Jump to content

Bygga upp låtar – var börjar man när man saknar inspiration?


Atla Daga

1,720 views

Bygga upp låtar – var börjar man när man saknar inspiration?

Jag får ofta frågan hur jag bygger upp en låt, kanske för att mina låtar är lite annorlunda? Jag vet ej! Jag tror kanske att många lätt fastnar i en mall om hur deras låtar bör låta. Släpp det, och släpp alla oskrivna regler vad gäller refräng, vers osv. Hur känner du dig just idag? Passar ett mjukt ljud, eller är du lite arg? 

Lite idéer från mig:

1. Börja helt planlöst. Tänk inte ”hel låt” när du börjar. Det är lätt att fastna om man från början har en bild av hur låten ska vara uppbyggd. 

2. Starta med något ljud som känns som du för dagen, kanske med någon ljudeffekt, eller motsvarande. Lägg in ljudet i ditt DAW.

3. Vilket ljud passar efter det? Spela in ljud tills du hittar det ljud som kan passa efter starten. Kanske lägger du även till något där i början? Starten är oftast viktigast. När du har den, är det lättare att skapa en fortsättning.

4. Bygg upp låten steg för steg. Fyll på med ljud där det ”saknas”. Jag brukar använda ljudeffekter till mina låtar. Det finns mängder med sajter som har fria ljudeffekter för nedladdning. 

5. När man gör en låtstruktur, behöver man inte tänka på att allt hamnar i tempo. Sådant kan man ordna senare. Ju kreativare du är, desto roligare kommer det vara att göra din unika låt.

6. Prova inställningar som du inte brukar använda, kanske reverb på trummorna. Eko? Vänd på inspelningar, ändra takt, använd röst plugins på instrument, eller tvärtom? Använd de pluggar du har, och testa vad du faktiskt kan göra med dem, eller ladda ner nya galna plugins, och prova dig fram.

7. Använd samplers för att få helt oväntade ljud. Lägg in vad som helst och se vad som händer.

8. Loopa ljudeffekter till helt oväntade rytmer. Lägg ihop flera sådana loopar, och få ett ännu mer unikt ljud.

9. Kopiera MIDI-filer och lägg dem på olika spår med olika presets. 

10. Konvertera loopar till MIDI-filer, och prova olika instrument-presets på dem. Plocka bort de delar som inte passar. Flytta runt MIDI-sekvenserna. 

11. Prova helt nya stilar.

12. Använd ljud du vanligen aldrig skulle ha valt. 

13. Lek dig fram genom låten, som om det bara vore din känsla med toner.

När du har alla ljud som är dina, då kan du sätta dig ner och rätta till avsnitt som är felplacerade, men det brukar vara så att den första känslan faktiskt är den bästa, oavsett fel, så glöm inte att spara allt med jämna mellanrum. Kanske kommer du faktiskt på att du redan hade låten några steg tidigare.

Sidor med gratis ljudeffekter:
http://bbcsfx.acropolis.org.uk/

https://freesound.org/browse/

http://soundbible.com/free-sound-effects-1.html

https://www.premiumbeat.com/blog/280-free-sound-effects/

Gratis plugins, för lite annorlunda ljud:

http://routenote.com/blog/10-weird-and-wonderful-free-vst-plugins/

https://blog.landr.com/8-free-vst-plugins-inspire/

https://www.musictech.net/guides/buyers-guide/6-unusual-plugins/

https://blog.waproduction.com/top-10-unique-vsts

Nedan två låtar som exempel:

I den första har jag vänt rösten baklänges, och gjort en kör av en inspelad folkvisa, som jag har vänt baklänges och sedan stretchat. 

https://open.spotify.com/album/5LObSM5aP7mkHVa2ScZywu?si=XWHVP0PWRgW-Vjn9JdkFKQ

I låt nummer två finns det nästan bara ljudeffekter, samt ljud inlagda i en sampler. Sedan har jag adderat en plugin som gör att ljudet cirkulerar 360 grader åt olika håll på varje stemspår.

Brauer Motion, Waves.
https://www.waves.com/plugins/brauer-motion?gclid=EAIaIQobChMI5c2kipaB6wIVA5OyCh31UQxrEAAYASAAEgKCIfD_BwE

Ljudens rotation hörs bäst med hörlurar.

Du finner mig även här:
 
©atladaga
  • Gilla 2

0 Comments


Recommended Comments

There are no comments to display.

Create an account or sign in to comment

You need to be a member in order to leave a comment

Create an account

Sign up for a new account in our community. It's easy!

Register a new account

Sign in

Already have an account? Sign in here.

Sign In Now
  • Similar Content

    • By Lotta Fahlén
      Hanna Järver
      Hanna Järver är artist, låtskrivare och producent som tagit den svenska popscenen med storm med sina poetiska och allegoriska låttexter. Förra året släpptes album nummer två – tusen täta lögner in – och nu är hon för tredje gången nominerad i kategorin Årets Pop på P3 Guld.  

      Vill du berätta hur albumet tusen täta lögner in kom till? 
      – Jag skrev albumet under ungefär ett års tid, parallellt med att jag byggde en studio. Det var en väldigt speciell period när det hände mycket i mitt liv. Skivan är präglad av höga toppar och djupa dalar.

      I en intervju läste jag att till skillnad från många andra artister som ser låttexter som ett nödvändigt ont, så är texten för dig snarare kärnan. Brukar dina låtar skapas efter textideér? 
      – När jag kommer till studion har jag oftast redan med mig en massa text. Jag gör ackord eller någon “bakgrund” utifrån en känsla jag har, som jag sedan skriver melodi och text till. Jag vill oftast ha så mycket utav låten klar som möjligt innan jag börjar fokusera  mer på sound och produktion.

      Hur går det till när du skriver texter? 
      – Jag ägnar väldigt mycket tid åt att skriva text. Jag tycker det är svårt att göra det i studion och vill oftast sitta någon annanstans eller åka någonstans. Gå ut och gå brukar också kunna funka. För varje låt jag gör brukar jag skriva flera sidor text. Sen stryker jag och plockar fragment utav det jag har när jag börjat göra musik och melodi. Att byta plats när jag skriver brukar vara bra för mig, det känns som att nya associationer och ord kommer till en. Som att hjärnan öppnar sig. Även om text är väldigt centralt i min musik är det alltid svårt att skriva.
      Hanna Järver
      Har du några tricks du tar till när du kör fast? 
      – Att ta paus och göra något annat en stund brukar kunna vara bra. Gå ut och gå och rensa skallen lite. Eller bara lägga låten åt sidan och börja på nåt nytt.

      Finns det några låtskrivare, författare eller poeter som du influerats av? 
      – När jag började skriva på svenska lyssnade jag mycket på [ingenting] och Jonathan Johansson. Jag läste också en del poesi, bland annat Bruno K Öijer, under den perioden. Nu lyssnar jag nog mer på musik på engelska och kan bli inspirerad av det också.

      Du har även regisserat musikvideos till tre av låtarna på albumet, är det visuella uttrycket en viktig del av tusen täta lögner in? 
      – Det är inte som att video-trilogin behövs för att förstå skivan, den blev snarare som en slags förlängning av den. Lite blodigare och galnare. Det var sent på en halloween-fest för ett år sen som jag kom på att den estetiken skulle passa skivan utmärkt. Jag var lite sugen på att gå åt splatter-hållet ett tag, men det kändes lite knepigt att få till. Men hoppas kunna göra det nån gång!

      Musikvideor på Youtube:

      helvete

      min bästa vän

      a p o c a l y p s e

      Hanna Järver på Instagram
      Nomineringar P3 Guld

      Måndagsintervjun är en serie där @Lotta Fahlen intervjuar intressanta personer om olika ämnen inom musikskapande, och publiceras varannan måndag.
    • By Eva Hillered
      Fördelen med sångutveckling för låtskrivare
      Efter som melodiskapande är så otroligt centralt i alla former av låtskrivande blir du lätt begränsad i denna förmåga när din röst är begränsad. Rösten har du i kroppen som alltid är med dig. Har du ett aktivt fritt flödande melodiskapande som din röst lätt kan spegla så kommer dina röstmemon på telefonen bli fyllda av melodihookar som du kan fånga enkelt var du är – vilken tid på dygnet det än händer. När du har utvecklat din sångröst så att den kan sjunga det du ”tänker” har du en enorm tillgång som låtskrivare. Du får dessutom fler färger på din tonpalett och du kan variera dina uttryck. Och skapar du digital musik är rösten ett fantastiskt redskap att använda – även som ett instrument. Du kan förvandla din sångröst till egensinniga små melodihookar som låter som en distad elgitarr utan att ens ta fram gitarren.
      All sångutveckling tar tid och de flesta som sjunger på en professionell nivå har säkert ägnat minst tio tusen timmar, kanske uppåt femtio tusen, på sång. Men med tillgång till en bra metod behöver du inte satsa femtio tusen timmar för att bli bra – jag lovar!
      Man kan dessutom lära sig att öva på ett kreativt och roligt sätt och även använda andningen och träna stödmuskulaturen som ett sätt att bli fokuserad och närvarande och att släppa på spänningar. Bra sångträning är världens bästa mindfulness-träning.
      Att förstå mer exakt vad du behöver är ett sätt att snabbare nå resultat. Många säger bara att de ”vill bli bra på att sjunga” – men de vet inte på vilket sätt de vill bli bra. Det är ungefär samma sak som att längta till en plats – men inte riktigt veta var denna underbara plats finns. Du sätter dig i bilen och kör planlöst. Om du har tur kanske du kan råka hitta stället, men vet du vad orten heter kan du ta dig dit – även om det kan bli en lång resa.
      Sångmetoden som kan lyfta din förmåga
      Sångteknik - uttryck - säkerhet/mental träning
      1. Sångtekniken är en grund. Självklart behöver du en sorts ”lägstanivå” för att kunna attrahera människor med din sång och för att kunna bli fri i din röst. Du behöver kunna sjunga rent, träffa toner utan besvär och du behöver ha tillgång till ett någorlunda stort register. Nästan alla kan förbättra sin sång 40–80 % bara genom att förstå hur deras rätt komplexa stödmuskulatur fungerar. Stödet är som gaspedalen i bilen, det styr din förmåga att träffa toner, sjunga starkt och svagt. Den sångteknik jag lär ut är sådan att du övar på ett sätt som skapar kroppsminnen så att du inte behöver stå och tänka på sångteknik när du sjunger. Du över tills kroppen ”kan”.
      Det är viktigt att du separerar sångtekniken från framförandet. I stunden när du ska förmedla något med din röst till andra människor måste du kunna släppa tanken på teknik för att gå in i uttrycket till hundra procent. Du behöver komma till en punkt där kroppen vet hur den ska göra, och bara gör detta automatiskt. Hur melodin går, tonsprången som är svåra, vilken röstklang du vill använda, allt sådant behöver du träna på tills det sitter som ett kroppsminne. Detta gör du genom att upprepa till exempel samma tonsprång om och om igen. Att det sångtekniska fungerar utan problem är lika självklart om du ska förmedla en sång proffsigt som att du kan texten utantill.
      2. Vikten av hängivelse och ett uttryck. Många fantastiska artister är egentligen inte ”stora” sångare med fulländad röstbehärskning. Men de har sjungit sig till sin förmåga och de lyckas förmedla känslor och stämningar oavsett teknisk nivå. Om du endast fokuserar på sångteknik hamnar uttrycket lätt i bakgrunden. Är du dessutom perfektionist så finns det alltid något du kan bli bättre på. Vill du beröra människor med din sång, vill du ha väldigt roligt och kunna njuta av din egen sång när du sjunger, då är hängivelse och uttryck precis lika viktigt som sångteknik.
      3. Säkerhet/mental träning. Det primära är ju att du lägger ner tid på ditt sjungande. Utveckling tar tid. Men om du har en tydlig, lättförståelig metodik som hjälper dig att träna din sång på alla de tre områdena på ett både smart och roligt sätt, så går din utveckling mycket snabbare. Som jag har förklarat tidigare kommer vi inte förbi våra åsikter om oss själva som sångare.
      Ditt nervsystem signalerar fara när du ger dig ut på okända vatten, det skapar spänningar och nervositet som kan påverka din sång negativt, när det finns en negativ självbild. Rösten speglar alltid ditt fysiska och ditt psykiska tillstånd.
      I den metod jag lär ut ingår det att du steg för steg bygger upp en positiv identitet som sångare. Målet är att du ska njuta och känna dig stolt över dig själv och din sång när du sjunger. Väldigt många människor känner sig blyga och generade när de ska sjunga för andra. Men detta är något som går att träna bort.

      Om artikeln
      Artikeln är ett utdrag ur kapitel 9 i boken Lathund för låtskrivare av författarinnan och musikern Eva Hillered. Eva har skrivit ett flertal uppskattade artiklar för Studio. Hennes bok kan köpas i sin helhet här nedan, i en helt ny uppdaterad upplaga.


      Om artikelförfattaren
      Eva Hillered är en Grammis­nominerad artist/låtskrivare/pedagog och författare till boken Lathund för låtskrivare (Prisma/ Norstedts). www.evahillered.se
    • By Eva Hillered
      Nätverkande och samarbeten kan vara det viktigaste i din marknadsföring. Bild: Gerd Altmann, Pixabay
      Idag har vi större möjligheter än någonsin att nå ut till en publik. Det finns tusen sätt via nätet att knyta an och påverka. I en forskningsstudie som heter ”Connected: How Your Friends’, Friends’ Friends Are Influencing Everything That You Think, Feel and Do” säger författaren att den genomsnittliga personen påverkar 1000 andra människor utan att ens inse det.
      Och du som är artist och låtskrivare har ännu större möjligheter att påverka, eftersom det du bidrar med – musik – är något som 90 procent av alla människor tycker om. Dessutom kan du surfa på större vågor eller strömningar som är aktuella i vår tid. När du ser trender i tiden som du gärna solidariserar dig med – till exempel miljö eller jämlikhet på olika plan – eller om du längtar efter att bidra till en bättre värld, då kan du med fördel skriva en låt som handlar om detta. Genom den sången har du en förmåga att locka till dig en större skara människor, om budskapet är tydligt, trovärdigt och formulerat på ditt unika sätt. Det ökar dina chanser att nå ut och nå fram med din musik, jämfört med om du bara hade riktat dig till anhängare av en viss genre.
      Involvera gärna dina fans i din process som artist, när du är på turné, står på scenen eller befinner dig i en studio. När jag för några år sedan skulle göra en platta gjorde jag mina fans delaktiga genom att de fick vara med och lyssna och välja ut vilka låtar som jag skulle ha med på albumet. Jag hade verkligen långt fler låtar som jag älskade än vad som fick plats på albumet, jag hade genuint svårt att välja. Responsen jag fick var väldigt fin och engagerad, och den låt de allra flesta tyckte om blev följdriktigt den som också blev mest spelad på radio – speciellt i Danmark.
      Musikbransch i ständig förändring
      Det har varit otroligt stora skiften i musikmarknaden på kort tid. Förändringarna innebär både goda och dåliga nyheter för dig som vill sprida din musik till andra, i mindre eller större skala.
      Olika typer av samarbeten är ofta en förutsättning för att du ska kunna ge din musik en rimlig chans och bli hörd. Utgå ifrån det samarbete som skulle kännas allra bäst för dig, det som ger dig mest glädje och energi (kanske lite pirr i magen också!) och börja kontakta dessa personer. Bifoga någon av dina allra bästa inspelningar som du lätt kan presentera digitalt.
      Du kan välja att försöka få samarbete med etablerade bolag av olika slag, eller så gör du mycket själv och väljer att samarbeta i kortare projekt runt till exempel marknadsföring. Talangjakten från skivbolagen ser helt annorlunda ut än för några år sedan. Eftersom vem som helst synas och höras på nätet signar skivbolagen oftast just de artister som redan har skapat ett eget sound och dem som har en stor publik och följare. Artister som på något sätt sätter avtryck med sin musik på nätet. Ju fler du når ut till, desto bättre chanser har du att få skivbolagen intresserade. Alltså har vi alla i det avseendet mycket bättre chanser än tidigare, om vi är beredda att aktivt skapa vårt egen image och börja rikta oss utåt på olika sätt med vår musik.
      Det finns enormt många resurser för musikskapare idag, och det har aldrig varit lättare att själv spela in sin musik och ge ut den. Du behöver inte heller göra allt själv. Vad är du bra på? Vad är din styrka? Vad skulle kunna bli ännu bättre om du samarbetade?
      Tips och från två aktörer i musikbranschen
      Jag har samtalat med två bolag i branschen, Clap Your Hands (CYH) och Birds Will Sing For You (BWSFY), som jag själv har haft positiva erfarenheter av.
      Vilka fördelar/nackdelar har oberoende artister i vår digitala tidsålder jämfört med tidigare?
      CYH: Den allra största fördelen för en independentartist är att det är superenkelt att ge ut musik idag. En release är bara några knapptryck bort. Du kan själv planera ditt releaseschema som det passar dig, utan att behöva vänta på att ett skivbolag skall tycka att tiden är lämplig att ge ut din musik.
      Den allra största nackdelen för en independentartist är att det är superenkelt att ge ut musik idag. Det ges ut tusentals nya låtar varje dag, av varierande kvalitet. Det blir oerhört svårt att ”skilja agnarna från vetet”. Gör du musik vill du såklart att den ska få uppmärksamhet. Det är ganska lätt att sprida den om man tar sig lite tid, men det är inte alltid att rätt musik hamnar i rätt mediahänder. Medierna översköljs av musik och det blir svårt att gallra och tiden finns inte riktigt att lyssna på allt. Musik har inte längre samma attraktionsvärde hos medierna som tidigare.
      Signade artister har idag kortare tid på sig att bevisa sin duglighet. I tider när majorbolagen mer och mer övergår till att ge ut musik enbart digitalt krävs att man ganska omgående levererar streams. Fördelen är att bolagen är ordentligt vässade i att jobba ut musik online, och jobbar på för att låtar ska streama. Men det kan också innebära att man snabbt kan halka efter i prioriteringsordningen, och till och med bli droppad om musiken inte streamar.
      BWSFY: Fördelarna är många – du kan forma din egen karriär, du kan göra mer på egen hand, du behöver inte vänta på någons godkännande. Nackdelarna är att de lättillgängliga distributionskanalerna gör att det släpps otroligt mycket mer musik än tidigare. Positivt ur ett konstnärligt perspektiv, men mycket svårt att nå ut genom bruset.
      Vad krävs idag för en okänd artist ska ha en möjlighet att nå ut till en stor publik med sin musik?
      CYH: Väldigt kortfattat skulle jag säga att det ”enda” som behövs är god planering och en stor portion uthållighet. Det är A och O.
      BWSFY: Långsiktighet. Att våga tänka 3 eller 5 år framåt i sin interna planering. Att jobba på fler ben parallellt – live, studio, sociala medier, press, visuellt material.

      Om artikeln
      Artikeln är ett utdrag ur kapitel 12 i boken Lathund för låtskrivare av författarinnan och musikern Eva Hillered. Eva har skrivit ett flertal uppskattade artiklar för Studio. Hennes bok kan köpas i sin helhet här nedan, i en helt ny upplaga.


      Om artikelförfattaren
      Eva Hillered är en Grammis­nominerad artist/låtskrivare/pedagog och författare till boken Lathund för låtskrivare (Prisma/ Norstedts). www.evahillered.se
    • By Eva Hillered
      Kap 11

      Melissa Horn. Pressbild, Creative Commons
      Skriva låtar inifrån-ut, eller utifrån-in?
      Själv skriver jag främst låtar enligt metoden ”inifrån–ut” – det vill säga mina tankar, upplevelser och känslor ger upphov till låtidéerna. Andra behöver stimulans och impulser utifrån för att låtskrivandet ska ta fart – det jag kallar “utifrån–in”.
      Det vanligaste är att man skriver på båda dessa sätt, men är mer trygg med en metod som en sorts bas för sitt låtskrivande. Det ena är inte finare eller bättre än det andra, man behöver inte välja – riktigt bra låtar innehåller oftast moment av både–och.
      Prova båda perspektiven för att utvecklas!
      Om du vill utvecklas som låtskrivare kan du med fördel prova den utgångspunkt som du har jobbat minst utifrån. Till exempel är det vanligt att musiker och producenter utgår från ett groove, en ackordsföljd eller ett häftiga sound som grund för en låt. Eller att man kopierar ackord, loopar, tempo och teman från andra sånger, man klistrar och klipper med loopar, ljud och små melodislingor.
      För en person som blivit bra på det här sättet att skapa kan sångtext vara ett svårare kapitel, och ännu svårare kan det vara att börja lyssna inåt efter en djupare röst och ge ord åt den. Men den som är envis och fortsätter upptäcker ofta att låtarna blir bättre, mer angelägna och mer berörande, när han adderar den egna upplevelsen. Som lyssnare märker man om sången innehåller mer än bara klyschor och banaliteter.
      På samma sätt kan en vanligen inåtskådande låtskrivare tendera att fastna i ett visst tema, så att hon skriver samma låt om och om igen. När man har hållit på ett tag kan man på så sätt också tröttna lite på sitt eget tonspråk, kanske även sina egna teman – som man tenderar att upprepa. Då kan det vara utvecklande att våga öppna sig för impulser utifrån, genom till exempel en co-write.
      Modet att följa sin egen röst
      Många skulle nog säga att Eva Hillered är en typisk ”inifrån–ut”-låtskrivare, men jag har utvecklats massor genom co-writes, och av att testa andra verktyg när jag känt mig oinspirerad eller blivit missnöjd med resultatet. Co-writes med internationella artister har också utvecklat mina engelska texter.
      För mig är det avgörande att jag hela tiden växer som låtskrivare. Att börja arbeta som producent, och själv jobba fram hela ljudbilden runt en låt, är också ett helt annat sätt att skriva än hur jag tidigare gjort. Just nu är det precis det jag behöver för att komma vidare. Jag blir lätt uttråkad av att ständigt skriva samma låt om och om igen eftersom jag hållit på så länge.
      Vad är min sång värd för andra?
      För mig kan det ta en väldigt lång tid att veta om det jag skrivit verkligen är något som håller i längden, och om jag vill framföra sången för en publik eller spela in den. Jag behöver tid för att avgöra. Det är fantastiskt ibland att upptäcka att det jag skrev för länge sedan, och som jag själv då kunde känna mig småkritisk till, idag fortfarande kan kännas som en aktuell och berörande låt och att jag nu känner mig stolt över det jag gjorde för länge sedan. Med lite distans är det ofta lättare att kunna avgöra värdet av det man skapat.
      Jag kontaktar två andra kvinnliga artister i olika faser av sitt professionella arbete som låtskrivare och artister: Melissa Horn och Rhys. Båda är framgångsrika, de har lyckats nå ut till en stor publik. Jag frågar dem om de någonsin har tvekat på om det de skriver har ett värde.
      MELISSA: ”Absolut. Det gör jag från och till hela tiden. Och det är svårt, för det finns ju inget facit på det och det går inte att få en input från någon som säger – jo, men du har säkert hjälpt någon med den där låten. Så långt kan inte jag se det. Men precis lika viktigt för mig som det är att ha nära vänner som jag samtalar med om viktiga saker – så tycker jag också att jag måste samtala med mig själv om viktiga saker. Och det är det jag får göra när jag skriver låtar. Och jag tänker att skulle jag stänga ned musiken, då kanske det skulle påverka mig som medmänniska, och hur jag är mot andra människor. Så låtskrivandet blir ett sätt för mig att stå upp för att sanning, djup och allvar är viktigt.”

      Rhys. Foto: Jannick Boerlum, pressbild
      RHYS: ”Ibland undrar jag verkligen, är jag så bra? Det kanske bara är att folk lyckas lura mig? Det finns alltid som en konstig rädsla i bakhuvudet. Det är ju olika delar i att vara artist också. Att skriva låtar är en sak, och sedan är det att uppträda med låten i radio eller på TV. Då känns det ju som att man måste bevisa för sig själv att man är tillräckligt bra. Så att andra tänker att man har en plats. Jag har tänkt jättemycket på sånt – ”tänk om jag är sämst.” Jag har frågat mina kompisar många gånger: är jag sämst hörni, var ärliga nu!”

      Om artikeln
      Artikeln är ett utdrag ur kapitel 11 i boken Lathund för låtskrivare av författarinnan och musikern Eva Hillered. Eva har skrivit ett flertal uppskattade artiklar för Studio. Hennes bok kan köpas i sin helhet här nedan, i en helt ny upplaga.


      Om artikelförfattaren
      Eva Hillered är en Grammis­nominerad artist/låtskrivare/pedagog och författare till boken Lathund för låtskrivare (Prisma/ Norstedts). www.evahillered.se
    • By Studio
      1. Nyckeln till en Top Line
      Top lining är att göra en text och melodi till en redan färdig musikbakgrund. Det är ett mycket vanligt sätta att skriva låtar. Låten Still Alive, från videospelet Mirror’s Edge, är ett exempel. Top line är skriven av Lisa Miskovsky.
      Om du skall göra en top line blir arbetet lättare om du gör saker i rätt ordning:
      Känn efter var någonstans i låten melodin får mest energi. Formen och arret kommer att avgöra det. På det här stället kommer texten att bli mest uppmärksammad av den som lyssnar. Här ställs det krav på texten! Den ska bära hela låten och göra textens koncept tydligt. Det är därför det är så viktigt att börja på det här stället!
        Strunta för tillfället vad låten ska handla om. Ägna dig bara att hitta en enda textrad, vi kallar det en nyckelfras. En nyckelfras har alla kvalitéer som krävs – gå på magkänslan!
         Låt nyckelfrasen tala om för dig vad låten handlar om och gör färdigt resten av din top line. Nu har du löst det tuffaste problemet och har bra kreativt flow! 2. Energi till Refrängen
      Se till att formdelarna i din låt kontrasterar varandra. Det ger låten dynamik, hjälper till att göra låtens form tydlig och gör det möjligt att skapa förväntningar.
      En av de mest kraftfulla verktygen du har är hur du placerar sången i tonhöjd. Sången får nästan alltid mest uppmärksamhet i lyssnandet och styr därför det totala intrycket mer än något annat i mixen.
      En vanligt mönster är att använda lägre tonhöjder i versar än i refränger – att flytta sångens “medelläge” i tonhöjd mellan dessa formdelar. Ett tydligt exempel finns i låten Sulk, av Radiohead. Här flyttas sången upp en oktav (åtta hela tonsteg) när refrängen kommer. I Dancing on My Own, av Robyn är skillnaden en kvint (fem hela tonsteg).
      Har du skrivit en låt där refrängen inte går igång? Om det är för lite skillnad i medeltonhöjd mellan vers och refräng kan du använda ett tonartsbyte. Inte vilket tonartsbyte som helst, förstås. Mest användbart brukar vara att gå ett hopp mot- eller medsols i kvintcirkeln. Det ger ett okomplicerat förhållande mellan tonarterna. Själva tonartsbytet märks ganska lite, däremot har det en tydlig effekt på melodin som åker upp en kvart (motsols) eller en kvint (medsols).
      Vilken känsla får ett sådant tonartsbyte, om vi tänker på ackorden? Ett exempel finns i låten Push, av Sarah McLachlan. Den börjar i tonarten Ess och byter till Bess i refrängen – ett medsols hopp i kvintcirkeln.
      3. Den mystiska kopplingen
      Det finns ingen lag som säger att text i versar måste avhandla samma ämne som text i refränger. Försök medvetet att innehållsmässigt hålla isär versar från refränger om du vill skapa spänning. Texten kommer engagera dina lyssnare, som vill förstå vad den handlar om. Att söka efter mönster, ordning och mening är ett grundläggande behov hos oss människor.
      Låt din text använda vanligt begripligt språk och var tydlig med vad de olika formdelarna berättar om  – men håll isär ämnen, bilder, berättelser. Det kommer skapa en känsla av att du vill få något sagt som du inte säger uttryckligen. Det kommer skapa mystik.
      4. Förnya ditt melodiskapande – det enklaste tricket
      Att använda rösten när du skriver melodier är ett bra sätt att arbeta som vi rekommenderar, men rösten kan också ha en tendens att styra dina melodier på särskilda sätt, vilket kan göra dina låtar likartade.
      Om du känner att du upprepar dig i ditt låtskrivande ska du fundera på om du ofta använder dig av samma tonarter. Om du håller till i en tonart du vanligtvis inte besöker kommer din röst att arbeta på ett något annorlunda sätt. Det beror på att ackord- och meloditonerna får nya funktioner. Du flyttar musikens centralton, men röstens register kan du inte flytta. Ett tonläge (en viss ton) som känns bekvämt, kan i en tonart ha en vilande karaktär medan samma ton i en annan tonart kan vara en ledton (som gärna vill röra sig åt ett visst håll i nästa ackordbyte). Byt tonart ofta när du skriver låtar!
      5. Ett trick för snygga enkla demos
      Såhär gör du för att spela in en snygg demo med gitarr och sång på enklast möjliga sätt: Spela in två spår med gitarr, men använd ett capo på den ena tagningen. Sätt capot på ett band en bra bit upp, tex. på sjätte band. De två gitarrerna kommer att komplettera varandra sound-mässigt och capot kommer ge dig fler idéer till snygga färgningar.
      Artikel av Johan Wåhlander och Jan Sparby, författare till boken Songwriting: Get Your Black Belt in Music & Lyrics.
  • Blog Entries

  • Bloggar

×
×
  • Create New...