Jump to content
Annons

Sign in to follow this  

Så påverkar virveln ljudet på din mix

HoboRec

985 views

Jag skulle vilja påstå att virvelljudet är en av de viktigaste komponenterna i en rocklåts helhetsljud. Beroende på hur virveln är stämd och vad den har för respons kan uppfattningen om gitarrljud och annat påverkas. (In English at the bottom of the page).

En stor tjock virvel med punch kan få gitarrerna att låta fetare och mer nedstämda än till exempel en jättehögt stämd piccolovirvel. Det finns också en del snabba trick du kan ta till för att drastiskt ändra ljudet i en virvel, utan att stämma om eller byta skinn. Något som kan vara bra om du tillfälligt vill ända karaktär i en låt, eller bara vill testa något nytt.


ENGLISH:

How the snare sound affects the over all sound of your mix

I’d like to say that the snare drum is one of the the most important components for the sound in a rock song. Depending on how the snare is tuned and what kind of response it has the perception of the guitar sound and other things can change.

A big fat punchy snare can make the guitars sound lower in tune than for example a high pitched piccolo snare. There are also some quick tricks that you can do to drastically alter the sound of the snare, without retuning or changing heads. Something that can be useful if you temporarily want to change the sound or just want to try things out.

Ulf Blomberg
Producer & Audio engineer
+46709184758 | www.hoborec.com

Se fler video-bloggar på Studio från april 2017 och tidigare här



2 Comments


Recommended Comments

Guest
Add a comment...

×   Pasted as rich text.   Paste as plain text instead

  Only 75 emoji are allowed.

×   Your link has been automatically embedded.   Display as a link instead

×   Your previous content has been restored.   Clear editor

×   You cannot paste images directly. Upload or insert images from URL.

  • Similar Content

    • By Jessie Maddox
      Läget allihopa! 
       
      Jag planerar att öppna en inspelnings studio i Huddinge (Stockholm) möt hösten 2020. Funderar även på att kombinera lite grejer i samband med studion: musik video inspelning, replokal och en del annat, så skulle vilja ställa lite frågor. 🙂
       
      Vad söker ni i en komplett studio? 
      Vilket pris per timme tycker ni är rimligt för inspelning? För repa? För video inspelning?
      Skulle ni föredra att använda era egna instrument eller vill ni att studion har instrument ni kan låna?
      Vilket inspelningsprogram föredrar ni? Logic Pro X , Pro Tools eller annat?
      Finns det nånting ni hade velat ha i en studio som inte redan finns på andra studios? 
       
      Alla tips och kommentarer uppskattas! 
      Ha det bra!! 
    • By HoboRec
      Mjukvarumarknaden för elgitarrinspelning är stor, och helt ärligt väldigt bra. Men om du vill spela in med den där speciella rörtoppen du har hemma, eller i replokalen utan att störa omgivningen, hur gör du då? (In English at the bottom of the page).
      Det finns ju faktiskt ingen plugin som låter exakt som din favorit-förstärkare. Att spela in en 100w rörförstärkare hemma i lägenheten är inget alternativ för de flesta. Även om du bor i villa, så är det troligtvis inte den mest populära eftermiddagssysslan bland övriga familjemedlemmar. I veckans video experimenterar jag lite med hur du kan spela in den där förstärkaren utan att störa någon – den som du inte lyckats få till ljudet ifrån trots utbudet av plugins och ändlösa listor med Kemperprofiler. Utan att behöva använda högtalare eller mikrofoner. Dina grannar kommer nog också gilla detta.

      ENGLISH
      Record your guitar amp without disturbing your neighbours
      The software market for electric guitar sound is huge, and honestly quite good. But what about that special tube amp you have at home or at your rehearsal space?
      There’s no plugin that sounds exactly like that. To record a 100w tube amp in your apartment might not be a very good alternative for most. Even if you live in a house it’s likely not the most popular afternoon activity among your family members. In this weeks video I’m experimenting with how you can record that amp. The one that you can’t seem to replicate with plugins and endless lists of Kemper profiles. This without having to use speaker cabs or microphones. Your neighbours will probably like this too.

      Ulf Blomberg
      Producer & Audio engineer
      +46709184758 | www.hoborec.com
      Se fler video-bloggar på Studio från april 2017 och tidigare här
    • By Kasper Martinell
      När du har format ljudet efter dina preferenser och valt mikrofoner samt placerat dem på det sätt du tycker blir bäst. Hur kan du ytterligare jobba med ditt material för att uppnå ditt sound?
      I denna del 4, så kommer jag att ta upp olika studioprylar som kan hjälpa dig att hitta rätt karaktär och uppnå ett professionellt sound på dina inspelningar. Vi har redan gått igenom de viktigaste momenten i tidigare delar, men genom att välja rätt utrustning och veta varför, så kommer inspelningarna enklare att nå en professionell nivå. (Du finner länkar till de tre föregående delarna längst ner i denna artikel).
      Preamp/ljudkort
      Det första du bör välja är vilken preamp/ljudkort som du vill använda. Börja först med att bryta ner det till om du vill ha ett snällare eller ett mer aggressivt sound. Nedan finner du de preamp/ljudkort-modeller jag har mest erfarenhet av.
      Neve 1073
      Neve 1073 bidrar med ett ”fräs” (distorsion) i toppen och mycket kropp i det låga mellanregistret kring 300Hz. Neve 1073 är enligt mig framförallt väldigt bra på trummor och gitarrer. Den kan dock ge lite väl mycket distorsion i toppen på sång om mikrofonen är väldigt diskantrik.
      API 512c
      API 512c är lite mer "midpunchig", (det vill säga den genererar ett tydligt och framhävande mellanregister kring 500 Hz-2 kHz), och en snällare diskant än Neve 1073. Detta är en bra allround-preamp, men som är extra bra på trummor i mitt tycke.
      Universal Audio 710 Twin-Finity
      Via 710:an blir det ett väldigt mjukt och fluffigt sound, och det är väldigt bra om du vill ha ett snällt och mjukt sound. Denna passar enligt mig bättre till genres som jazz/folk, alltså lite mer ”naturlig” musik.
      SSL G+
      SSL har en bra punch och mellanregister, och funkar väldigt bra som en allround preamp. Den är kanske en smula intetsägande på sång dock.
      Det viktigaste att tänka på när du väljer preamp/ljudkort är att fundera över hur mycket, och vilken slags ”färg” du vill hitta i ditt sound. Spelar du in endast ett instrument så spelar det inte speciellt stor roll, men om du ska göra en hel produktion med samma preamp, så kommer den färgen att byggas upp med varje nytt inspelningsspår.
      Har du inte tillgång till en schysst preamp? Testa detta: ta en plugin som exempelvis Waves Scheps 73 och lägg den på alla kanaler som du skulle ha spelat in med en Neve preamp. Sätt preamp-reglaget på Scheps pluggen på mellan 30-60 på alla kanaler och slå av och på för att känna skillnaden. Detta kan hjälpa dig för att skapa en tyngd och punch i musikproduktionen.
      Equalizer (Eq)
      Om du är noga med alla tidigare steg förklarade i denna artikel, så kommer du förhoppningsvis inte behöva göra väldigt mycket justeringar, men var inte rädd för att skruva litegrann med en eq för att det ska låta bättre. I en inspelningssession är det inte viktigt att leta efter jobbiga frekvenser eller detaljer, utan här tycker jag att det gäller att göra de stora viktiga valen som kommer att påverka musikproduktionen mest.
      Välj en eq du gillar och skär bort bas och distant som inte behövs, och känn sedan om du tycker någonting behöver mer diskant (kolla in registret kring 6 kHz och uppåt), eller om du vill ha mer kropp (kolla in ca 100-500 Hz). Jag tycker att det är viktigt att forma soundet för att komma så nära slutresultatet som möjligt redan vid inspelningstillfället. Därför är jag ett stort fan av att spela in på mixerbord för att ha maximalt med möjligheter att forma soundet från grunden.
      Någonting som jag själv har börjat använda mig av är referenser (en låt som är i liknande genre som din nuvarande produktion), inte bara i mixnings-sessionen utan också vid inspelningen. På detta sätt får jag en överblick över bas/diskant-relationen på mina inspelningar. Att använda inspelnings-referenser tycker jag fungerar bra om det används på rätt sätt. Det är viktigt att inte stirra sig blind på detaljer och att det låter olika. Det ska mer användas för att få koll, och där jag exempelvis kan fråga mig: ”Kan jag öka 5 db mer diskant på virveln”? Det tråkigaste som finns är ju när en inspelning går bra men vid genomlyssningen dagen efter, så inser du att det saknas energi och allting låter väldigt muddigt och instängt.
      Tips för dig som inte har tillgång till en eq vid inspelningen: Lägg på en eq-plugg, och eq:a vid soundcheck tills du gillar soundet. Efter inspelningen exporterar du alla spår med eq-pluggarna på och lägger in spåren i ett nytt projekt i ditt inspelningsprogram. På detta sätt så har du ”spelat in” dina eq-val och bestämt dig för ett sound.
      Kompressorer
      När det gäller kompressorer, så är jag lite mer sparsam vid inspelningen. På sång tycker jag det kan vara bra att trycka på en hel del för att jämna ut och skapa energi. Men när det kommer till resterande instrument, så brukar jag inte vara lika snabb med att använda en kompressor.
      Områden jag frekvent använder kompressor på vid inspelning är:
      Rumsmikrofoner Rena elgitarrer (det vill säga utan någon effekt/distorsion) Sång Akustisk gitarr Resten av musikproduktionen brukar jag generellt lämna utan kompressor vid inspelning. En personlig favorit är att koppla in en distressor. Distressorn är en väldigt allsidig kompressor som kan jobba både snabbt långsamt, snällt och agressivt. På rumsmikrofoner är den speciellt bra om du ställer den på medium till snabb attack och väldigt snabb release. Ration kan stå på NUKE läge. Blanda sedan in rumsmikrofonerna i helheten och låt energin ta över hela kontrollrummet. Kolla på bilden nedan där pilen visar nukeläget. Attacken har jag skrivit 5 på och releasen 2. Detta är en bra utgångspunkt enligt mig för att skapa energi i rumsmikrofoner. Viktigt att notera är att det är releasen som sätter mest prägel på soundet här. Det är releasen som du ska fokusera på att få till rätt.  

      Det som är viktigt att tänka på gällande kompressorer är vad du ska använda dem till. Vill du skapa energi? Ge virveln en tydligare transient? Kontrollera dynamiken eller ”förstöra” ett ljud (”crusha”) genom att komprimera superhårt men ha en snabb release. Olika kompressorer kommer vara bra på olika moment. Det handlar mestadels om hur snabb eller långsam en kompressor är.
      Jag brukar generellt tänka, att om en kompressor ska användas så ska det inte vara för att kontrollera 1-2 db i något element, utan den ska användas för att skapa mer energi eller skapa en speciell karaktär eller liknande. Småpillet kan du sitta med i mixningen. I inspelningen gäller det att få till en känsla och ett driv mer än att kontrollera saker.

      Var noga med att inte ”stirra dig blind” på siffror. Exempelvis, en LA-2A-kompressor kan låta hur bra som helst när den komprimerar -20 db. Men börjar du kolla på den så kommer du förmodligen att bli förskräckt över hur mycket den komprimerar, trots att det låter grymt bra.
      Hur mycket utrustning ska du använda?
      Jag hade för ungefär ett år sedan mejlkontakt med en producent som heter Hiili Hiilesmaa, som bland annat har producerat mitt favoritband HIM. Jag gjorde en kort intervju med honom angående inspelning och här är ett av svaren jag fick på frågan om utrustning:
      – Did you use a lot of eq/compression to ”tape” or did you keep the recordings clean?
      – I use a lot of eq and compression in the recording phase. The more ready the drums sound in overdub recordings (guitars, bass etc.), the better ideas it gives the other players.
      Så med detta vill jag säga att du ska inte vara rädd för att vrida på knappar tills du gillar det du hör, men det är viktigt att få till stegen innan, annars kommer resultatet förmodligen inte bli lyckat. Ju mer du formar soundet till vad du är ute efter i varje steg desto bättre kommer slutresultatet att bli.
      Nedan finner du resterande delar i serien "Hitta ditt sound" av Kasper Martinell
      Hitta ditt sound del 1: instrument och ljudkaraktär
      Hitta ditt sound del 2: akustiska knep
      Hitta ditt sound del 3: rätt mikrofon och rätt placering
      Hitta ditt sound del 5: Rätt mix för rätt ändamål
    • By Kasper Martinell
      Hur kan du tänka kring sound och dess relation till det musikaliska arrangemanget? När du väljer sound för ett instrument kan det antingen gynna eller motarbeta musiken på grund av frekvensinnehållet.
      I denna artikelserie vill jag försöka inspirera fler människor att spela in akustiska instrument. Jag tänker i denna första del gå igenom hur du kan tänka när du väljer instrument och hur du kan hitta intressanta sound samt hur du får dom att passa in i olika funktioner i musiken. Jag har upptäckt med tiden att jag arbetar mer och mer med själva källan för att få till de ljuden jag är ute efter. Jag tycker att det är ett bra arbetsätt för att få produktionen så pass bra som möjligt från första inspelningen.
      En bra startpunkt när du ska välja ett sound för ett instrument är att tänka på om det exempelvis ska vara ambient eller nära, basigt eller diskant, rent eller skitigt och så vidare. När du har en ungefärlig idé för hur du vill att instrumentet ska låta kan du enklare välja rätt instrument för den utgångspunkten.
      Det gäller att förstå vilken funktion instrumentet har i arrangemanget. Om det till exempel har en rytm-funktion eller en lead-funktion. Frekvensinnehållet spelar ju stor roll i hur bra instrumentet passar in i ljudbilden och om den hamnar i fokus eller inte.
      Duktiga musiker brukar vara bra på att veta vilka instrument och vilket material de ska använda om du förklarar vad du är ute efter, men eftersom musikern inte har samma helhetsbild av låten eller produktionen kommer du förmodligen behöva vägleda hen en aning, och med enkla knep kan det låta väldigt bra utan någon eq, kompression eller andra verktyg.


      Bearbeta ljud akustiskt
      När du valt instrument, så finns det kanske mer du kan göra för att anpassa ljudet till musiken? Du kan jobba med instrumentet/instrumenten i sig, eller material runt/på eller i instrumenten för att förändra karaktären och frekvensåtergivningen. Därmed kan du påverka instrumentets funktion i musiken. Här kommer några exempel jag har använt och fått bra resultat av:
      Bygga trumpodium för att ytan på golvet trummorna står på ska resonera mer och återge en annan karaktär. Testa olika klubbor för bastrumman –mjuka, hårda, plast och så vidare. Använda filtar/tröjor att lägga i och/eller på olika trummor. Lägga tyngd på pianopedalerna i trumrummet för att pianot ska resonera. Ställa en trumma framför gitarrförstärkaren för resonans. Lägga olika rör/krukor ”resonans” saker/material vid trummorna. Använda olika tjocklekar på plektrum för att framhäva eller dämpa transienter/frekvensområden i gitarren. Lägga ”skramlande” material på trumskinnet. Placera skumgummi vid bryggan på elbasen. Listan kan göras lång, och här kan du verkligen experimentera för att hitta ljud som du tycker gynnar instrumentets karaktär. Tänk på hur transienterna låter, längden på ljuden och frekvensinnehållet.


      Vad ska vara i fokus?
      När du har tänkt ut ditt sound, och funderat på olika karaktärer som kan vara intressanta att testa, så ställ dig frågan: Hur arrangerar du upp frekvenserna mellan instrumenten för att allting ska få rätt plats i ljudbilden?
      När vi arrangerar musik tänker vi ut vad som ska vara i fokus och vad som ska vara i bakgrunden och så vidare. Om du på samma sätt arrangerar frekvensinnehållet i varje instrument kan du som tidigare nämnt förstärka funktionerna i det musikaliska arrangemanget. Här gäller det att ha koll på vilka frekvenser som är känsliga för det mänskliga örat för att förstå hur du kan arbeta med frekvenserna på rätt sätt.
      Generellt är människor mest känsliga för de höga mellanfrekvenserna, runt 2 kHz – 5 kHz ungefär. Dessa frekvenser uppfattar vi starkare än till exempel basfrekvenser, även då de spelas upp på samma ljudnivå. Du kan därför arbeta med detta genom att experimentera med hur vi uppfattar volym. Om ett ljud ska vara i fokus och långt fram i ljudbilden, så är det bra om det instrumentet fokuseras kring de höga mellan-frekvenserna, och gärna har en viss tydlighet i transienterna. Ska elementet ligga längre bak gäller de motsatta, mjuka transienter och ett dovare ljud. Detta är vanliga mix-tekniker, men du kan även arbeta med detta enkelt vid inspelning genom att bara byta tjockleken på plektrumet, byta baskaggens klubba eller spela aningen svagare på pianot. Detta tankesätt går att använda på alla olika sorters instrument och kommer att göra livet så mycket enklare när det är dags att mixa låten.
      Låtens tempo
      En bra sak jag lärde mig av en trumslagare och studioägare vid namn Mikael Wikman, var att fundera över hur du använder trummors stämning i relation till låtens tempo. Är det en snabb låt kanske det är en bra ide att stämma trummorna högre för att få ett tydligare och ”hårdare” ljud. Medan om låten går långsamt kan det vara en ide att låta trummorna vara aningen mer slappt stämda och mjuka i ljudet. Du kan även här tänka på att om låten går långsamt, kanske du vill ha trummor som har mer ton och en viss längd i ljudet, medan en låt med ett högre tempo kanske kräver ett tightare ljud för att trummorna ska höras tydligare. Om du tänker på vad jag tidigare skrev angående frekvenser som skapar tydlighet blir detta självklart.
      En högre stämd trumma kommer i regel ha mer höga mellanfrekvenser än en trumma som är lågt stämd, vilket i sin tur leder till att trummorna blir mer framträdande och tydliga i ljudbilden. Alla val du gör påverkar frekvensinnehållet och därmed hur vi som lyssnare uppfattar ditt arrangemang, därför kan det vara bra att testa olika sätt att förändra instrumentens karaktär för att gynna funktionen i musiken.
      Hitta ditt sound del 2: akustiska knep
      Hitta ditt sound del 3: Rätt mikrofon och rätt placering
      Hitta ditt sound del 4: prylarna som lyfter inspelningen
      Hitta ditt sound del 5: rätt mix för rätt ändamål
    • By Kasper Martinell
      Istället för att se akustik som bra eller dåligt, så kan du se det som olika sätt att förändra ljudet på inspelningen. Jag kommer ta dig igenom några knep som kan vara användbara i akustiska sammanhang.
      Jag gick i förra delen (som du finner här) igenom hur du kan tänka när du väljer instrument och sound för din produktion, samt hur du kan tänka kring frekvensinnehållet och hur det påverkar det musikaliska arrangemanget. I denna del 2, kommer jag att ta upp hur du kan tänka kring akustiken och i det rum du väljer att spela in instrumenten i.
      Akustik är aningen diffust kan jag tycka. Vad är bra eller dålig akustik? Jag tycker att det är bättre att se hur akustiken kompletterar det sound du är ute efter. Istället för att dämpa rummen med en massa akustikpaneler och filtar kan du använda klangen i rummet för att bygga en rymd i produktionen.
      Använd dig av alla rummets alla möjligheter när du jobbar med att hitta ett sound. Det finns oändligt många val du kan göra med akustik som kommer att förändra ljudets karaktär. Kolla exempelsvis på hur geniet Sylvia Massy arbetar med sina inspelningar – hon får fram otroligt häftiga sound och experimenterar på till synes helt ”galna” sätt. Nedan är några exempel på hur du kan jobba med rummet och akustiken.

      1. Välj rum efter materialet i rummet samt rummets storlek
      Det första jag brukar tänka på är: vad för material rummet är byggt av? Jag gillar när golv och väggar är gjorda av trä. Jag tycker att trä resonerar väldigt fint, och det skapar ofta en skön klang i ljudet. Men att spela in i utrymmen med hårda material, som exempelvis sten eller betong kan vara hur häftigt som helst. Jag antar att alla någongång har varit i ett parkeringsgarage? Tänkt dig hur en virveltrumma skulle låta i ett sådant utrymme.
      2. Olika placeringar i rummet
      Gå runt och lyssna i rummet hur instrumentet låter i olika hörn och kanter av utrymmet. Det kan till exempel vara riktigt ballt att placera vissa instrument vid ett fönster för att få väldigt hårda reflektioner. Olika placeringar i rummet kommer att framhäva olika aspekter av instrumentet. Beroende på vad du är ute efter så kan du flytta runt musikern för att hitta vilken del av rummet som låter bäst för ändamålet.
      3. Analogt vått/torrt (wet/dry)
      Istället för att välja ett rum som är väldigt torrt så kan du isolera instrumentet med akustikpaneler och filtar genom att bygga ett litet bås. På detta sättet kan du fortfarande placera mikrofoner i rummet som tar upp mycket efterklang och ”levande” ljud till inspelningen. Detta är ett bra sätt om du vill ha maximal kontroll över ditt wet/dry-sound.
      4. Fånga rummet med reamping
      Reamp innebär att spela upp dina instrument genom en ny förstärkare i någon form. Om du har spelat in ett instrument i ett torrt rum men vill fånga en fin rumskaraktär efteråt så kan du helt enkelt reampa ljudet. Jag har reampat allt från gitarrer, stråkar, trummor, synthar med mera. Ställ en högtalare i rummet och placera ut ett stereopar mikrofoner, gärna lite vinklade ifrån direktljudet för att fånga så mycket reflektionsljud som möjligt. Detta är ett superbra sätt att få en naturlig rumskaraktär till dina inspelningar.
      5. Anpassa källan efter rummet
      Detta låter kanske lite motsägelsefullt när du redan har valt ett sound och ett instrument för din produktion. Men eftersom rummet kommer att påverka instrumentets sound väldigt mycket, så kan detta vara en idé att testa. Det behöver inte vara stora förändringar men att testa olika cymbaler, virveltrummor, olika storlekar på akustiska gitarrer, olika gitarrförstärkare alternativt olika inställningar kan göra att ditt instrument ”gifter sig” ännu bättre i ljudbilden.

      Sista touch innan micken
      När du har valt ut rum samt placering för ditt instrument kan det vara värt att tänka på hur du spelar på instrumentet i relation till hur frekvensåtergivningen speglas i rummet du har valt ut. I ett rum med hårt material framhävs ju exempelvis de höga frekvenserna. Detta blir en fråga om hur du balanserar upp frekvenserna med din spelstil för att få instrumentet att passa in i mixen så bra som möjligt. Lyssna på hur rummet reagerar på instrumentet och vilka frekvensområden som blir framhävande. Testa därefter att spela starkare/svagare, och blanda olika stilar för att hitta sweetspoten för instrumentets ändamål.
      Genom att tänka på akustik på detta sättet istället för om det är ”bra” eller ”dåligt” så öppnas en hel del dörrar till vad du kan göra i din produktion. Det blir också mycket roligare att se akustik som ett kreativt verktyg som går att arbeta med och skapa intressanta sound och bygga produktionens rymd.
      Vad som är bra med att arbeta på detta sättet är också att du får en tydligare bild av musiken och produktionen. Det är lättare att följa vilket håll produktionen drar åt när efterklanger och rumsljud finns med. Produktionsmixen kommer att låta mer sammanhängande och färdig. Och om du inte själv ska mixa låten så har du en chans att välja dina egna reverb och slipper att bli besviken på mix-teknikerns reverb-pluggar.

      Nedan finner du resterande delar i serien "Hitta ditt sound" av Kasper Martinell
      Hitta ditt sound del 1: instrument och ljudkaraktär
      Hitta ditt sound del 3: Rätt mikrofon och rätt placering
      Hitta ditt sound del 4: prylarna som lyfter inspelningen
      Hitta ditt sound del 5: rätt mix för rätt ändamål
  • Bloggar

×
×
  • Create New...

Important Information

We have placed cookies on your device to help make this website better. You can adjust your cookie settings, otherwise we'll assume you're okay to continue.