stereobreddning på helheten

börja med att synthar och slingor placeras på samma ställe mellan höger å vänster - inte att du lägger en åt vardera håll om dom spelar samma sak

det i sig blir ju en "bred" ljudbild för själva den slingan men ju fler du lägger ihop med samma metod desto mindre effekt får du

en slinga (med ett eller flera ljud/synthar) bara vänster och en helt annan slinga bara höger blir mycket bredare

ju mer effekt typ chorus å breddning och framför allt reverb desto mer fördelar du ut ljudet spritt över hela stereobredden - ett ljud som bara ligger vänster från början kommer smetas ut och upplevas mindre extrempanorerat

särskilt reverb som också flyttar ljudet "bakåt" i ljudbilden

breddningseffekter gör sig bäst på enstaka ljud som gärna är centrerade och känns för smala

chorus kan ju också fylla ut klangen men testa om du kan använda en monochorus om det är det du är ute efter och lägg den som en inserteffekt på det specifika ljudet isf

det är lätt att tro att ju mer stereobreddare och effekter man slänger på desto bredare blir helheten - men det blir som sagt oftast kontraproduktivt

i mina öron är två helt torra monoljudkällor som spelar var sin grej med olika ljudkaraktärer i var sin högtalare bland det bredaste man kan uppnå

Share this post


Link to post
Share on other sites

Tack Demonproducenten för dina svar. Kommer prova de här tipsen när jag gör min nästa skiva.

Även ifall mycket handlar om att experimentera själv är det skönt att ha fått en del redan beprövade idéer så att man inte behöver göra alla misstag själv först. Förhoppningsvis får man ju ett bättre resultat mycket snabbare.

Share this post


Link to post
Share on other sites

Create an account or sign in to comment

You need to be a member in order to leave a comment

Create an account

Sign up for a new account in our community. It's easy!

Register a new account

Sign in

Already have an account? Sign in here.

Sign In Now
Sign in to follow this  

  • Senaste foruminläggen

  • Similar Content

    • By Jon Rinneby
      FREDAGSTIPSET: Det talas ofta om analog värme (ett uttryck jag för övrigt inte är helt överens med) och hur detta smått mytomspunna fenomen kan lyfta dina digitala produktioner till oanade höjer. Men vad betyder det egentligen? Vad är analog värme?

      Kort och gott handlar det om distorsion. Eller rättare sagt de övertoner som bildas när finare analog utrustning, så som preamps och transformatorer, pressas med starkare signaler. Något som i sin tur kan leda till en behagligare ljudupplevelse, då ljudet färgas och personifieras (får karaktär). Starka transienter och diskonttoppar mattas av, kompression kan uppstå, toppen försvagas och botten kanske förstärks en aning. Vad som händer är naturligtvis helt beroende på vilken utrustning du använder. Ibland är målet att inspelningen ska låta som en gammal produktion inspelad på ett dyrt mixerbord, medan det andra gånger kanske handlar om att du vill totalförstöra originalljudet och skita ner inspelningen. När vi talar om analog värme så handlar det alltså om flera olika saker. Men i grund och botten är det bara en positiv förvrängning av originalljudet och svårare än så är det faktiskt inte.
      Vad kan då analog värme göra för just dina inspelningar? Det är det naturligtvis svårt att svara på bara sådär. Men om du tillhör den majoritet som sitter med ett vanligt ljudkort så ”händer” det inte särskilt mycket när du spelar in. Ditt ljudkort färgar/förändrar inte inspelningen, i alla fall inte märkbart. Och ibland är det precis detta du vill uppnå: En så ren återgivning av originalljudet som möjligt. Andra gånger kan detta upplevs som lite tråkigt och sterilt och det är då du plockar fram färglådan i form av rullbandspluggar, mixerbordsemuleringar och preamps.
      Nedan följer några pluggar som kan hjälpa dig att förstöra dina mixar till det bättre!
      Gratis                
      Audio Assault – HeadCrusher               
      Klanghelm – IVGI               
      Shattered Glass Audio – Code Red Free               
      Shattered Glass Audio – SGA1655               
      Softube – Saturation Knob                              
      Variety of Sound – FerricTDS               
      Vlagd/Sound – Molot               
      Voxengo – Tube amp
      Xenium Audio – X-Tube          
      Kostar
      Hornet – Analog Stage
      IK Multimedia – Saturator X
      Kush Audio – UBK-1
      Sknote – Disto
      Slate Digital – Virtual Analog Bundle
      Slate Digital – Virtual Tape Machines
      Sly-fi – Kaya
      Sonimus – Satson och Britson
      Soundtoys – Decapitator
      Soundtoys – Radiator
      U-He – Satin
      Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Eller om du hellre föredrar att diskutera om mixning i avdelningen "Mixning och mastring" på Studios forum här!

      Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du samtliga fredagstips.
    • By Jon Rinneby
      FREDAGSTIPSET: Många gånger mixar vi för att det ska låta så bra som möjligt, vad det nu egentligen innebär. Kanske ska det låta modernt, krispigt och fett? Andra gånger vill vi efterlikna ljudet från förr, det lite rundare, svajigare och murrigare soundet med mer skit under naglarna.

      Med anledning av detta tänkte jag därför kort och gott rekommendera några pluggar som färgar tillvaron lite mer än de vanliga mixerbords- och rullbandsemuleringarna (från Slate och UAD). Mycket nöje!
      Audiothing – Vinylstrip: Distortion, kompressor, bit-chrusher, tilt eq, reverb och vinylizer i ett. 55 Euro.
        D16 – Decimort2: Mer än bara en bit-crusher med varm färgning och slumpmässiga bieffekter från klassiska samplers. 39 Euro.
        iZotope – Vinyl: Damm, repor, svaj och annat oljud, dessutom helt gratis.
        Klanghelm – SDRR: En schweizisk armekniv med massor av trasiga och knasiga ljudmöjligheter. 22 Euro.
        Plug & Mix – Lo-Fi: Digitalt smuts som passar utmärkt till bas, gitarr och rytminstrument. 49 dollar.
        Shattered Glass Audio – Code Red: Rörmixerbord som hämtat inspiration från 60-talet och The Beatles. 50 dollar.
        Sknote – GTS-39: Skitig, lättrattad och karaktäristisk rörkompressor som passar utmärkt på bas, trummor och sång. 30 dollar
        Sly-Fi – Kaya: Resultatet av en gammal Ampex rullbandare som genomgått diverse oväntade modifikationer. Mer ”analogt” än såhär blir det knappast. 79 dollar.
        Tone Projects – Sonitex STX-1260: Pluggen som är vintage i ordets rätta bemärkelse, då den har flera år på nacken. Massvis av roliga och unika möjligheter till ljudkalabalik. 74 dollar.
        Toneboosters – Reelbus: Rullbandsemuleringen som tar det hela ett steg längre och efterapar Studer Revox A77mk4 och en japansk Teac A4300SX på 7,5 IPS. 20 dollar.
        ValhallaDSP – VintageVerb: Tar dig tillbaka till det blomsterprydda 70-talet och det blöta 80-talet. 50 dollar. Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Eller om du hellre föredrar att diskutera om mixning i avdelningen "Mixning och mastring" på Studios forum här!

      Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du samtliga fredagstips.
    • By Jon Rinneby
      FREDAGSTIPSET: Förra veckan skrev jag tipset 13 saker jag önskade att jag visste från början av min karriär som musikproducent. Idag ställer jag in siktet på det absolut viktigaste verktyget, efter volym och panorering, nämligen equalizern.

      Principen är enkel: Reparera genom att skära, förbättra genom att boosta. Kort och gott handlar det om att plocka bort oönskade frekvenser för att skapa plats i din mix och i vissa fall förbättra och förstärka karaktären hos dina instrument. Inget nytt under solen här. Men trots dess enkla funktion är equalizern inget som avhandlas i en handvändning. Dagens inlägg kommer därför inte vara heltäckande på något sätt, utan är mer en påminnelse om att våga testa lite nya vägar.
      Börja med grupperna
      Genom att jobba med grupperna först, exempelvis trummor och gitarrer, så ställer du ett slags grundljud, vilket i sin tur ofta leder till att du behöver pilla mindre på de individuella kanalerna. I förläggningen innebär detta arbetssätt att fokus läggs på helheten, trummorna som ett instrument, än dess individuella delar. Körer är ett annat exempel som också mår bra av detta.
      Bilden visar eq-inställningar för hela trumgruppen, innan skruvande på individuella kanaler.
      Högpassfilter i kombination med ett resonansfiler
      Tanken med detta arbetssätt är att rensa upp i botten, eller rättare sagt att feta till botten utan att det blir grötigt. Principen är att du boostar samma frekvensen du skär bort. Gratispluggen Bark of dog hjälper dig med detta, men det fungerar lika bra med vilken equalzer som helt (se bild). Mycket användbart!
      Bilden visar ett högpassfilter vid 80Hz och en boost vid samma frekvens.
      Hög- och lögpassfilter i kombination med hyllfilter
      Det är inte ovanligt att det låter lite kallt och sterilt om du skär för långt upp med ett högpassfilter, exempelvis allt under 100-200Hz på leadsång. Då kan det vara en god idé att skära lite längre ner för att sedan styra resten med ett hyllfilter. Resultatet blir ofta mer kontrollerat och dessutom välljudande.
      Bilden visar ett högpassfilter vid 60Hz och ett hyllfilter vid 100Hz.
      Förstärk så lite som möjligt
      Det finns en gammal oskriven regel som lyder något i stil med: Skär först, boosta sen (läs gärna om subtractive vs additive EQ) . Den regeln kan du ta med en nypa salt. Vad som är viktigt att känna till är att ju mer du boostar, ju mer brus och annat (högfrekvent) oljud förstärks. Detta blir naturligtvis ett ännu större problem ju fler kanaler du jobbar med, speciellt med dagens inspelningsteknik som fångar upp minsta detalj i 24-bitar. Och det är just detta som gör att musik ibland blir svårlyssnad och tröttsam. Självklart ska du inte vara rädd för att förstärka vissa element i din mix, detta är en nödvändighet, men tänk dig gärna för en extra gång innan du boostar det där överhänget, eller drar på mer luft på leadsången. Detta leder oss osökt in på dagens sista punkt.
      Tänk efter
      Vilka instrument finns i mixen? Vilka frekvenser är viktiga för respektive instrument? Vilka frekvenser ockuperar de? Vissa instrument kanske inte ens behöver justeras? Som nybörjare, eller alla för den delen, kan det ibland vara en god idé att rita upp en frekvenskarta där du delar in baskagge, bas, gitarr, sång osv från lägsta till högsta frekvens. Om du bestämt dig för att bastrumman ska låta tjock och fet, ja då får övriga instrument anpassa sig efter detta, inte tvärt om. Om du redan från början bestämmer dig för vilka instrument som ska vara lågfrekventa och basrika, mellanregisterbetonade respektive diskantrika, så är mycket vunnet. Detta arbetssätt passar naturligtvis inte alla, men kan vara väl värt ett försök om du vill prova något nytt.
      Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Eller om du hellre föredrar att diskutera om mixning i avdelningen "Mixning och mastring" på Studios forum här!

      Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du samtliga fredagstips.
    • By mackee
      Tjena! Jag har lekt runt lite i fl studio nu ett tag och har kollat på diverse tutorials på youtube om hur man går till väga för att göra klart en hel låt. Har nu efter mycket om och men lyckats pussla ihop något som i mina öron låter helt ok  Men eftersom jag är nybörjare litar jag inte på mina kunskaper till 100% haha, därför skulle jag bli sjukt glad om jag kunde få lite kritik och feedback på mitt projekt. Genren är lite oklar men jag har försökt sikta in mig på progressive house och vanlig house. Om ni skulle hitta något som ni tycker behövs ändras i projektet, typ vad som helst, skulle det vara grymt skysst! Det skulle även vara najs om ni kunde ge mig allmänna tips kring proddandet så att jag vet vad jag ska förbättra till nästa gång!
      Mvh
      Gal1.mp3
    • By Jon Rinneby
      FREDAGSTIPSET: Idag tänkte jag berätta hur jag jobbar med mina mixar för att få dem att kännas lite mer levande, med mer djup, bredd och bättre separation.

      Som du säkert vet finns det en uppsjö mixerbordsemuleringar, rullbandspluggar och andra analoga efterapningar som kan hjälpa dig med detta. Själv förespråkar jag som alltid enkelhet och har därför snöat in på Airwindows, som nu äntligen blivit VST och Windows-vänligt och dessutom helt gratis. Pluggarna är sedan tidigare kompatibla med Mac. Mitt koncept är enkelt och kräver egentligen väldigt lite av dig som mixare, även om det kan sno en del dyrbar tid om du jobbar med många kanaler. Men det är helt klart värt mödan enligt mig. Kom ihåg att detta bara är ett sätt att arbeta på och att du, precis som jag gjort, gör rätt i att våga experimentera och testa nya saker.
      Pluggarna vi ska använda är Hornet VU Meter MK4, Channel4 och Console4.
      Hornet VU Meter MK3 är en VU-mätare med automatisk volymjustering, vilket är väldigt användbart för att ställa en lagom nivå för samtliga kanaler innan mix. Channel4 emulerar tre populära mixerbordskanaler: Neve som färgar mest, API lite mindre och slutligen SSL som färgar minst. Enkelt uttryckt skulle man kunna säga att Neve är varmast i sin karaktär då denna tydligast kapar diskanten med ett slags högpass-filter, tätt följt av API och SSL. Console4 består av två pluggar och emulerar in- och output från ett namnlöst mixerbord och kompletterar på så vis Channel4. Nog med tekniskt dravel. Nu kör vi!
      Det är viktigt att du startar med ett tomt projekt utan några som helst pluggar. Detta för att få ut så mycket som möjligt av mitt arbetssätt. Att slänga på ovanstående pluggar i efterhand i ett redan färdigt projekt är inte att rekommendera, eftersom du förmodligen skulle tagit helt andra mixbeslut om emuleringspluggarna var med från början.
      1. Börja med att lägga Hornet VU Meter MK3 först på alla kanaler. Klicka i Auto på samtliga och spela upp projektet från början till slut med kanalerna nollställda. När detta är klart kommer Auto automatiskt att bockas av, vilket betyder att pluggen ställt in förbestämd nivå för alla kanaler. I detta fall en RMS på -18dB med en max peak -6dB. Vad detta i praktiken innebär är att dina instrument nu har en lagom nivå för mixning och att du inte riskerar att överbelasta masterregeln, eller styra över känsliga pluggar.
      Bilden visar Hornet VU på virveln efter den automatiska volymkompenseringen -4.2dB.
      2. Nästa steg blir att slänga på Channel4. Personligen föredrar jag ljudet av API som känns sådär lagom färgat. Men pröva dig gärna fram då varje låt är unik. Vidare gillar jag att dra upp drive till 100% för maximal emuleringeffekt, men även detta är så klart smaksak.
      Bilden visar Channel4 med emuleringen API och 100% drive.
      3. Fortsätt sedan med Console4. Här finns inget att ställa in, bara ”set and forget”. Underbart. Det enda Trim gör är att ställa volymen, låt den för enkelhetens skull stå i sitt ursprungsläge.
      Bilden visar Console4 för alla kanaler som ligger sist i kedjan.
      4. På masterregelns första plats placerar du slutligen Console4Buss som ser till att samtliga kanaler summeras genom denna, istället för inspelningsprogrammet. Mycket av bredden och separationen kommer just härifrån, förutsatt att du gjort steg 1-3 såklart.
      Bilden visar Console4Buss på masterregeln som summerar samtliga kanaler.
      5. Men sen då? Hur gör du med equalizer, kompressor och alla andra favoritpluggar? Jo, dessa placerar du mellan Channel4 och Console4 och mixar på som vanligt. Och svårare än så är det faktiskt inte. Nu har du skapat ditt eget virtuella mixerbord, som i mina öron låter betydligt trevligare än att bara mixa direkt i inspelningsprogrammet.
      6. Klart!
      Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Eller om du hellre föredrar att diskutera om mixning i avdelningen "Mixning och mastring" på Studios forum här!

      Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du samtliga fredagstips.
  • Veckans populäraste ämnen

  • Senaste låtarna

  • mixakuten_ingang.jpgMIXAKUTEN
    Som medlem får du kostnadsfri hjälp med mixning eller mastring av din låt.
    Läs mer >

  • Utvalda pressmeddelanden

×
×
  • Create New...

Important Information

We have placed cookies on your device to help make this website better. You can adjust your cookie settings, otherwise we'll assume you're okay to continue.