Jump to content
  • Mixarens hemliga vapen del 3 – Saturation

    FREDAGSTIPSET: Mixarens hemliga vapen är en serie i tre delar med syftet att belysa pluggar eller tillvägagångssätt som verkligen kan lyfta dina mixar till nya höjder. Sista delen tar upp saturation, ett lika delar mytomspunnet som missförstått ämne.


    Jon Rinneby

    IVGI.jpg.0cccd4d697cda3283e5f5f34f55b1ab9.jpg

    Första och andra delen hittar du här och här.

    Det är lätt att romantisera över ljudet från förr och då gärna det som lite slarvigt kallas för analog värme, det vill säga det som händer när ljudet skjutsas och förvrängs genom diverse mixerbord, preamps, equalizers, kompressorer och rullbandspelare. Detta fenomen kallas saturation, eller som det på svenska heter ”mättnad” eller ”bandmättnad”. Saturation (som är ett väldigt brett begrepp) är en slags distorsion i form av övertoner vilka färgar grundljudet och skapar nya ljudmönster. Det är därför inte helt orimligt att kalla saturation för textur.

    Fördjupning
    Saturation ger i regel en minskning av snabba transienter (volymtoppar) vilket gör att ljudet kan uppfattas som mjukare och mindre påträngande. Denna typ av avrundning har sin förklaring i att förstärkarstegen i framförallt äldre analog utrustning inte är oändligt snabb. De har med andra ord en lång stigtid - något som kan ge en positiv bieffekt i form av att de absoluta och ibland svårjobbade topparna klipps av. Detta innebär även att så kallad naturlig kompression uppstår då dynamiken minskar. Vidare handlar saturation om att olika sorters jämna eller ojämna övertoner läggs till, vilket kan innebära att det låter fetare och varmare. Med ovanstående i åtanke kan vi därför konstatera att ju fler omvägar inspelningen tar, desto mer färgad blir ursprungssignalen. Saturation är alltså en avrundning, eller om du så vill en kontrollering av transienter samt adderande av övertoner vilket kan förstärka och bilda nya texturer. På så vis är saturation i mångt och mycket också ett verktyg för att skapa tydlighet och tryck när du mixar, något som kan vara skillnaden mellan en mix som stannar inuti högtalarna och en mix som hoppar ut ur dem.

    For starters, with all those additional harmonic overtones in play, your EQ literally has more sound to grab within a given swath of frequencies. So if you’re looking to enhance a vocal’s forwardness in the mix by boosting 1 kHz, there’s going to be more vocal character and personality packed into every decibel boosted, because the sound itself is more dense, vibrant and electric. Put another way: you won’t just get more vocal presence, you’ll get a more interesting vocal presence. That’s the kind of subtle thing that, when multiplied across 16 or 83 tracks, adds up to something much more compelling than a simple sum of the parts. - Gregory Scott, Kush Audio & Sly-Fi.

    Inte bara nostalgi
    Men saturation kan vara så mycket mer än bara analog värme och faktum är att du kan mejsla fram en hel mix genom att bara använda olika typer och grader av saturation, vilket är en konst i sig. Här gäller det framförallt att jobba i lager av olika färgning och textur, men det spelar egentligen ingen roll i vilken ordning du lägger pluggarna. Det är summan av varje del som utgör helheten. Personligen föredrar jag att börja med någon form av preamp eller mixerbord på varje kanal (favoriten är just nu Front DAW) och avslutningsvis någon annan typ av färgning om jag är på det humöret. Det är inte heller ovanligt att ytterligare en preamp som Kazrog True Iron eller Kush Audio TWK får avsluta signalkedjan. Saturation före kompression kan få din kompressor att jobba effektivare över ett större frekvensområde, eftersom de snabba transienterna som annars får kompressorn att arbeta extra hårt avmattats. Omvänt kan saturation efter kompression tillåta än mer färgning av ljudet. Likväl kan saturation vara raka motsatsen till mjukt och öronvänligt. Att överstyra  en baskagge, en leadsynt eller varför inte ett sångspår till oigenkännlighet kan vara ett mycket effektivt sätt att liva upp mixen.

    Ljudexempel baskagge
    Följande ljudexempel är en baskagge som får en rejäl dos saturation från 0-100% i stegrande intensitet med pluggen Kush Audio TWK. I takt med upptrappad saturation minskar dynamiken, samtidigt som den upplevda volymen ökar. Värt att notera är att volymtopparna faktiskt växer halvvägs, innan ljudet pressas ihop mer och mer. Ljudprovet är också ett tydligt exempel på hur du kan forma och förändra ett grundljud utan att använda varje sig equalizer eller kompressor.

    baskagge_sat.mp3

    baskagge_saturation.png.91156d8fa039f134d60d7df2015c2b40.png
    Du kan lära dig mycket genom att visuellt studera dina ljudfiler. Här kan vi dra slutsatsen att ökad saturation minskar dynamiken.

    Slutsats
    Det absolut enklaste sättet att komma åt det klassiskt analoga varma ljudet är att införskaffa en rör- eller bandmikrofon samt en mikrofonförstärkare av klassiskt snitt. Steg två är att jobba med pluggar som efterliknar gammal hårdvara. Därmed inte sagt att det är nödvändigt att använda saturation på alla kanaler, vilket tvärt om kan vara kontraproduktivt. Övermättnad förvandlas lätt till bristande dynamik och en i förlängningen havregrynsgrötig ljudbild.

    Pluggtips i urval


    Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Eller om du hellre föredrar att diskutera om mixning i avdelningen "Mixning och mastring" på Studios forum här!

    Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du samtliga fredagstips.

    • Tack! 1

    User Feedback

    Recommended Comments

    On 2020-11-02 at 20:12 sa Magnus Lundberg:

    Jag provade med Fabfilters Saturn 2 på tre olika ställen (mixbus, bas samt drumbus) och mixen lyfte riktigt duktigt. Dock verkar det som att just den pluggen slukar CPU

    Härligt. Jo, vissa pluggar har en tendens att göra det. Samtidigt kan det vara en välsignelse i förklädnad, så man inte frestas att använda saturation på allt 🙂

    Notis: Saturation har en tendens att öka volymen, vilket ibland kan göra det svårt att avgöra om ljudet faktiskt blir bättre. Vi har ju en dålig vana att uppfatta starkare som bättre.

    /Jon

    Edited by Jon Rinneby
    Link to comment
    Share on other sites


    Create an account or sign in to comment

    You need to be a member in order to leave a comment

    Create an account

    Sign up for a new account in our community. It's easy!

    Register a new account

    Sign in

    Already have an account? Sign in here.

    Sign In Now

  • Similar Content

    • By Jon Rinneby
      Rosa, eller skärt brus som det också kallas, är ett så kallat färgat brus med en jämn energifördelning i alla oktaver. Detta betyder att bruset är av fallande karaktär och minskar med tre decibel för varje oktav, till skillnad från exempelvis vitt brus som är konstant över alla hörbara frekvenser. Rosa brus används bland annat inom tinnitusterapi och påminner om ljudet från forsande vatten, något de flesta upplever som behagligt att lyssna på. Anledningen till detta är att vi människor inte hör frekvenser linjärt från 0-20000 Hz, utan logaritmiskt baserat på oktaver.

      Detta kan du använda till din fördel när du mixar, inte minst när det kommer till att sätta den grundläggande balansen, oavsett om du jobbar med akustiska, virtuella eller samplade instrument. Innan vi sätter igång är det viktigt att förstå att mixning med rosa brus inte på något sätt garanterar en välljudande mix, utan snarare har för avsikt att agera vägvisare. Poängen med rosa-brus-mixning är alltså inte att skapa en perfekt balanserad mix. Istället handlar det om att ge dig en utgångspunkt som utnyttjar en så stor del av det hörbara (användbara) frekvensområdet som möjligt. Vidare blir resultatet bättre om du utgår från torra kanaler, fria från equalizers, kompressorer och dylikt.
      Börja med att ladda ner följande rosa brus som jag justerat till volymen -20 LUFS. Detta säkerställer en lagom nivå för mixning utan risk att styra över masterkanalen i din DAW. Importera det rosa bruset på en tom kanal och sätt det i sololäge. Spela upp bruset. Aktivera sololäget på en kanal i taget och reglera volymen så att det rosa bruset och instrumentkanalen hörs ungefär lika mycket. Detta kräver lite övning och du kan med fördel experimentera med både hörlurar och högtalare för att se vad som passar dig bäst. Fortsätt sedan likadant med övriga kanaler, fortfarande en och en tillsammans med bruset.  När du gått igenom samtliga kanaler plockar du bort det rosa bruset och spelar upp mixen. Du kommer inledningsvis märka att basrika instrument har en tendens att få lite väl mycket utrymme. Detta har sin förklaring i att de generellt har mindre högfrekvent innehåll och därför behöver dras upp i volym för att höras genom det rosa bruset. Det kan också kännas svårt att placera exempelvis en dynamisk sångtagning. Detta är helt ok, poängen med rosa-brus-mixning är som sagt att sätta en grundnivå vilken du sedan finjusterar och jobbar vidare med.
      Rosa brus som plugin för Windows och Mac OS laddar du ner här. Tänk på att ställa volymen så den peakar runt -12 dBFS i din DAW, vilket motsvarar ungefär -20 LUFS. 
      Lycka till!
      Ställ gärna frågor eller kommentera artikeln i kommentarsfältet nedan, så spinner vi tillsammans vidare på ämnet. Eller om du hellre föredrar att diskutera om mixning i avdelningen "Mixning och mastring" på Studios forum här!
      Fredagstipset är en återkommande serie där Studios skribent Jon Rinneby varje fredag delar med sig av tips inom bland annat inspelning och mixning. Här hittar du samtliga fredagstips.
    • By Ollie Olson
      41. Ge dina keyboard djup och rörlighet
      Ytterligare ett bra knep för att skapa rörlighet och djup är att sakta svepa ett keyboardljud i sidled med en ganska lång reverbsvans. Man ska nästan inte uppfatta skiftningarna utan de ska bara kännas.
      42. Behövs alla dubbarna på kören?
      Körer är ett känsligt kapitel. Det blir allt vanligare att man lägger många stämmor med många dubbar på varje. Det kan ibland bli lite tjockt, så var noggrann och lyssna igenom om alla dubbar i varje stämma behövs.
      43. Låt sången låna briljans av kören
      Ju fler röster desto fler måste man rulla av i botten så att det inte slaskar och blir otydligt. För att få det maffigt är det bättre att göra dem lite smalare i botten och något toppigare så att de ligger ovanför leadsången och ”lånar ut” lite briljans till den.
      44. Panorera körerna utifrån genre
      Hur man ska panorera körer är en genrefråga. Modern pop och r'n'b mår bra av hårt utpanorerade körer för att skapa bredd och lyx. I Indiepop och alla typer av rock passar det oftast bättre med en något snävare panorering.
      45. Sänk nivån på s-ljuden
      Använd gärna de-esser på sång och körer, men var försiktig och kolla i olika system så att man inte upplever s-ljuden som läspiga. Det bästa sättet är ofta att lägga en mjuk de-esser och sedan automatisera nivåsänkningar på ”s”, ”t”, ”f” och ”k”. Då kan du hålla en högre grundnivå på sången utan att det blir för vasst.
      Använd automatisering för nivåsänkningar på ”s”, ”t”, ”f” och ”k”.
      46. Automatisera för att skapa dynamik
      Försök att automatisera sång, pads, stråkar och andra instrument som kräver mycket dynamik. På så sätt kan du skapa liv i din mix. Det gäller förstås även andra instrument – höj gitarrer intill refrängerna, sänk virveln i verserna och så vidare.
      Försök att automatisera sång, pads, stråkar och andra instrument som kräver mycket dynamik.
      47. Så mixar du torr respektive blöt sång
      Vilka effekter du ska använda på sång är väldigt genrestyrt. Du kanske vill ha en torr, nära sång eller en blöt svävande sång. Det finns lite olika fällor här. En torr sång kan upplevas som att den ligger utanpå ljudbilden och en för blöt sång kan lätt försvinna och bli liten.
      Torr sång
      Börja med att klona sången två gånger. Minusdelaya den vänstra -15 tick och delaya den högra +15 tick. Panorera ut klonerna fullt ut vänster – höger. Eq:a klonerna hårt och ta bort i princip allt under två kilohertz och lägg på några decibel i den absoluta toppen (bild 1). Lägg sedan klonerna lågt i förhållande till den vanliga leadsången. Man ska knappt höra klonerna utan mera känna dem. På så sätt så kan du hålla leadsången varmare, eftersom diskantperceptionen kommer från klonerna. Testa dig fram genom att tysta (mute) och sätta på igen, och känn hur det känns. När det är rätt så ska det kännas som en väldigt bred, varm och torr sång. Ett bra exempel på detta sångljud är Mejas ”All About The Money” där denna teknik utvecklades. Om du har klonerna för starkt så blir det rumskänsla, och då har man missat idén med torr sång.
      – Om du vill ha lite reverb på så lägger du det på klonerna. Då blir reverbet tunt och skört, eftersom klonerna är så smala. Du kan ytterligare bredda ljudet genom att låta alla tre kanalerna gå in i en harmonizer.
      Bild 1: För torr sång: Eq:a bort allt under två kHz och toppa för mer lyx. I exemplet används Logics Channel EQ.
      Blöt sång
      Skapa två delay och tre reverb. Av dina delay gör du ett kort stereodelay (bild 1) med delaytider på 40–50 millisekunder som du lägger ganska svagt och på detta vis skapar lite bredd.
      Bild 1: För blöt sång med Logics Stereo Delay. I exemplet används Logics Stereo Delay.
      Därefter lägger du ett långt åttondels- eller fjärdedelsdelay för att skapa djup och rymd (bild 2).
      Bild 2: Det andra delayet för blöt sång: Soundtoys Echo Boy.
      De tre reverben ska vara ett kort rum (bild 3), ett längre plate-reverb ( bild 4) och slutligen ett långt hall-reverb (bild 5) med en predelay som är en åttondel långt, vilket gör att detta reverb reagerar senare. De tre reverben ska ligga som tre lager där de tar vid efter varandra. Gör alla reverb relativt smala och tunna i botten så att de inte känns alltför tunga och tar en massa plats. Viktigt är också att du lägger delay före reverb, annars går du miste om att få reverb på dina delay.

      Bild 3: Tredje reverbet med kort rum med. I exemplet används Waves Renaissance Reverb.
      Bild 4: Längre Plate. I exemplet används Lexicon Plate.
      Bild 5: Och slutligen Logics Space Designer, med ett långt Hall-reverb som Ollie ofta använder för popsound.
      48. Ta bort det som inte gör helheten bättre
      Nu börjar du närma dig ett slags slutmix. Gå igenom de olika funktionerna i de olika instrumenten och vad du upplevde i början som viktigt. Först nu kan du avgöra om olika instrument fyller sin funktion. Tänk på att ju fler instrument som finns i produktionen desto mindre måste varje instrument bli för att få plats i ljudbilden. Testa att tysta några instrument för att se om det blir tydligare eller om du tappar något viktigt. Om du upplever det mindre rörigt så tveka inte att ta bort saker. Det finns inget självändamål i att ha många instrument i en mix.
      49. Testa din mix i olika system
      När du känner att du är färdig, bounca ut låten och spela upp den i din mp3-spelare, i farmors köksstereo, i bilen, i hemstereon, på den lokala klubben, ja, i en mängd olika system för att se hur du upplever mixen. Skriv ner tankar och känslor. Vila från låten och mixen ett tag så att "vanelyssning” hinner försvinna. Sedan gör du dina ändringar i lugn och ro och gör sedan om lyssningsprocessen tills du känner att "nu blir det inte bättre".
      Här finner du samtliga delar av 49 bästa mixtipsen.
      De 49 bästa mixtipsen är en uppdaterad och reviderad version av tidigare publicerad artikel med samma titel i Studio 10-2011.
    • By Ollie Olson
      35. Välj rätt kompression för elgitarrer
      För feta riff så rekommenderar jag att använda lång attack och kort releasetid på kompressorn, så du får ut mesta möjliga närhet och attack. På plockgitarrer, single-string-melodier tycker jag att du ska pröva att använda dig av kort attack och ganska kort release för att få ljudet att hoppa ut ur högtalaren. Se nedan exempel.
      För feta riff: använd lång attacktid och kort releasetid på kompressorn, så du får ut mesta möjliga närhet och attack. I exemplet används Logics Compressor.
       

      På plockgitarrer, single-string-melodier: använd kort attack och ganska kort release för att få ljudet att hoppa ut ur högtalaren.
      36. Lägg effekter på din masteroutput
      Ett bra knep för att veta hur höga gitarrer och andra instrument kommer att bli i slutänden när du slänger på mastringspluggarna eller går till mastringen är att låta en kompressor med lång attack på 30 ms, en kort release på 10 ms och en ratio på 2:1 eller 4:1 ligga på din masteroutput. Låt det bli en gain reduction på en eller ett par decibel (bild 1).

      Bild 1: Kompressor med lång attack på 30 ms, en kort release på 10 ms och en ratio på 2:1 eller 4:1. I exemplet används Waves SSL G-Master Buss Compressor.
      Lägg därefter en eq där du rullar av basen vid 35 hertz och plussar lite i toppen över 10 kilohertz (bild 2).

      Bild 2: Eq där du rullar av basen vid 35 hz och plussar lite i toppen över 10 kilohertz. I exemplet används Waves SSL G-Equalizer.
      Avsluta med en limiter som slår ett par decibel (bild 3). Om dina gitarrer upplevs som lite låga utan limitern så kommer de att bli perfekta i när limitern kommer på. Om de skulle vara för höga så kommer i stället trummorna att slå ned dem, och man upplever dem som låga när limitern åker på. Sätt alltså på limitern när du börjar närma dig, och gör nivåjusteringar.

      Bild 3: Avsluta med en limiter som slår ett par decibel. I exemplet används T-Racks Brickwalll Limiter.
      37. Så mixar du piano
      Det finns många sätt att mixa piano. En grundregel är dock att om inte pianot är ett bärande soloinstrument, som ska ha mycket kropp och värme, så bör man hålla pianot ganska smalt i botten och glittrigt i toppen. Testa att rulla av under 200 hertz och komprimera det så att du får fram attacken i klubborna med lång attack, om du vill att det ska smälla (bild 1).

      Bild 1: Rulla av under 200 hz och komprimera det så att du får fram attacken i klubborna med lång attack, om du vill att det ska smälla. I exemplet används Waves SSL E-Channel. 
      Lägg sedan ett svagt pingpong-delay i 1/8-delar med ett par studsars feedback (bild 2).
      Bild 2: Lägg ett svagt pingpong-delay i 1/8-delar med ett par studsars feedback. I exemplet används Soundtoys Echoboy.
      Delayet bör sedan gå in i ett ganska långt reverb med minst 2,6 sekunders reverbtid (bild 3). Dra av botten och den absoluta toppen i reverbet, så att delayet liksom försvinner in i fjärran. Det är ett utmärkt sätt att få djup, bredd och rymd.
      Bild 3: Delayet bör sedan gå in i ett ganska långt reverb med minst 2,6 sekunders reverbtid. Dra av botten och den absoluta toppen i reverbet, så att delayet liksom försvinner in i fjärran. I exemplet används Waves TrueVerb.
      38. Ge retrokänsla till pianot
      Om du vill få fram en retrokänsla, börja med att dra av botten från 200 hertz och neråt. Dra sedan av toppen från 20 kilohertz ner till 7–8 kilohertz. Lägg till lite vid 1,5–2 kilohertz för att få lite spets (bild 1).

      Bild 1: Dra av botten från 200 hertz och neråt. Dra sedan av toppen från 20 kilohertz ner till 7–8 kilohertz. Lägg till lite vid 1,5–2 kilohertz för att få lite spets.
      Komprimera sedan med riktigt snabb attack och superlång release med en ratio på minst 10:1, men helst runt 20:1 eller ∞:1 så att pianot nästan pumpar av sig självt (bild 2).
      Bild 2: Komprimera med riktigt snabb attack och superlång release med en ratio på minst 10:1, men helst runt 20:1 eller ∞:1 så att pianot nästan pumpar av sig självt. I exemplet används Audio Damage Rough Rider.
      Dra sedan in det i ett delay på 1/32-delar eller 1/64-delar med en studs eller två som hörs ganska tydligt (bild 3). Därefter kör du in det i ett reverb, om det passar. Sedan är det bara att vänta på John Lennon!
      Bild 3: Delay på 1/64-delar och 1/32-delar med en studs eller två som hörs ganska tydligt.
      39. Skär i rätt frekvenser på sången
      Hur kul det än är med de olika andra instrumenten, är det sången som de allra flesta lyssnar på och lägger märke till. Det är inte heller det lättaste att mixa sång, vilket beror på att sång är oerhört svårt att spela in. Det är sällsynt, även på hög proffsnivå, att sången är inspelad med den för rösten mest perfekta mikrofonen.
      Oftast har man inte tid att kolla, eller inte så många mikrofoner som lämpar sig för sång överhuvud taget. Dessutom är det väldigt vanligt attsången är inspelad i ett rum som inte riktigt lämpar sig för sånginspelning. Det gör att man får arbeta mycket med sången för att få den att kännas som en naturlig del av ljudbilden.
      – Börja med att ta bort de pluggar som du kanske satte på i tips nummer 7 (Snabbmixa sången) så att du hör sången oprocessad i det som nu är din mix. Hur låter det? Vilka frekvenser sticker ut? Vilka saknas? Är det för mycket ”s” i sättet att sjunga? Leta fel, men leta också det som du upplever positivt och ta fasta på det.
      – När jag eq:ar sång är det ganska vanligt att jag ser eller hör mixar där man har boostat antingen för mycket i bas-, låg- och mellanregistret och för mycket runt 4,5 kilohertz. Detta sker ofta för att runt 200–450 hertz upplevs värmen, och pushen i övre mellan/diskanten gör att sången hoppar ut ur högtalaren. Men det som händer är att sången tvingas bråka med väldigt många instrument i olika frekvensområden där det redan är fullt av gitarrer och keyboard. Då upplevs den antingen som otydlig eller för skrikig.
      – Testa i stället att dra bort runt 200–300 hertz med ett ganska smalt Q-värde, rulla sedan av basen upp till 120 hertz med ett low cut-filter. Om du sedan skulle behöva värma upp sången lite kan du alltid lägga tillbaka lite runt 100–150 hertz med en annan eq. Sedan så skär du ett par decibel med ett inte alltför smalt Q-värde vid 4–5 kilohertz.
      – Lägg på lite vid 1,2 kilohertz för att få lite "näsa" och sedan någon eller ett par decibel vid 16 kilohertz med ett brett shelvingfilter för att få lite lyxtopp. Hur känns detta? Du måste förstås korrigera de olika frekvenstalen lite beroende på sångerskans/sångarens röst och på hur det är inspelat.
      40. Välj sångkompression beroende på genre
      Jag brukar använda olika kompressionstekniker beroende på sångare och genre. En mjuk, följsam ballad komprimerar jag mjukt med en attack/release som är lite mitt emellan snabb och långsam så att den får leva i sitt uttryck (bild 1).

      Bild 1: För en mjuk, följsam ballad komprimerar jag mjukt med en attack/release som är lite mitt emellan snabb och långsam så att den får leva i sitt uttryck.
      I en hård popstänkare komprimerar jag med två olika kompressorer. En som har lång attack, kort release och med en hög ratio. Jag sätter threshold så pass lågt att gain reduction ligger på 10–15 decibel (bild 2).

      Bild 2: Lång attack, kort release och med en hög ratio. Jag sätter threshold så pass lågt att gain reduction ligger på 10–15 decibel. I exemplet används Waves Renaissance Compressor.
      Efter det så sätter jag en mjuk lågratio-kompressor med ganska snabb attack och en lång release, så att sången håller sig på plats och åker in i ljudbilden (bild 3). Tack vare den hårda första kompressionen så får den mycket energi.

      Bild 3. En mjuk lågratio-kompressor med ganska snabb attack och en lång release, så att sången håller sig på plats och åker in i ljudbilden.
      Här finner du samtliga delar av 49 bästa mixtipsen.

      De 49 bästa mixtipsen är en uppdaterad och reviderad version av tidigare publicerad artikel med samma titel i Studio 10-2011.
    • By Ollie Olson
      29. Ge bredd och djup åt akustiska gitarrer
      Om du har ett dubbat par med akustiska gitarrer som till exempel spelar ringa-racka-i-refrängen-ackord, skicka då gitarrerna via en send till en buss där du har lagt ett kort stereodelay på 40 millisekunder på vänster sida och 60 millisekunder på höger. (Bild 1).
      Bild 1: Kort stereodelay på 40 millisekunder på vänster sida och 60 millisekunder på höger sida. I exemplet används Logics Stereodelay.
      Därefter lägger du på en chorusplugg som försiktigt färgar innan du skickar in det i ett reverb inställt på ett kort rum. (Bild 2).

      Bild 2: Lägg på en chorusplugg som försiktigt färgar ljudet innan du skickar in det i ett reverb inställt på ett kort rum. I exemplet används Waves MetaFlanger.
      Avsluta med ett reverb med ett kort rum, som agerar som stereobreddare. På detta sätt skapar du ett slags pad av gitarrerna som både ger bredd och djup. (Bild 3).
      Bild 3: Avsluta med ett reverb som agerar som stereobreddare. I exemplet används Logics Space Designer.
      30. Mixa i 3d
      Även om du bara har två högtalare att tillgå så ska du mixa i 3d. Du har två viktiga parametrar till hands: Panorering som ger bredd och rumsklang och eq som ger djup. Lär dig att våga placera olika instrument utåt kanterna. Du kan vara ganska extrem i panoreringarna, för när man hör det i ett par högtalare så samlas ljudet ändå i rummet som du lyssnar i, och det som alldeles nyss upplevdes som extrem vänster numera känns mer "i mitten". Lär dig sedan att använda olika typer och längder av reverb för att skapa olika avstånd till lyssnaren. Ju fler olika avstånd som du kan skapa desto mer luft har du skapat i mixen, vilket lämnar plats för sång, kör och hookar. Dessutom ska du tänka på att vassa och klara ljud upplevs som nära. Muggiga, dova ljud upplever man som om de vore längre bort.
      31. Välj rätt eq och reverb till akustiska gitarrer
      Beroende på vilken gitarrens funktion är så lek med instrumentets rytmiska och melodiska värden. Om du har en väldigt rytmisk gitarr så kan det vara bra att försöka göra den ganska basfattig för att den inte ska bråka med trummor. För att den ska "sticka ut” kan det vara bra med ett lite plonkigare mellanregister. På så sätt så fungerar gitarren som en extra shaker eller hihat. Tänk dig att det är shakerns eller hihatens medarbetare. Panorera gärna ett dubbat par gitarrer åt olika håll så att du ökar bredden på mixen. Men om din gitarr i stället är en mjuk och melodisk plockgitarr i ett ömt singer-songwriter-sound kan du använda mer botten och mer lyxig topp. Tänk dig att gitarren, både frekvensmässigt och känslomässigt, ska rama in sången. Lägg gärna ett kort rumsreverb på den också så får du både mer djup och värme.
      32. Limma ihop elgitarrerna
      Om du har ett par dubbade feta gitarrer som ska vara bas och grunden i din produktion är det en bra idé att panorera ut dem hårt åt höger och vänster så att du får bredd och lämnar mycket plats för sång och andra monoinstrument som mår bra av att ligga mer i mitten. Gör sedan två olika monodelaybussar. Den ena panorerar du höger och den andra vänster. Dessa delay ska ha en delaytid på 40–50 millisekunder och väldigt lite feedback. Sedan skickar du vänstergitarren till det högra delayet och tvärtom. På detta sätt uppstår en liten gitarrväg som skapar ett slags “lim” och gör att gitarrerna låter större. Var lite försiktig dock så att inte badrumskänslan uppstår.
      33. Mixa keyboard som gitarrer
      Arbeta med keyboard som med dina gitarrer. Om det gäller pads eller andra ljud med en fyllnadsfunktion så använd dem som perfekta fonder för bredd och djup. Om du är osäker på om ett massivt ljud är för starkt, är ett bra trick att tysta (mute) det ett tag och sedan plötsligt slå på det. Upplever du det som för starkt eller för svagt så är det med största sannolikhet just så. Tänk också på att för feta ljud dränker sång och körer. Gör dem hellre lite smalare i ditt första utkast, så att du kan bygga upp dem om du känner att det har blivit för tunt när allt kommit på.
      Mixa keyboard som gitarrer.
      34. Använd rätt delay på keyboard
      Använd delay med korta tider och med nästan ingen feedback som ett knep för att bygga på djupet. Skicka en leadsynt in i ett kort delay (80–100 ms) som svarar lite grand med en studs, gärna i stereo så får du genast någonting som letar sig in i ljudbilden och ger känslan av någonting som försvinner bort. Du kan också testa långa pingpong-delay eller stereodelay där du sätter lite olika värden på höger och vänster, för att få bredd och en känsla av storhet.
      Skicka en leadsynt in i ett kort delay (80–100 ms). I exemplet används SoundToys EchoBoy.
      Här finner du samtliga delar av 49 bästa mixtipsen.

      De 49 bästa mixtipsen är en uppdaterad och reviderad version av tidigare publicerad artikel med samma titel i Studio 10-2011.
    • By Ollie Olson
      25. Identifiera övriga bärande ljud
      När du har fått styr på maskinrummet, som jag brukar kalla trummor och bas, så ska vi ge oss på det som är som kött på benen. I tips 4 och 5 så pratar jag om att det dels finns instrument som är bärande för låten och dels finns instrument eller ljud som framkallar ett leende på läpparna. Börja nu med det bärande och sätt dem i en bra balans mot trummor och bas. Kontrollera hur sången känns mot dem. Ta därefter de lyckliga instrumenten och strössla med dem för att skapa karaktär och atmosfär. Tänk på att det finns en risk att man placerar ”happy channels” alldeles för högt i mixen.
      26. Gör kicken ren och stadig
      Testa att skära bort all bas upp till 300 hz. (Bild 1).
      Bild 1: Skär bort all bas upp till 300 hz. I exemplet har vi använt Logics Channel EQ.
      Ta sedan en annan, gärna faslinjär, eq (bild 2) och lägg tillbaka så mycket att det känns som en stadig kick. På så sätt skär du bort slaskiga frekvenser och lägger sedan tillbaka med något renare bas.

      Bild 2: Lägg tillbaka så mycket att det känns som en stadig kick. I detta exempel har vi använt Waves SSL E-Channel.
      Du kan också prova att lägga dit en basplugg typ Waves MaxxBass (bild 3). Då får du också ett jämnt tillägg i botten.
      Bild 3: Lägg en basplugg typ Waves MaxxBass. Då får du också ett jämnt tillägg i botten. Min favorit är att utgå ifrån inställningen "Dies Bassum".
      27. Retrokänsla på trummorna
      Testa att lägga ett kort delay på hela trumpaketet, men framför allt på virvel, pukor och hihat. Delaytiden bör vara mellan 50 och 75 millisekunder. Dra på lite feedback, och sedan ska det kännas att det studsar lite om trummorna (bild 1). Var varsam med detta även om det låter coolt och lite retro. Det blir lätt en smula tröttsamt i för stor mängd.

      Bild 1: Lägg ett kort delay på hela trumpaketet, men framför allt på virvel, pukor och hihat. Delaytiden bör vara mellan 50 och 75 millisekunder. Dra på lite feedback, och sedan ska det kännas att det studsar lite om trummorna. I exemplet används Logics Tape Delay.
      28. Anpassa basen för små högtalare
      Om du har en fet bas med mycket subbas kan det vara svårt att få den att sticka ut i småhögtalare. Prova då att ge basen så mycket runt 1,5 kilohertz (bild 1) som möjligt utan att det låter dåligt.

      Bild 1: Ge basen så mycket runt 1,5 kilohertz som möjligt.
      Testa också att klona basen till ett annat spår som du komprimerar hårt med snabb och kort attack (bild 2).

      Bild 2: Klona basen till ett annat spår som du komprimerar hårt med snabb och kort attack. I exemplet har vi  använt Waves C1 Compressor.
      I en distorsionsplugg med eq-del, som exempelvis Decapitator (eller använd en eq) – skär bort bas under 300 hz och gör en liten eq-peak runt 1 500 hz. Kör den försiktigt i distorsionspluggen (bild 3) utan att dista för mycket, och blanda denna klon försiktigt med originalbasen. Det blir väldigt subtilt i stora högtalare, men det gör att man uppfattar basen i små högtalare.
      Bild 3: Skär bort bas under 300 hz och gör en liten eq-peak runt 1 500 hz. Kör den försiktigt utan att dista för mycket, och blanda denna klon försiktigt med originalbasen. I exemplet har vi använt Sountoys Decapitator.
      Här finner du samtliga delar av 49 bästa mixtipsen.

      De 49 bästa mixtipsen är en uppdaterad och reviderad version av tidigare publicerad artikel med samma titel i Studio 10-2011.
  • Utvalda blogginlägg

  • Veckans populäraste ämnen

  • Utvalda pressmeddelanden

×
×
  • Create New...

Important Information

We have placed cookies on your device to help make this website better. You can adjust your cookie settings, otherwise we'll assume you're okay to continue.